La ópera es una forma musical y el trabajo dramático en los cuales los cantantes transportan el drama . La ópera es parte de la tradición occidental de la música clásica . Un funcionamiento de la ópera incorpora muchos de los elementos del teatro hablado, tal como de actuación, el paisaje y el viste e incorpora a veces la danza . El funcionamiento se da generalmente en un teatro de la ópera, acompañado por una orquesta o el conjunto musical de un más pequeño.

el Dafne (1597) del por el Peri de Jacopo se mira comúnmente como la primera ópera, pero el primer gran compositor de la nueva forma de arte era el Claudio Monteverdi (1567-1643), cuyos trabajos todavía se realizan hoy. La ópera pronto se separó Venecia y Roma en Italia y del resto de Europa: El Schütz en Alemania, el Lully en Francia, y el Purcell en Inglaterra ayudaron todo a establecer sus tradiciones nacionales en el siglo XVII. Sin embargo, en el siglo XVIII, la ópera italiana continuó dominando la mayor parte de Europa, excepto Francia, atrayendo a compositores extranjeros tales como Handel . El seria de la ópera era la forma más prestigiosa de ópera italiana, hasta que el Gluck reaccionara contra su artificialidad artificial con su " reform" óperas en los 1760s. La figura más influyente de la última ópera del siglo XVIII era el Mozart, que comenzó con seria de la ópera pero es la más famosa por su italiano de las óperas cómicas especialmente la unión de Figaro, Don Giovanni, y ventilador Tutte de Cosi y la flauta mágica, una señal en la tradición alemana.

El primer tercio del siglo XIX consideró el highpoint del estilo del canto de belio, con el Rossini, el Donizetti y el Bellini todo que creaba los trabajos que todavía se realizan hoy. El mediados de al siglo de fines del siglo diecinueve se considera una época dorada de la ópera, llevada por el Wagner en Alemania y el Verdi en Italia. La época dorada continuó con la era de Verismo en la ópera francesa de Italia y contemporáneo a través al Puccini y al Strauss en el siglo a principios de siglo 20. Al mismo tiempo, las nuevas tradiciones operísticas emergieron en Central Europe y Europa Oriental, particularmente en el Rusia y el Bohemia . El vigésimo siglo consideró muchos experimentos con estilos modernos, tales como Atonality y el Serialism ( Schoenberg y iceberg ), el Neo-Classicism ( Stravinsky ), y el Minimalism ( Philip Glass y John Adams ). Con la subida de tecnología de la grabación, los cantantes tales como Enrique Caruso se sabían a las audiencias más allá del círculo de los ventiladores de ópera.

Historia

Orígenes

considera también: Orígenes la ópera

La ópera del de la palabra significa el " work" en el italiano (del " latino del significado del opus ; work" o " labour") sugiriendo que combine los artes del canto, de la declamación a solas y corales, actuando y bailando en un espectáculo efectuado. el Dafne Peri de Jacopo que era la composición más temprana consideraba ópera, según lo entendido hoy. Fue escrito alrededor de 1597, en gran parte bajo inspiración de un círculo de la élite de los humanistas florentinos que sabe leer y escribir que recolectaron como el " " de Bardi del de Camerata;. Perceptiblemente, el Dafne era una tentativa de restablecer el drama griego, parte clásico del renacimiento más amplio de la antigüedad característico del renacimiento . Los miembros del Camerata consideraban eso el " chorus" las partes de los dramas griegos fueron cantadas original, y posiblemente incluso el texto entero de todos los papeles; la ópera fue concebida así como manera de " restoring" esta situación. El Dafne desafortunadamente se pierde. Un trabajo posterior de Peri, Euridice del, fechando a partir de 1600, es la primera cuenta de la ópera haber sobrevivido al hoy. El honor de ser la primera ópera todavía que se realizará regularmente, sin embargo, va al L'Orfeo del de de Claudio Monteverdi, compuesto para la corte Mantua en 1607.

Ópera italiana

considera también:

italiano de la ópera

La era barroca

La ópera no seguía siendo confined a las audiencias de la corte para de largo; en 1637 la idea de un " season" (carnaval ) de las óperas público-atendidas apoyadas por ventas del boleto emergió en Venecia. Monteverdi se había movido a la ciudad desde Mantua y había compuesto sus óperas pasadas, al d'Ulisse del ritorno de IL en el patria y al L'incoronazione di Poppea del, para el teatro veneciano en el 1640s. Su más importante Francisco Cavalli del seguidor ayudó a separar ópera en Italia. En estas óperas barrocas tempranas, la comedia amplia fue mezclada con los elementos trágicos en una mezcla que sacudió algunas sensibilidades educadas, chispeando las primeras de muchos movimientos de reforma de la ópera, patrocinado por la academia Arcadian de Venecia que vino ser asociada al Metastasio del poeta, cuyos libretos ayudados para cristalizar el género del seria de la ópera, que se convirtió en la forma principal de ópera italiana hasta el final del siglo XVIII. Una vez que el ideal de Metastasian había sido establecido firmemente, la comedia en ópera de la Barroco-era era reservada para qué vino ser llamada el buffa de la ópera.

El seria de la ópera del fue elevado en tono y stylised alto en la forma, consistiendo en generalmente recitative del secco del entremezcló con arias largas de la ceja de DA del . Éstos produjeron la gran oportunidad para el canto virtuosic y durante la época dorada del seria de la ópera del el cantante hizo realmente la estrella. El papel del héroe fue escrito generalmente para la voz del Castrato ; el castrati tal como Farinelli y Senesino, así como los sopranos de sexo femenino tal como Faustina Bordoni, se convirtió en gran demanda en Europa mientras que el seria de la ópera del gobernó la etapa en cada país excepto Francia. De hecho, Farinelli era el cantante más famoso del siglo XVIII. La ópera italiana fijó el estándar barroco. Los libretos italianos eran la norma, incluso cuando un compositor alemán como el Handel se encontró escritura para las audiencias de Londres. Los libretos italianos seguían siendo dominantes en el período clásico también, por ejemplo en las óperas Mozart, que escribieron en Viena cerca del cierre del siglo. Los compositores Italiano-natos principales del seria de la ópera incluyen el Alejandro Scarlatti, el Vivaldi y el Porpora .

Reforma: Gluck, el ataque contra el ideal de Metastasian, y Mozart

El seria de la ópera tenía sus debilidades y críticos, y el gusto para el adorno a nombre de los cantantes magnífico entrenados, y del uso del espectáculo mientras que un reemplazo para la pureza y la unidad dramáticas dibujó ataques. Francisco Algarotti 'el ensayo del de s en que la ópera (1755) demostró ser una inspiración para las reformas de s de Gluck Willibald Cristóbal '. Él abogó que el seria de la ópera del tuvo que volver a los fundamentos y que todos los varios elementos -- música (instrumental y vocal), ballet, y estacionamiento -- debe ser subordinada al drama la eliminación. Varios compositores del período, incluyendo el Niccolò Jommelli y el Tomás Traetta, intentaron poner estos ideales en práctica. El primer para tener éxito y para dejar realmente una impresión permanente sobre la historia de la ópera, sin embargo, era Gluck. Gluck intentó alcanzar un " simplicity" hermoso;. Esto se ilustra en el primer de su " reform" óperas, ed Euridice de Orfeo, donde las líneas vocales que carecen en el virtuosismo (decir) de los trabajos de Handel son apoyadas por armonías simples y una presencia de orquesta notablemente rico-que-generalmente en todas partes.

Las reformas de Gluck han tenido resonancia a través de la historia operística. Weber, a Mozart y Wagner, particularmente, influenciaron sus ideales. Mozart, en gran medida sucesor de Gluck, combinado un sentido magnífico del drama, armonía, melodía, y contrapunto de escribir una serie de comedias, notablemente tutte del ventilador de Così, di Figaro de Le Nozze, y Don Giovanni óperas de (en colaboración con el Lorenzo DA Ponte ) que permanecen entre más-haber amado, popular del y bien conocido hoy. Pero la contribución de Mozart al seria de la ópera del era más mezclada; por su tiempo moría lejos, y a pesar de los trabajos finos tales como el Idomeneo del y el La Clemenza di Tito del, él no tendrían éxito en traer la forma de arte de nuevo a vida otra vez.

Canto de belio, Verdi y verismo

El movimiento de la ópera del canto de belio prosperó en el siglo XIX temprano y es ejemplificado por las óperas Rossini, Bellini, Donizetti, Pacini, Mercadante y de muchos otros. Literalmente " singing" hermoso;, la ópera del canto de belio del deriva de la escuela estilística italiana del canto del mismo nombre. Las líneas del canto de belio son típicamente floridas e intrincadas, requiriendo control supremo de la agilidad y de echada.

Después de la era del canto de belio, un estilo más directo, más poderoso fue popularizado rápido por el Giuseppe Verdi, comenzando con su bíblico Nabucco del de la ópera. Las óperas de Verdi resonaron con el alcohol growing del nacionalismo italiano en la era napoleónica post-, y él hizo rápidamente un icono del movimiento patriótico (aunque sus propias políticas eran quizás no absolutamente tan radical). En los 1850s tempranos, Verdi produjo sus tres óperas más populares: Rigoletto del, trovatore de IL y La traviata . Pero él continuó desarrollando su estilo, componiendo quizás la ópera magnífica francés más grande, Don Carlos del, y terminando su carrera con dos trabajos Shakespeare-inspirados, el Otello del y el Falstaff, que del revelan hasta dónde ópera italiana habían crecido en la sofisticación desde el siglo XIX temprano.

Después de Verdi, el " sentimental; realistic" el melodrama del verismo apareció en Italia. Esto era un estilo introducido por el Pagliacci del de s de Pedro Mascagni ' Cavalleria Rusticana de del de s y Leoncavallo Ruggiero 'del que vino virtualmente dominar las etapas de la ópera del mundo con los trabajos populares tales como el La Boheme de de Giacomo Puccini, el Tosca del, y la mariposa de Madama. Compositores italianos posteriores, tales como Berio y Nono, han experimentado con el modernismo .

Ópera de lengua alemana

considera también:

alemán de la ópera

La primera ópera alemana era Dafne, compuesto por el Heinrich Schütz en 1627 (la música no ha sobrevivido). La ópera italiana llevó a cabo un gran sacudimiento sobre países de habla alemana hasta el último siglo XVIII. Sin embargo, las formas nativas se convirtieron también. En el 1644 Sigmund Staden produjo el primer Singspiel, una forma popular del de ópera de lengua alemana en la cual el canto alterna con diálogo hablado. En los últimos 17mos y tempranos siglos XVIII, el teatro est Gänsemarkt en el Hamburgo presentó óperas alemanas por el Keiser, el Telemann y el Handel . Con todo muchos de los compositores alemanes principales del tiempo, incluyendo Handel mismo, así como el Graun, el Hasse y el posterior Gluck, eligieron escribir la mayor parte de sus óperas en los idiomas extranjeros, especialmente italianos.

Singspiele, de s de Mozart el 'del muere el Serail (1782) del dem del aus de Entführung y el muere Zauberflöte (1791) era una brecha importante en la realización del reconocimiento internacional para la ópera alemana. La tradición fue desarrollada en el siglo XIX por el Beethoven con su Fidelio del, inspirado por el clima de la Revolución Francesa . El Carl Maria von Weber estableció ópera romántica alemana en la oposición a la dominación del canto de belio italiano . Su Der Freischütz (1821) del demuestra su genio para crear una atmósfera sobrenatural. Otros compositores de la ópera del tiempo incluyen el Marschner, el Schubert, el Schumann y el Lortzing, pero la figura más importante era indudable Richard Wagner .

Wagner era uno de los compositores más revolucionarios y más polémicos de la historia musical. Comenzando bajo influencia Weber y Meyerbeer, él desarrolló gradualmente un nuevo concepto de ópera como Gesamtkunstwerk (un " terminar el trabajo del art"), una fusión de la música, poesía y pintura. En sus dramas de música maduros, el und Isolda, de Tristan muere a Meistersinger von Nürnberg, DES Nibelungen del anillo de Der y Parsifal del, él suprimió la distinción entre la aria y el recitative a favor de un flujo inconsútil de " melody" sin fin;. Él aumentó grandemente el papel y la energía de la orquesta, creando cuentas con una tela compleja de los temas que se repetían de Leitmotivs asociados a menudo a los carácteres y a los conceptos del drama; y lo prepararon para violar convenciones musicales aceptadas, tales como tonalidad, en su búsqueda para la mayor expresividad. Wagner también trajo una nueva dimensión filosófica a la ópera en sus trabajos, que fueron basados generalmente en historias leyenda Arthurian germánica de o . Finalmente, Wagner construyó su propio teatro de la ópera en el Bayreuth, dedicada exclusivamente a realizar sus propios trabajos en el estilo que él quiso.

La ópera nunca sería igual después de Wagner y para muchos compositores su herencia probó una carga pesada. Por una parte, el Richard Strauss aceptó ideas wagnerianas pero las tomó en enteramente nuevas direcciones. Él primero ganó fama con el escandaloso Salome del y el oscuro Elektra del de la tragedia, hacia adentro los cuales la tonalidad fue empujada a los límites. Entonces Strauss cambió la tachuela en su éxito más grande, Der Rosenkavalier del, donde los vals vieneses Mozart y llegaron a ser tan importantes una influencia como Wagner. Strauss continuó produciendo un cuerpo alto variado de trabajos operísticos, a menudo con los libretos por el Hugo von Hofmannsthal, la derecha del poeta para arriba hasta el capricho en 1942. Otros compositores que hicieron que las contribuciones individuales a la ópera alemana en el siglo a principios de siglo 20 incluyen el Zemlinsky, el Hindemith, el Kurt Weill y el Italiano-nato Ferruccio Busoni . Las innovaciones operísticas Arnold Schoenberg y sus sucesores se discuten en la sección en modernismo.

Ópera francesa

considera también:

francés de la ópera

En rivalidad con producciones italianas importadas de la ópera, una tradición francesa separada fue fundada por el italiano Jean-Baptiste Lully en la corte de rey Louis XIV . A pesar de su origen extranjero, Lully estableció a academia de la música y monopolizó ópera francesa a partir de 1672. Comenzando con el Cadmus y Hermione del, Lully y su Quinault del libretista crearon el musique, una forma del en de Tragédie en la cual la música de danza y la escritura coral eran particularmente prominentes. Las óperas de Lully también demuestran una preocupación por el Recitative expresivo cuáles emparejaron los contornos de la lengua francesa. En el siglo XVIII, el sucesor más importante de Lully era el Jean-Felipe Rameau, que compuso el musique del en de cinco del tragédies así como trabajos numerosos en otros géneros tales como Ópera-ballet, todo persona notable para su atrevimiento rico de la orquestación y del armónico. Después de la muerte de Rameau, el alemán Gluck fue persuadido para producir seis óperas para la etapa parisiense en los 1770s. Demuestran la influencia de Rameau, pero simplificado y con mayor foco en el drama. Al mismo tiempo, por el centro del siglo XVIII otro género ganaba renombre en Francia: Opéra comique . Éste era el equivalente alemán Singspiel, donde las arias alternaron con diálogo hablado. Los ejemplos notables en este estilo fueron producidos por el Monsigny, el Philidor y, sobretodo, el Grétry . Durante el período revolucionario, los compositores tales como Méhul y el Cherubini, que eran seguidores de Gluck, trajeron una nueva seriedad al género, que nunca había sido enteramente " comic" en todo caso.

Por el 1820s, la influencia de Gluckian en Francia había llevado a un gusto para el canto de belio italiano, especialmente después de la llegada Rossini en París. El Guillaume Tell del de Rossini ayudado encontró el nuevo género de la ópera magnífica, una forma cuyo la mayoría del exponente famoso era otro extranjero, Giacomo Meyerbeer . Los trabajos de Meyerbeer, tales como Les Huguenots del acentuaron el canto del virtuoso y efectos de etapa extraordinarios. Un comique más ligero del opéra del también disfrutó de enorme éxito en las manos Boïeldieu, Auber, Hérold y Adolfo Adán . En este clima, las óperas Francés-nato Hector Berlioz del compositor lucharon para ganar una audiencia. El épico Les Troyens, la culminación del de la obra maestra de Berlioz de la tradición de Gluckian, casi no fue dado un funcionamiento completo por cientos años.

Por la mitad segundo del siglo XIX, Jacques Offenbach creó la opereta con los trabajos ingeniosos y cínicos tales como enfers aux. de Orphée; El Charles Gounod anotó un éxito masivo con el Faust del ; y el Bizet compuso el Carmen del, que, una vez que las audiencias aprendidas para aceptar su mezcla del romanticismo y del realismo, se convirtió en el más popular de todos los comiques del opéra. El Massenet, el Santo-Saëns y el Delibes todo compusieron los trabajos que siguen siendo parte del repertorio estándar. Al mismo tiempo, la influencia Richard Wagner era sentida como desafío a la tradición francesa. Muchos críticos franceses rechazaron airadamente los dramas de música de Wagner mientras que muchos compositores franceses los imitaron de cerca con éxito variable. Quizás la respuesta más interesante vino Claude Debussy . Como en los trabajos de Wagner, la orquesta desempeña un papel determinante en el único Pelléas del de la ópera de Debussy y Mélisande (1902) y allí no es ninguna aria verdadera, solamente recitative. Pero se minimisa el drama, enigmático y totalmente unWagnerian.

Otros nombres notables del vigésimo siglo incluyen el Ravel, el Dukas, el Roussel y el Milhaud . El Francisco Poulenc es uno muy de los pocos compositores de la posguerra de cualquier nacionalidad cuyas óperas (que incluyen el dialogan los carmélites del DES) hayan ganado un equilibrio en el repertorio internacional. El d'Assise sagrado muy largo (1983) de François del santo del drama de de Olivier Messiaen también ha atraído la atención extensa.

Ópera de lengua inglesa

En Inglaterra, el antecedente de la ópera era la plantilla siglo XVII. Éste era un sainete que vino en el extremo de un juego. Era con frecuencia el y escandaloso difamatorio y consistido en la cañería del sistema del diálogo a la música dispuesta de consonancias populares. A este respecto, las plantillas anticipan las óperas de la balada del siglo XVIII. Al mismo tiempo, el Masque francés ganaba un asimiento firme en la corte inglesa, con esplendor aún más pródigo y paisaje alto realista que había sido visto antes. El Ínigo Jones sintió bien al diseñador quintaesencial de estas producciones, y este estilo era dominar la etapa inglesa por tres siglos. Estas canciones y danzas contenidas masques. En amantes del de s de Jonson Ben los 'hicieron los hombres (1617), " el masque entero fue cantado después de la manera italiana, recitativo" del stilo;.

acercamiento de los teatros cerrados ingleses de la Commonwealth y parado cuaesquiera progresos que pudieron haber llevado al establecimiento de ópera inglesa. Sin embargo, en 1656, el Guillermo Davenant del sir del dramaturgo produjo el el cerco de Rodas . Puesto que su teatro no fue autorizado para producir drama, él invitó varios a compositores principales (Lawes, Cooke, Locke, Coleman y Hudson) a las secciones determinadas de él a la música. Este éxito fue seguido por el la crueldad de los españoles en Perú (1658) y el la historia de sir Francisco Drake (1659). Estos pedazos fueron animados por el Oliver Cromwell porque eran críticos de España. Con la restauración inglesa, acogieron con satisfacción los músicos extranjeros (especialmente del francés) detrás. En 1673, psique del de s de Shadwell Thomas la ', modeló en los 1671 “comédie-ballets” del mismo nombre producido por el Molière y el Jean-Baptiste Lully . El Guillermo Davenant produjo el la tempestad en el mismo año, que era el primer juego de Shakespeare que se fijará a la música (compuesta por Locke y Johnson).

En el vigésimo siglo, la ópera inglesa comenzó a afirmar más independencia, con los trabajos Rafael Vaughan Williams y particularmente el Benjamin Britten, que en una serie de los trabajos finos que sigue habiendo en repertorio estándar hoy, reveló un instinto excelente para el musicality dramático y magnífico. Los compositores tales como Thomas Adès continúan hoy exportando ópera inglesa al extranjero.

También en el vigésimo siglo, los compositores americanos tienen gusto Gershwin, Gian Carlos Menotti, y el Carlisle Floyd comenzó a contribuir las óperas de lengua inglesa infundidas con tactos de estilos musicales populares. Fueron seguidos por los modernists como el Philip Glass, la marca Adamo, el Juan Coolidge Adams, y el Jake Heggie .

Ópera rusa

considera también:

ruso de la ópera La ópera fue traída al Rusia en el 1730s por las compañías operísticas italianas y pronto sintió bien a partes importantes de hospitalidad para la aristocracia rusa de la corte imperial y. Se invitó a muchos compositores extranjeros tales como Baldassare Galuppi, Juan Paisiello, José Sarti, y Domingo Cimarosa (así como varios otros) a Rusia que compusieran nuevas óperas, sobre todo en el de lengua italiana. Simultáneamente enviaron algunos músicos domésticos como el Maksym Berezovsky y el Dmytro Bortniansky al extranjero para aprender escribir óperas. La primera ópera escrita en el ruso era Tsefal i Prokris del al lado italiano Francisco Araja (1755) del compositor. El desarrollo de la ópera de la Ruso-lengua fue apoyado por el ruso Vasily Pashkevich de los compositores, el Yevstigney Fomin y el Alexey Verstovsky .

Sin embargo, el nacimiento verdadero de la ópera rusa vino con el Mikhail Glinka y su de dos gran óperas a la vida para el Tsar, (1836) y el Ruslan y Lyudmila (1842) del . Después de que le en el siglo XIX en Rusia allí escribiera las obras maestras operísticas tales como el Rusalka del y el la huésped de piedra por el Alexander Dargomyzhsky, el Boris Godunov del y el Khovanshchina del por el Mussorgsky modesto, príncipe Igor por el Alexander Borodin, el Eugene Onegin del y el la reina de las espadas por el Pyotr Tchaikovsky, y el la nieve virginal y el Sadko del el Nikolai Rimsky-Korsakov . Estos progresos reflejaron el crecimiento del nacionalismo ruso a través del espectro artístico, como parte del movimiento más general de Slavophilism .

En el vigésimo siglo las tradiciones de la ópera rusa fueron desarrolladas por muchos compositores incluyendo el Sergei Rachmaninov en su de los trabajos el caballero mezquino y Franchesca DA Rimini, Igor Stravinsky del en el Le Rossignol del, Mavra del, el rex de Oedipus, y el progreso, Sergei Prokofiev del rastrillo en el jugador, el amor para tres naranjas, el ángel ardiente, desposorio en un monasterio, y la guerra y la paz ; así como el Dmitri Shostakovich en la nariz y señora Macbeth del districto de Mtsensk, el Edison Denisov en los jours del DES de L'écume, y el Alfred Schnittke en vida con un idiota, y el Historia von D.

Otras óperas nacionales

El España también produjo su propia forma distintiva de ópera, conocida como Zarzuela, que tenía dos flowerings separados: uno del siglo XVII, y otro principio en el siglo de mid-19th. Durante el siglo XVIII, la ópera italiana era inmenso popular en España, suplantando la forma nativa.

Los compositores checos también desarrollaron un movimiento nacional próspero de la ópera sus los propios en el siglo XIX, comenzando con el Bedřich Smetana que escribió a ocho óperas incluyendo el internacionalmente popular del la novia trocada . El Antonín Dvořák, más famoso por el Rusalka del, escribió 13 óperas; y el Leoš Janáček ganó el reconocimiento internacional en el vigésimo siglo para sus trabajos innovadores incluyendo el Jenůfa del, el el pequeño Vixen astuto, y el Káťa Kabanová del .

La figura clave de la ópera nacional húngara en el siglo XIX era el Ferenc Erkel, cuyos trabajos se ocuparon sobre todo de temas históricos. Entre sus óperas lo más a menudo posible realizadas están el Hunyadi László y el bán de Bánk del . La ópera húngara moderna más famosa es Castle de Béla Bartók de duque Bluebeard.

El compositor más conocido de la ópera nacional del polaco era Stanislaw Moniuszko, celebrado más para el Straszny Dwór de la ópera. En el vigésimo siglo, otras óperas creadas por los compositores polacos incluyeron a rey Rogelio por el Karol Szymanowski y Ubu Rex por el Krzysztof Penderecki .

Tendencias contemporáneas, recientes, y del Modernist

Modernismo

Quizás la manifestación estilística más obvia del modernismo en ópera es el desarrollo del Atonality . El movimiento lejos de la tonalidad tradicional en ópera había comenzado con el Wagner, y particularmente el acorde de Tristan. Los compositores tales como Richard Strauss, Claude Debussy, Giacomo Puccini, Paul Hindemith y Juan Pfitzner empujaron armonía wagneriana más lejos con un uso más extremo del chromaticism y el mayor uso de la disonancia.

El modernismo operístico comenzó verdad en las óperas de dos compositores vieneses, Arnold Schoenberg y su iceberg de Alban del acólito, de ambos compositores y de los abogados del atonality y de su último desarrollo (según lo resuelto por Schoenberg), Dodecaphony . Los trabajos de Schoenberg, el Erwartung del (1909, premiered en 1924) y el musico-dramáticos tempranos del mueren uso pesado de la exhibición de la mano del glückliche de la armonía y de la disonancia cromáticas en general. Schoenberg también utilizó de vez en cuando el Sprechstimme, que él describió como: " La voz que se levanta y que baja concerniente a los intervalos indicados, y todo que es limitada junto con la época y el ritmo de la música exceptúan donde está indicated" una pausa;.

Las dos óperas del iceberg de Alban de la pupila de Schoenberg, Wozzeck del y Lulu (incompleto izquierdo del en su muerte) comparten muchas de las mismas características como se describe anteriormente, aunque el iceberg combinó su interpretación alto personal de la técnica dodecafónica de Schoenberg con los pasos melódicos más tradicionalmente de una naturaleza tonal (absolutamente Mahlerian en carácter) que explica quizás parcialmente porqué ha seguido habiendo sus óperas en repertorio estándar, a pesar de su música y diagramas polémicos. Las teorías de Schoenberg han influenciado (directo o indirectamente) números significativos de compositores de la ópera desde entonces, incluso si ellos mismos no compusieron usar sus técnicas. Los compositores influenciados así incluyen el Benjamin Britten del inglés, el alemán Juan Werner Henze, y el ruso Dmitri Shostakovich . (el Philip Glass también hace uso de atonality, aunque su estilo se describe generalmente como minimalist, pensó generalmente en como otro desarrollo del vigésimo siglo.)

Sin embargo, el uso del modernismo operístico de dodecaphony chispeó un contragolpe entre varios compositores principales. Prominente entre la vanguardia de éstos era el ruso Igor Stravinsky . Después de componer la música obviamente modernista para el Diaghilev - el producido Petrushka del de los ballets y el el rito del resorte, en los años 20 Stravinsky dieron vuelta al al Neoclassicism, culminando en su Oedipus Rex ópera-oratorio. Cuando él compuso una ópera integral que estaba fuera duda a la ópera (después de que la suya Rimsky-Korsakov-inspiró el de los trabajos el usignuolo (1914), y el Mavra (1922) del ), en el progreso del rastrillo que él continuó no haciendo caso de técnicas del serialist y que escribió un décimo octavo " del siglo-estilo; number" ópera, usar diatonicism. Su resistencia al Serialism (que terminó en la muerte de Schoenberg) demostró ser una inspiración para muchos otros compositores.

Otro tiende

Una tendencia común a través del vigésimo siglo, en ópera y repertorio de orquesta general, es la reducción de la talla de fuerzas de orquesta. Mientras que el patrocinio de los artes disminuye, las nuevas obras se comisionan y se realizan con presupuestos más pequeños, muy a menudo dando por resultado trabajos compartimiento-clasificados, y óperas de un acto. Muchos óperas de s de Britten Benjamin de las 'se anotan para únicamente 13 instrumentalists; La marca Adamo 's dos-actúa realización mujeres de las pequeñas que se anota para 18 instrumentalists.

Otra característica de la ópera del vigésimo siglo es la aparición de óperas históricas contemporáneas. el la muerte de Klinghoffer y el Nixon del en China por el John Adams, y el hombre muerto que camina por el Jake Heggie ejemplifican el dramatisation en la etapa de acontecimientos en memoria viva reciente, donde estaban vivos los carácteres retratados en la ópera a la hora del funcionamiento de la premier. Modelos anteriores de la ópera se pegaron generalmente a una historia más distante, relatando de nuevo las historias ficticias contemporáneas (reworkings de juegos populares), o las historias míticas/legendarias.

La ópera del metropolitano divulga que la edad media de sus patrón ahora es 60. Muchas compañías de ópera han experimentado una tendencia similar, y los Web site de la compañía de ópera son repletos con tentativas de atraer a una audiencia más joven. Esta tendencia es parte de la tendencia más grande de las audiencias greying para la música clásica desde las décadas pasadas del vigésimo siglo.

De musicals mover hacia atrás hacia ópera

También por los últimos años 30, algunos musicals comenzaron a ser escritos con una estructura más operística. Estos trabajos incluyen conjuntos polifónicos complejos y reflejan progresos musicales de sus épocas. el Porgy y Bess, influenciado por estilos del jazz, y el Candide del, con su barrer, los pasos líricos y los parodiar absurdos de la ópera, ambos se abrieron en el Broadway pero se aceptaron como parte del repertorio de la ópera. el barco de la demostración, la historia del lado oeste, el Brigadoon del, el Sweeney Todd del, el Evita del, el la luz en la plaza y otros cuentan historias dramáticas con música compleja y ahora se ven a veces en teatros de la ópera. Algunos musicals, comenzando con el Tommy (1969) del y la superestrella (1971) del Jesucristo y continuando a través Les Miserables (musical) (el an o 80), alquiler (1996) y resorte del que despierta (2006), utilizan varias convenciones operísticas, tales como a través de la composición, recitative en vez de diálogo, leitmotivs, e historias dramáticas contadas predominante con roca o música pop.

Realce acústico con los altavoces

Un tipo sutil de refuerzo sano llamado el realce acústico se utiliza en algunos salones de conciertos en donde se realizan las óperas. Los sistemas acústicos del realce ayudan a dar un más incluso sano en el pasillo y a prevenir el " spots" muerto; en la zona para sentarse de la audiencia por el " … aumentar characteristics." acústico intrínseco de un pasillo; Los sistemas utilizan el " … un arsenal de micrófonos conectó con una computadora está conectado con un arsenal de loudspeakers." Sin embargo, como los concertgoers han sido enterados del uso de estos sistemas, los discusiones se han presentado, porque " … los puristas mantienen que el sonido acústico natural de los instrumentos de las voces en un pasillo dado no debe ser altered."

Secreto sucio de la ópera del del artículo de Kai Harada pequeño estados que los teatros de la ópera han comenzado usar " acústico electrónico de los sistemas del realce; … para compensar defectos en architecture." acústico de un lugar; A pesar de el alboroto que se ha presentado entre operagoers, Harada precisa que ningunos de los teatros de la ópera usar " acústico de los sistemas del realce; … uso tradicional, refuerzo sano del Broadway-estilo, en el cual la mayoría si no todos los cantantes se equipan de los micrófonos de radio mezclados a una serie de altavoces feos dispersados a través del theatre." En lugar, la mayoría de los teatros de la ópera utilizan el sistema sano del refuerzo para el realce acústico, y para el impulso sutil de voces offstage, del diálogo en el escenario, y de los efectos sonoros (e., campanas de iglesia en el Tosca o el trueno de en óperas wagnerianas).

Voces operísticas

Clasificaciones vocales

El tipo de la voz clasifican a los cantantes y los papeles que desempeñan, basado en el Tessitura, la agilidad, la energía y el timbre de sus voces. Los cantantes de sexo masculino pueden ser clasificados libremente por la gama vocal como bajo, el Bajo-barítono, el barítono, el tenor y el Countertenor, y los cantantes de sexo femenino como Contralto, el mezzosoprano y el soprano . (Los hombres cantan a veces en el " female" gamas vocales, en este caso los llaman Sopranist o el Countertenor . De éstos, solamente el Countertenor se encuentra comúnmente en la ópera, cantando a veces las piezas escritas para el Castrati -- hombres neutralizados en una edad joven específicamente para darles una gama más alta del canto.) El tipo de la voz entonces clasifican a los cantantes - por ejemplo, un soprano puede ser descrito como un soprano lírico, un Coloratura, un Soubrette, un Spinto, o soprano dramático. Estos términos, aunque no completamente describan una voz de canto, asocian la voz del cantante a los papeles más convenientes a las características vocales del cantante. La voz de un cantante particular puede cambiar drástico sobre su curso de la vida, alcanzando raramente madurez vocal hasta la tercera década, y a veces no hasta Edad Media.

Uso histórico de las piezas de voz

El el siguiente se piensa solamente como breve descripción. Para los artículos principales, ver al soprano, al mezzosoprano, al alto, al tenor, al barítono, al bajo, al Countertenor y a Castrato .

La voz del soprano se ha utilizado típicamente a través de historia operística como la voz de la opción para el protagonista femenino de la ópera en la pregunta. El énfasis actual en una gama vocal ancha era sobre todo una invención del período clásico . Antes que, el virtuosismo vocal, no gama, era la prioridad, con el soprano parte raramente extender sobre un colmo A ( Handel, por ejemplo, sólo escribió un papel que extendía a un alto C), aunque el Farinelli del castrato fue alegado para poseer una tapa D (su gama más baja era también extraordinaria, extendiendo al tenor C). El mezzosoprano, un término del origen comparativamente reciente, también tiene un repertorio grande, extendiéndose del plomo femenino en el Dido y Aeneas de Purcell a los papeles pesados tales como Brangäne en el und Isolda de Tristan del de Wagner (éstos son ambos papeles cantados a veces por los sopranos; hay bastantes de " movement" entre estos dos voz-tipos). Para el contralto verdadero, la gama de piezas es más limitada, por lo tanto el refrán que los contraltos solamente cantan a " Brujas, perras, y " del britches ;. Estos últimos años muchos de los papeles del pantalón a partir de la era barroca, escrito original para las mujeres, y ésos cantadas original por castrati, se han asignado a los countertenors.

La voz de tenor, a partir de la era clásica hacia adelante, se ha asignado tradicionalmente el papel del protagonista masculino. Muchos de los papeles más desafiadores del tenor del repertorio fueron escritos durante la era del canto de belio del, tal como secuencia de s de Donizetti 'del Cs 9 sobre C media durante el La fille du régiment . Con Wagner vino un énfasis en la influencia vocal para sus papeles del protagonista, con esta categoría vocal descrita como Heldentenor del ; esta voz heroica tenía sus más contrapartes de Italianate en los papeles tales como Calaf en el Turandot de Puccini. Los bajos tienen una larga historia en la ópera, siendo utilizado en el seria de la ópera del en papeles favorables, y a veces para la relevación cómica (así como el abastecimiento de un contraste a la preponderancia de altas voces en este género). El repertorio bajo es ancho y variado, estirando de la comedia de Leporello en el Don Giovanni del a la nobleza de Wotan en el ciclo del anillo de Wagner. Entre el bajo y el tenor está el barítono, que también varía en " weight" de decir, Guglielmo en el tutte del ventilador de Così del de Mozart a Posa en el Don Carlos de Verdi; el " real de la designación; baritone" no fue utilizado hasta el mediados de-diecinueveavo siglo.

Cantantes famosos

Los funcionamientos tempranos de la ópera eran demasiado infrecuentes para que los cantantes hagan una vida exclusivamente del estilo, pero con el nacimiento de la ópera comercial en el siglo de mid-17th, los ejecutantes profesionales comenzaron a emerger. El papel del héroe masculino fue confiado generalmente a un Castrato, y por el siglo XVIII, cuando la ópera italiana fue realizada en Europa, el castrati principal que poseyó virtuosismo vocal extraordinario, tal como Senesino y Farinelli, se convirtió en estrellas internacionales. La carrera de la estrella de sexo femenino del primer comandante (o Prima donna ), Ana Renzi, fechas al mid-1600s. Al siglo XVIII, un número de sopranos italianos ganaron renombre internacional y engancharon a menudo a rivalidad feroz, al igual que el caso con el Faustina Bordoni y el Francisca Cuzzoni, que comenzaron una lucha del puño el uno con el otro durante un funcionamiento de una ópera de Handel. El castrati tenido aversión francés, prefiriendo a sus héroes masculinos que se cantarán por un Haute-contre (un alto tenor), cuyo el José Legros era un ejemplo principal.

Ver también

Listas

la recopilación - una lista extendida de la ópera de más de 1400 trabajos de más de 400 compositores.
El glosario de la música llama
Lista de óperas por el título - una lista alfabética por el título de óperas con los artículos de Wikipedia.
Lista de las óperas importantes - una lista anotada, cronológica, seleccionada de óperas que son incluidas para su significación histórica, renombre extenso, o ambos.
Lista de los compositores importantes de la ópera - una compilación anotada lo más frecuentemente de los compositores nombrados en diez listas publicó por los expertos de la ópera.
Lista de los teatros de la ópera
Lista de las compañías de ópera importantes
Lista de los festivales de la ópera
Lista de los directores de la ópera
Tipo de la voz, la clasificación de cantantes por el tessitura, peso, y timbre de sus voces.
Lista de los cantantes de la ópera por las gamas

Asuntos relacionados

Ópera persa
Ópera polaca
Ópera rusa
Ópera francesa
Ópera alemana
Ópera italiana
Ópera china
Música
Danza
Orquesta

.

Zenithic

Ópera

Random links:

Arda | Tipo 23 fragata | Fuerza aérea siria | RCA 1802 | Benifato