El arte japonés cubre una amplia gama de los estilos y de los medios del arte, incluyendo la cerámica antigua, la escultura en madera y bronce, la pintura de la tinta en la seda y el papel, y una miríada de otros tipos de obras de arte. También tiene una larga historia, extendiéndose de los principios de la habitación humana en el Japón, alguna vez en el 10mo milenio A.

Históricamente, Japón ha estado conforme a invasiones repentinas de las nuevas y extranjeras ideas seguidas por largos periodos del contacto mínimo con el mundo exterior. El japonés desarrolló en un cierto plazo la capacidad de absorber, imita, y finalmente asimila esos elementos de la cultura extranjera que complementaron sus preferencias estéticas. El arte complejo más temprano de Japón fue producido en los 7mos y 8vos siglos A. con respecto al Buddhism . En el siglo IX, como el japonés comenzó a apartarse China y desarrollar formas indígenas de expresión, los artes seculares llegaron a ser cada vez más importantes; hasta los últimos artes religiosos y seculares del siglo XV, prosperó. Después de la guerra ( 1467 - 1477 ) de Ōnin, Japón incorporó un período de interrupción política, social, y económica que duró por encima un siglo. En el estado que emergió bajo dirección del shogunate de Tokugawa, la religión organizada desempeñó un papel mucho menos importante en las vidas de la gente, y los artes que sobrevivieron eran sobre todo seculares.

La pintura es la expresión artística preferred en Japón, practicado por aficionado y el profesional igualmente. Hasta tiempos modernos, el japonés escribió con un cepillo algo que una pluma, y su familiaridad con técnicas del cepillo las ha hecho particularmente sensibles a los valores y a la estética de la pintura. Con la subida de cultura popular en el período de Edo, un estilo de las impresiones del woodblock llamadas Ukiyo-e del se convirtió en un artform importante y sus técnicas fueron templadas muy bien para producir impresiones coloridas todo de noticias diarias a los libros escolares. El japonés, en este período, encontró la escultura un medio mucho menos comprensivo para la expresión artística; la mayoría de la escultura japonesa se asocia a la religión, y el uso del medio se disminuye con la importancia de disminución del Buddhism tradicional.

La cerámica japonesa está entre el más fino del mundo e incluye los artefactos sabidos más tempranos de su cultura. En la arquitectura, las preferencias japonesas por materiales naturales y una interacción del espacio interior y exterior se expresan claramente.

Hoy, Japón rivaliza la mayoría de las otras naciones modernas en sus contribuciones al arte moderno, manera y la arquitectura, con las creaciones de un verdadero moderno, global, y multicultural (o acultural) dobló.

Historia del arte japonés

Arte de Jōmon

¿Los primeros colonos de Japón, la gente de Jōmon (c 11000? – c 300 A.), nombrado para las marcas de la cuerda que adornaron las superficies de sus recipientes de la arcilla, era los cazador-recolectores nómadas que practicaron más adelante el cultivo organizado y ciudades construidas con la población de millares de los centenares si no. Se incorporaron casas simples del sistema de madera y de la paja a hoyos de tierra bajos para proporcionar calor del suelo. Hicieron las cubas de almacenamiento pródigo adornadas de la cerámica, las estatuillas de la arcilla llamadas Dogu del, y las joyas a mano cristalinas.

Arte de Yayoi

La onda siguiente de inmigrantes era la gente de Yayoi, nombrada para el districto en el Tokio en donde los remanente de sus establecimientos primero fueron encontrados. Esta gente, llegando en Japón cerca de 350 A., trajo su conocimiento de la cultivación del arroz del humedal, la fabricación de campanas de cobre del arma y de bronce ( Dōtaku del ), y rueda-lanzado, horno-encendió cerámica.

Arte de Kofun

La tercera etapa en prehistoria japonesa, el Kofun, o el túmulo, período (ANUNCIO 250&ndash de c; 552), representa una modificación de la cultura de Yayoi, atribuible al desarrollo interno o a la fuerza externa. En este período, los grupos de personas diversos formaron alianzas políticas y se unieron en una nación. Los artefactos típicos son espejos de bronce, símbolos de alianzas políticas, y las esculturas de arcilla llamadas Haniwa del que fueron erigidas fuera de las tumbas.

Arte de Asuka y de Nara

Durante el Asuka y los períodos de Nara que nombró tan porque el asiento del gobierno japonés fue situado en el valle de Asuka 552 al 710 y en la ciudad Nara hasta el 784, la primera invasión significativa por la cultura continental asiática ocurrió en Japón.

La transmisión del Buddhism proporcionó el ímpetu inicial para los contactos entre el China, el Corea y el Japón . El japonés reconoció las facetas de la cultura china que se podrían incorporar provechoso en sus los propios: un sistema para convertir ideas y sonidos en la escritura; Historiografía ; teorías complejas del gobierno, tales como una burocracia eficaz ; y, el más importante para los artes, las nuevas tecnologías, las nuevas técnicas del edificio, los métodos más avanzados de lanzamiento en el bronce, y las nuevos técnicas y medios para la pintura.

A través de los 7mos y 8vos siglos, sin embargo, el foco principal en contactos entre Japón y el continente asiático era el desarrollo del Buddhism. No todos los eruditos están de acuerdo con las fechas significativas y los nombres apropiados aplicarse a los varios plazos entre el 552, la fecha oficial de la introducción de Buddhism en Japón, y el 784, cuando el capital japonés fue transferido de Nara. Las designaciones mas comunes son el período de Suiko, &ndash 552 ; 645 ; el período de Hakuho, &ndash 645 ; 710, y el período de Tenpyō, &ndash 710 ; 784 .

Las esculturas japonesas más tempranas del Buddha se fechan al 6to y siglo VII. Derivan en última instancia del arte Greco-Budista del 1ro-3ro del siglo del CE Gandhara, caracterizado por los patrones del vestido que fluyen y la representación realista, en los cuales los rasgos artísticos chinos y coreanos fueron sobrepuestos. Ilustran el punto terminal de la transmisión del camino de seda del arte durante los primeros siglos de nuestra era. Otros ejemplos se pueden encontrar en el desarrollo de la iconografía de dios japonés del viento de Fujin, de los guardas del NIO, y de los patrones florales clásicos near- en decoraciones del templo.

Las estructuras budistas más tempranas todavía existantes en Japón, y los edificios de madera más viejos Extremo Oriente se encuentran en el Hōryū-ji al sudoeste de Nara. Primero construido en el siglo VII temprano como el templo privado de príncipe Shotoku, de la corona consiste en 41 edificios independientes. Los más importantes, el pasillo principal de la adoración, o el Kondo (Pasillo de oro), y el Goju-ninguno-a (pagoda Five-story ), se colocan en el centro de zonas abiertas rodeadas por un claustro cubierto. El Kondo, en el estilo de los pasillos de la adoración del chino, es una estructura de dos pisos de la construcción de la poste-y-viga, capsulada por un Irimoya del, o azotea triste-en pin3on de baldosas cerámicas.

Dentro del Kondo, en una plataforma rectangular grande, están algunas de las esculturas más importantes del período. La imagen central es una trinidad de Shaka ( 623 ), el histórico Buddha flanqueado por dos el molde de la escultura de los Bodhisattvas en bronce por los toros Busshi del escultor (prosperado temprano siglo VII) en homenaje al príncipe recientemente difunto Shotoku. En las cuatro esquinas de la plataforma están los reyes del guarda de las cuatro direcciones, tallados en madera alrededor 650 . También se contiene en el Hōryū-ji la capilla, una reproducción de madera de Tamamushi de un Kondo, que se fija en una alta base de madera que se adorne con las pinturas figural ejecutadas en un medio de los pigmentos minerales mezclados con la laca.

El edificio del templo en el siglo VIII fue enfocado alrededor Tōdai-ji en Nara. Construido como las jefaturas para una red de templos en cada uno de las provincias, el Tōdaiji es el complejo religioso más ambicioso erigido en los siglos tempranos de adoración budista en Japón. Apropiadamente, los 16.2 m (53-pie) Buddha ( terminado 752 ) engarzado en el pasillo principal de Buddha, o el Daibutsuden del, es un Rushana Buddha, la figura que representa la esencia de Buddhahood, apenas como el Tōdaiji representó el centro para el Buddhism imperial patrocinado y su difusión en Japón. Solamente algunos fragmentos de la estatua original sobreviven, y el actual pasillo y el Buddha central son reconstrucciones a partir del período de Edo .

Se arraciman alrededor del Daibutsuden en una ladera suavemente que se inclina un número de pasillos secundarios: el Hokkedo (loto Sutra Pasillo) del, con su imagen principal, el Kannon (el bodhisattva más popular) de Fukukenjaku, hecho a mano de la laca seca (paño sumergido en laca y formado sobre una armadura de madera); el Kaidanin (ordenación Pasillo) del con sus estatuas magníficas de la arcilla de los reyes del guarda cuatro; y el almacén, llamado el Shosoin del . Esta última estructura es de gran importancia como escondrijo arte-histórico, porque en él se almacenan los utensilios que fueron utilizados en la ceremonia del esmero del templo en 752, el ritual eye-opening para la imagen de Rushana, así como el documento gubernamental y muchos objetos seculares poseídos por la familia imperial.

Arte de Heian

En el 794 el capital de Japón fue transferido oficialmente a Heian-kyo ( actual Kyoto ), donde seguía habiendo hasta el 1868 . El período de Heian del término refiere a los años entre el 794 y el 1185, cuando el shogunate de Kamakura fue establecido en el final de la guerra de Genpei. El período se divide más a fondo en el Heian temprano y el último Heian, o la era, la fecha giratoria de Fujiwara que era el 894, las embajadas imperiales del año a China fueron continuadas oficialmente.

Arte temprano de Heian del : en la reacción a la abundancia y a la energía growing del Buddhism organizado en Nara, el Kūkai del sacerdote (más conocido por su título póstumo Kōbō Daishi, el 774 - 835 ) viajó a China para estudiar el Shingon, una forma de Buddhism de Vajrayana, que él introdujo en Japón en el 806 . En la base de la adoración del Shingon están los diagramas de las mandalas del universo espiritual, que entonces comenzó a influenciar diseño del templo. La arquitectura budista japonesa también adoptó el Stupa, original una forma arquitectónica india, en su pagoda del Chino-estilo.

Los templos erigidos para esta nueva secta fueron construidos en las montañas, lejanas de la corte y del laicado en el capital. La topografía irregular de estos sitios forzó a arquitectos japoneses a repensar los problemas de la construcción del templo, y al obrar así a elegir elementos más indígenas del diseño. Ciprés-raspar las azoteas substituyó los de la baldosa cerámica, los tablones de madera fueron utilizados en vez de pisos de tierra, y un área separada de la adoración para el laicado fue agregada delante del santuario principal.

El templo que refleja mejor el alcohol de los templos tempranos del Shingon de Heian es el Muro-ji (temprano siglo IX), sistema profundamente en un soporte de los árboles de ciprés en un sureste de la montaña de Nara. La imagen de madera (también temprano 9na C.) Shakyamuni, el " historic" Buddha, engarzado en un edificio secundario en Muro-ji, es típico de la escultura temprana de Heian, con su cuerpo laborioso, cubierto por los dobleces gruesos de la pañería tallados en el estilo de Hompa-shiki (balanceo-agitar), y de su expresión facial austera, retirada.

Arte de Fujiwara del : en el período, el Buddhism de Fujiwara de la tierra pura, que ofreció la salvación fácil con creencia en el Amida (Buddha del paraíso occidental), llegó a ser popular. Este período se nombra después de la familia de Fujiwara, después del más de gran alcance en el país, que gobernó como regentes para el emperador, sintiendo bien, en efecto, a dictadores civiles. Concurrentemente, la nobleza de Kyoto desarrolló a sociedad dedicada a las búsquedas estéticas elegantes. Tan seguro y hermoso era su mundo que no podrían concebir de paraíso como siendo mucho diferentes. Crearon una nueva forma de pasillo de Buddha, el pasillo de Amida, que mezcla el secular con el religioso, y contienen uno o más imágenes de Buddha dentro de una estructura que se asemejaba a las mansiones de la nobleza.

El Ho-o-hace (Phoenix Pasillo, terminado 1053) Byodoin, un templo en el Uji al sureste de Kyoto, es el modelo de los pasillos de Fujiwara Amida. Consiste en una estructura rectangular principal flanqueada por dos pasillos en forma de L y un pasillo de la cola, sistema del ala en el borde de una charca artificial grande. Dentro de, una sola imagen de oro de Amida ( 1053 de la C.) está instalada en una alta plataforma. La escultura de Amida fue ejecutada por el Jocho, que utilizó un nuevo canon de las proporciones y de una nueva técnica ( Yosegi del ), en las cuales los pedazos de madera múltiples se tallan como cáscaras y se ensamblan del interior. Se aplican a las paredes del pasillo las pequeñas tallas de la relevación de los celestials, el anfitrión creído tener Amida acompañado cuando él descendió del paraíso occidental para recolectar las almas de creyentes en el momento de muerte y para transportarlos en flores del loto al paraíso. las pinturas de Raigo en las puertas de madera del Ho-o-hacen, representando la pendiente del Amida Buddha, son un ejemplo temprano Yamato-e, pintura del Japonés-estilo, y contienen las representaciones del paisaje alrededor de Kyoto.

E-maki: en el siglo pasado del período de Heian, el handscroll narrativo horizontal, ilustrado, el e-maki, vino a la delantera. Fechando alrededor 1130, el “cuento ilustrado de Genji ” representa uno del punto álgido de la pintura japonesa. Escrito sobre el 1000 del año por el Murasaki Shikibu, lady-in-waiting al Akiko de la emperatriz, la novela se ocupa de la vida y de los amores del príncipe Genji y el mundo de la corte de Heian después de su muerte. Los artistas del siglo XII de la versión del e-maki del idearon un sistema de convenciones ilustradas que transportan visualmente el contenido emocional de cada escena. Por la mitad segundo del siglo, un estilo diverso, más animado de la ilustración narrativa continua llegó a ser popular. La interdicción Dainagon Ekotoba (tarde siglo XII), una voluta que se ocupa de un encanto en la corte, acentúa figuras en el movimiento activo representado en movimientos rápido ejecutados del cepillo y enrarece solamente colores vibrantes.

El E-maki también sirve como algunos de los ejemplos más tempranos y más grandes Otoko-e (cuadros del de los hombres) y de los estilos de Onna-e (cuadros de las mujeres) de la pintura. Hay muchas diferencias finas en los dos estilos, apelando a las preferencias estéticas de los géneros. Pero sensibles son quizás lo más fácilmente posible las diferencias en tema. El Onna-e, personificado por el cuento del handscroll de Genji, se ocupa típicamente de vida de la corte, particularmente de las señoras de corte, y de temas románticos. El Otoko-e, por una parte, registró a menudo los acontecimientos históricos, particularmente batallas. El cerco del palacio ( 1160 ) de Sanjō, representado en el " de la pintura; Ataque de noche contra el Sanjō Palace" es un ejemplo famoso de este estilo.

Arte de Kamakura

En el 1180 una guerra explotó entre los dos clanes más de gran alcance del guerrero, el Taira y el Minamoto ; cinco años más adelante el Minamoto emergió victorioso y establecido un asiento del gobierno de hecho en la aldea de playa Kamakura, en donde permanecía hasta el 1333 . Con el cambio de la energía de la nobleza a la clase del guerrero, los artes tuvieron que satisfacer a una nueva audiencia: los hombres dedicados a las habilidades de la guerra, sacerdotes confiaron a poner Buddhism a disposición los commoners analfabetos, y los conservadores, la nobleza y algunos miembros de la sacerdocio que lamentó la energía decreciente de la corte. Así, el realismo, una tendencia de la popularización, y un renacimiento clásico caracterizan el arte del período de Kamakura .

Escultura del : la escuela de escultores, particularmente Unkei de Kei, creó un nuevo, más realista estilo de la escultura. Las dos imágenes del guarda de Niō ( 1203 ) en la gran puerta del sur Tōdai-ji en Nara ilustran el estilo suprarealistic dinámico de Unkei. Las imágenes, cerca de 8 m (cerca de 26 pies) de alto, fueron talladas de bloques múltiples en un período de cerca de tres meses, una hazaña indicativa de un sistema desarrollado del estudio de artesanos que trabajaban bajo dirección de un escultor principal. Las esculturas de madera polychromed de Unkei ( 1208, Kōfuku-ji, Nara) de dos sabios, Muchaku y indios Seshin, los fundadores legendarios de la secta de Hosso, están entre los trabajos realistas más realizados del período; según lo rendido por Unkei, se individualizan notable y las imágenes verosímiles.

Caligrafía y pintura del : el Kegon Engi Emaki, la historia ilustrada del de la fundación de la secta de Kegon, es un ejemplo excelente de la tendencia de la popularización en la pintura de Kamakura. La secta de Kegon, una del más importante del período de Nara, cayó el dificultades durante la predominancia de los sects de la tierra pura . Después de la guerra ( 1180 - 1185 ) de Genpei, el Myōe del sacerdote del templo de Kōzan-ji intentó restablecer la secta y también proporcionar un refugio para las mujeres viudas por la guerra. Habían desalentado a las esposas del samurai de aprender más que un sistema del silabario para transcribir sonidos e ideas (véase el Kana ), y la mayoría eran incapaces de textos de la lectura que emplearon los ideogramas chinos (kanji ). Así, el Kegon Engi Emaki del combina los pasos del texto, escritos con un máximo de sílabas fácilmente legibles, y las ilustraciones que tienen el diálogo entre los carácteres escritos al lado de los altavoces, una técnica comparable a las historietas contemporáneas. El diagrama del e-maki, las vidas del de los dos sacerdotes coreanos que fundaron la secta de Kegon, se establece el paso y se llena rápidamente de hazañas fantásticas tales como un viaje al palacio del rey del océano, y de una historia de amor conmovedora.

Un trabajo en una vena más conservadora es la versión ilustrada del diario de Murasaki Shikibu. Las versiones de E-maki del de su novela continuaron siendo producidas, pero la nobleza, siendo adaptadas al nuevo interés en realismo con todo al nostálgico por últimos días de abundancia y de energía, siendo restablecida y siendo ilustrada el diario para recobrar el esplendor de los tiempos del autor. Uno de los pasos más hermosos ilustra el episodio en el cual Murasaki Shikibu es preso juguetónamente detenido en su sitio de dos cortesanos jovenes, mientras que, apenas afuera, el claro de luna destella en los bancos cubiertos de musgo de un rivulet en el jardín imperial.

Arte de Muromachi

Durante el período de Muromachi ( 1338 - 1573 ), también llamado el período de Ashikaga, un cambio profundo ocurrió en cultura japonesa. El clan de Ashikaga tomó el control del shogunate y movió sus jefaturas de nuevo a Kyoto, al districto de Muromachi de la ciudad. Con la vuelta del gobierno al capital, las tendencias de la popularización del período de Kamakura acabaron, y la expresión cultural adquirió un carácter más aristocrático, más elitista. El Buddhism del zen, la secta de Ch'an pensó para haber sido fundado en China en el CE del siglo VI, fue introducido por una segunda vez en Japón y tomó tradicionalmente la raíz.

Pintura del : debido a empresas y misiones de comercio seculares en China organizada por los templos de Zen, muchas pinturas chinas y objetos del arte fueron importados en Japón y profundo influenciaron a artistas japoneses que trabajaban para los templos del zen y el shogunate. No sólo estas importaciones cambiaron el tema de la pintura, pero también modificaron el uso del color; los colores brillantes de Yamato-e rindieron a los monochromes de la pintura de la manera china, donde las pinturas tienen generalmente solamente tonos blancos y negros o diversos de un solo color.

Típica de la pintura temprana de Muromachi es la pintura al lado Kao (siglo XV temprano del sacerdote-pintor del active) legendario Kensu (Hsien-tzu del monje en chino) en el momento que él alcanzó la aclaración. Este tipo de pintura fue ejecutado con movimientos rápidos del cepillo y un mínimo de detalle. La “cogida de un siluro con una calabaza” (siglo XV temprano, Taizo-en, Myoshin-ji, Kyoto), por el Josetsu (C. activa 1400) del sacerdote-pintor, marca un momento crucial en la pintura de Muromachi. Ejecutado original para una pantalla bajo-permanente, ha sido remontada pues una voluta colgante con las inscripciones por las figuras contemporáneas arriba, una cuyo refiere a la pintura como estando en el " nuevo style." En el primero plano representan a un hombre en el banco de una corriente que celebra una pequeña calabaza y que mira un siluro slithery grande. La niebla llena la tierra de en medio, y las montañas del fondo aparecen ser lejanas en la distancia. Se asume generalmente que el " nuevo style" de la pintura, ejecutado sobre el 1413, refiere a un sentido más chino del espacio profundo dentro del plano de cuadro.

Los primeros artistas del período de Muromachi son el Shubun de los sacerdote-pintores y Sesshu . Shubun, monje en el templo de Kyoto Shokoku-ji, creado en la pintura “lectura en una arboleda de bambú” ( 1446 ) un paisaje realista con la recesión profunda en espacio. Sesshu, desemejante de la mayoría de los artistas del período, podía viajar a China y estudiar la pintura china en su fuente. “El Handscroll largo ” es uno de los trabajos más realizados de Sesshu, representando un paisaje de continuación con las cuatro estaciones.

Arte de Azuchi-Momoyama

considera también: Arte l período de Momoyama

En el período (1573-1603) de Momoyama, una sucesión de líderes militares, tales como Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi, y Tokugawa Ieyasu, frustrado para traer paz y estabilidad política a Japón después de una era de casi 100 años de guerra. Oda, cacique de menor importancia, energía adquirida suficiente tomar a el control de hecho de del gobierno en el 1568 y, cinco años más tarde, expulsar al shogún pasado de Ashikaga. Hideyoshi tomó comando después de la muerte del Oda, pero sus planes para establecer regla hereditaria eran frustrados por Ieyasu, que estableció el shogunate de Tokugawa en el 1603 .

Pintura del : la escuela más importante de la pintura en el período de Momoyama era el de la escuela de Kanō, y la innovación más grande del período era la fórmula, desarrollada por el Kano Eitoku, para la creación de paisajes monumentales en las puertas deslizantes que incluían un cuarto. La decoración del cuarto principal que hace frente al jardín Juko-en, un subtemple Daitoku-ji (un templo del zen en Kyoto), es quizás el mejor ejemplo existante del trabajo de Eitoku. Un árbol masivo de Ume y los pinos gemelos se representan en pares de resbalar las pantallas en diagonalmente enfrente de las esquinas, sus troncos que repiten las verticales de los postes de la esquina y de sus ramas que extienden a izquierdo y derecho, unificando los paneles colindantes. La pantalla de Eitoku, los “leones chinos”, también en Kyoto, revela el estilo en negrilla, brillantemente coloreado de la pintura preferred por el samurai.

El Hasegawa Tohaku, contemporáneo de Eitoku, desarrolló un estilo algo diferente y más decorativo para las pinturas de pantalla en grande. En su “pantalla del arce”, ahora en el templo Chishaku-en, Kyoto, él colocó el tronco del árbol en el centro y amplió los miembros casi al borde de la composición, creando un aplanador, trabajo menos arquitectónico que Eitoku, pero una pintura visualmente magnífica. Su pantalla multiplicada por seis, “la madera de pino ”, es principal una representación en la tinta monocromática de una arboleda de los árboles envueltos en niebla.

Arte del período de Edo

El shogunate de Tokugawa del control indiscutible ganado del período de Edo del gobierno en el 1603 con una comisión para traer paz y estabilidad económica/política al país; era en gran medida acertado. El shogunate sobrevivió hasta el 1867, cuando fue forzado para capitular debido a su falta de ocuparse de la presión del estados occidentales para abrir el país en el comercio exterior. Uno de los temas dominantes en el período de Edo era las políticas represivas del shogunate y de las tentativas de artistas de escapar estas restricciones. El primero de éstos era el closing del país a los extranjeros y a los avíos de sus culturas, y la imposición de los códigos del comportamiento terminantes que afectaban a cada aspecto de la vida, la ropa una usó, la persona una casada, y las actividades una podrían o no deben perseguir.

En los años del período de Edo, sin embargo, el impacto completo de las políticas de Tokugawa todavía no había sido fieltro, y algunas de las expresiones más finas de Japón en arquitectura y la pintura fueron producidas: Palacio de Katsura en Kyoto y las pinturas Tawaraya Sōtatsu, pionero de la escuela de Rimpa .

Arquitectura del : el Katsura de separó el palacio, construido en la imitación palacio de s de príncipe Genji de ', contiene un racimo de edificios del shoin que combinan elementos de la arquitectura japonesa clásica con nuevas exposiciones innovadoras. El complejo del conjunto es rodeado por un jardín hermoso con las trayectorias para caminar.

Pintura del : Sōtatsu desarrolló un estilo decorativo magnífico reconstruyendo temas de la literatura clásica, usar figuras y adornos brillante coloreados del mundo natural fijado contra fondos de la oro-hoja. Uno de sus trabajos más finos es el par de pantallas las ondas en Matsushima en la galería más libre en Washington, C. Un siglo más adelante, Korin volvió a trabajar el estilo de Sōtatsu y creó trabajos visualmente magníficos únicamente sus los propios. Quizás sus más finos son las pinturas de pantalla de los flores rojos y blancos del ume.

La escultura el Enkū del monje budista talló 120.000 imágenes budistas en un estilo áspero, individual.

Impresiones y Bunjinga de Woodblock del : la escuela del arte más conocida del oeste es el de las pinturas de Ukiyo-e y el woodblock imprime del demimonde, del mundo del teatro de Kabuki y del districto del burdel. Las impresiones de Ukiyo-e comenzaron a ser producidas en el último siglo XVII, pero en 1764 Harunobu produjo la primera impresión policroma. Imprimir a diseñadores de la generación siguiente, incluyendo el Torii Kiyonaga y Utamaro, las pinturas elegantes y a veces profundas creadas de cortesanas. En el " del oeste, erótico del woodblock; prints" llegó a ser popular porque el material no estaba de otra manera disponible. En ese sentido, tales impresiones del lugar hicieron más para promover arte japonés en el oeste que estudios del arte.

En el siglo XIX la figura dominante era Hiroshige, creador de las impresiones románticas y algo sentimentales del paisaje. Los ángulos y las formas impares con las cuales Hiroshige vio a menudo paisaje, y el trabajo de Kiyonaga y de Utamaro, con su énfasis en los planos planos y los esquemas lineares fuertes, tenían un impacto profundo en los artistas occidentales tales que el Edgardo desgasifica y el Vincent van Gogh .

Otra escuela del contemporáneo de la pintura con el ukiyo-e era Bunjinga, un estilo basado en las pinturas ejecutadas por los erudito-pintores chinos. Apenas mientras que los artistas del ukiyo-e eligieron representar figuras a partir de la vida fuera de las restricciones del shogunate de Tokugawa, los artistas de Bunjin dieron vuelta a la cultura china. Los modelos de este estilo son Ike ningún Taiga, Yosa Buson, Tanomura Chikuden, y Yamamoto Baiitsu .

Arte de Meiji

En los años después 1867, cuando ascendió el emperador Meiji el trono, Japón fue invadido de nuevo por las nuevas y extranjeras formas de cultura. La introducción de valores culturales occidentales llevó a una dicotomía en arte japonés, tan bien como en casi cada otro aspecto de la cultura, entre los valores tradicionales y las tentativas de duplicar y de asimilar una variedad de nuevas ideas de coincidencia. Esta fractura seguía siendo evidente en el último vigésimo siglo, aunque hubiera ocurrido mucha síntesis para entonces ya, y creado una atmósfera cultural internacional y artes japoneses contemporáneos estimulados hacia formas siempre más innovadoras.

Por el siglo a principios de siglo 20, las formas de arte europeas fueron introducidas bien y su unión los edificios notables producidos como la estación de tren de Tokio y el edificio nacional de la dieta que todavía existen hoy.

El Manga era primer dibujado en el período de Meiji, influenciado grandemente por las historietas políticas inglés y francés.

Pintura : La primera respuesta del japonés a las formas de arte occidentales era aceptación franca, y en el 1876 la escuela de arte tecnológica fue abierta, empleando a instructores italianos para enseñar a métodos occidentales. La segunda respuesta era un oscilación del péndulo en la dirección opuesta encabezada por el Okakura Kakuzo y el americano Ernesto Fenollosa, que animaron a artistas japoneses a conservar temas y técnicas tradicionales mientras que el crear trabaja más en armonía con gusto contemporáneo. Fuera de estos dos postes de la teoría artística desarrolló el Yōga (pintura del Occidental-estilo) y el Nihonga (pintura japonesa), las categorías que sigue habiendo válidas al hoy.

Posguerra

Después de la Segunda Guerra Mundial, muchos artistas comenzaron a trabajar en las formas de arte derivadas de la escena internacional, trasladándose lejos de progresos artísticos locales a la corriente principal del arte del mundo. Pero los conceptos japoneses tradicionales aguantaron, particularmente en el uso del espacio modular en arquitectura, ciertos intervalos del espaciamiento en música y danza, una propensión para ciertas combinaciones de color y formas literarias características. La gran variedad de formas de arte disponibles para el japonés refleja el estado vigoroso de los artes, apoyado extensamente por el pueblo japonés y promovido por el gobierno.

El arte y la arquitectura americanos influenciaron grandemente Japón. El miedo de terremotos restringió sin embargo seriamente el edificio de un rascacielos, los avances tecnológicos dejaron japonés construir edificios más grandes y más altos con perspectivas más artísticas.

Pues Japón ha hecho siempre poca distinción entre la “bella arte” y el “arte decorativo”, pues el oeste es primer principio a hacer, es importante observar las contribuciones significativas y únicas de Japón a los campos del arte en la hospitalidad, aplicaciones comerciales, y diseño gráfico. Las historietas importadas de América llevaron al el Anime que al principio fueron derivadas exclusivamente de historias del manga. Hoy, el anime abunda, y muchos artistas y estudios se han levantado a la gran fama como artistas; El Hayao Miyazaki y los artistas y los animadores del estudio Ghibli se mira generalmente para estar entre el mejor que el mundo del anime tiene que ofrecer. Japón también prospera en los campos del diseño gráfico, arte comercial (e. carteleras, anuncios de compartimiento), y en gráficos del juego video y arte del concepto.

Arte moderno en Japón

El arte moderno japonés toma tantas formas y expresa tantas diversas ideas como arte moderno generalmente por todo el mundo. Se extiende de los anuncios, del anime, de los juegos video, y de la arquitectura según lo mencionado ya, a la escultura, a la pintura, y al dibujo en todas sus formas de la miríada.

Muchos artistas continúan pintando de la manera tradicional, con tinta negra y color en el papel o la seda. Algunos de éstos representan el tema tradicional en los estilos tradicionales, mientras que otros exploran nuevos y diversos adornos y estilos, mientras que usa los medios tradicionales. Todavía otros evitan medios y estilos nativos, abrazando las pinturas de aceite occidentales o cualquier número de otras formas.

En escultura, igual es verdad; algunos artistas se pegan a los modos tradicionales, algunos que lo hacen con un instinto moderno, y algunos eligen modos, estilos, y medios occidentales o a estrenar. El Yo Akiyama es apenas uno de escultores japoneses modernos incontables. Él trabaja sobre todo en cerámica y cerámica de la arcilla, creando los trabajos que son muy simples y directos, mirando como fueron creados fuera de la tierra sí mismo. Otro escultor, usar el hierro y otros materiales modernos, construyó una escultura grande del arte moderno en la ciudad portuaria israelí Haifa, llamada Hanabi (fuegos artificiales).

El Takashi Murakami es discutible uno de los artistas modernos japoneses más bien conocidos del mundo occidental. El Murakami y los otros artistas en su estudio crean pedazos en un estilo, inspirado por el anime, que él ha doblado el " " de Superflat ;. Sus pedazos llevan una multiplicidad de formas, de la pintura la escultura, algo verdadero masiva de tamaño. Pero la mayoría si no todos demuestran muy claramente esta influencia del anime, utilizando colores brillantes y los detalles simplificados.

Artes interpretativas

Un número notable de las formas tradicionales de música japonesa, la danza, y el teatro han sobrevivido en el mundo contemporáneo, disfrutando de un cierto renombre con la reidentificación con valores culturales japoneses. La música y la danza tradicionales, que remontan sus orígenes al uso religioso antiguo - budista, Shintō, y gente - se han preservado en los funcionamientos dramáticos Noh, Kabuki, y del teatro de Bunraku . Las formas antiguas de la música y de la danza de la corte que derivaban de fuentes continentales fueron preservadas a través de músicos y del templo imperiales del hogar y shrine las compañías. Algunos de los instrumentos musicales más viejos del mundo han estado en uso continuo en Japón a partir del período de Jōmon, como se muestra por los hallazgos de las flautas de la piedra y de la arcilla y de las cítaras que tenían entre dos y cuatro secuencias, a las cuales las campanas del metal del período de Yayoi y los gongos fueron agregados para crear conjuntos musicales tempranos. Por el período histórico temprano (CE de los sextos a séptimos siglos), había una variedad de gongos grandes y pequeños de los tambores, de carillones, flautas, y de instrumentos encadenados, tales como importados mandolina-como el Biwa y la cítara seis-encadenada plana, que se desarrollaron en el koto trece-encadenado . Estos instrumentos formaron a orquestas para la música ceremonial continental derivada de la corte del séptimo-siglo ( Gagaku ), que, junto con el de acompañamiento Bugaku (un tipo de danza de corte), son las más antiguas de tales formas todavía realizadas en la corte imperial, los templos antiguos, y las capillas. El Buddhism introdujo los cantos rítmicos, todavía usados, que sostienen el Shigin, y que fueron ensamblados con ideas nativas de ser la base del desarrollo de la música vocal, por ejemplo en el Noh .

Conceptos estéticos

considera también:

japonés de la estética

El arte japonés es caracterizado por polaridades únicas. En la cerámica de los períodos prehistóricos, por ejemplo, la exuberancia fue seguida por arte disciplinado y refinado. Otro caso es proporcionado por dos estructuras del siglo XVI que sean postes aparte: el palacio separado Katsura es un ejercicio en simplicidad, con un énfasis en los materiales naturales, áspero y untrimmed, y una afinidad para la belleza alcanzada accidentalmente; El Tōshō-gū de Nikkō es una estructura rígido simétrica repleta con las tallas brillantemente coloreadas de la relevación que cubren cada superficie visible. El arte japonés, valorado no sólo para su simplicidad pero también para su exuberancia colorida, ha influenciado considerablemente la pintura occidental y la arquitectura occidental del siglo XIX del vigésimo siglo.

Los conceptos estéticos de Japón, derivando de tradiciones culturales diversas, han sido formativos en la producción de formas de arte únicas. Durante los siglos, una amplia gama de los adornos artísticos desarrollados y fue refinada, de impregnación con la significación simbólica. Como una perla, adquirieron muchas capas de significado y de un alto lustre. La estética japonesa proporciona una llave a entender los trabajos artísticos perceptible diferentes de ésos que vienen de tradiciones occidentales.

Dentro de la tradición artística asiática del este, el China ha sido el profesor y el Japón reconocidos el estudiante devoto. Sin embargo, varios artes japoneses desarrollaron su propio estilo, que se puede distinguir de varios artes chinos. El acercamiento monumental, simétricamente equilibrado, racional de las formas de arte chinas se miniaturizó, irregular, y sutil sugestivo en manos japonesas. Los jardines de roca miniatura, las plantas diminutas (bonsais ), y el Ikebana (centros del de flores), en que seleccionado el pocos representaron un jardín, eran las búsquedas preferidas de los aristócratas refinados por un milenio, y ellos han seguido siendo una parte de vida cultural contemporánea.

El diagonal, reflejando un flujo natural, algo que el triángulo fijo, se convirtió en el dispositivo estructural favorecido, si en diseño de la pintura, arquitectónico o del jardín, pasos de danza, o notaciones musicales. Los números impares substituyen números pares en la regularidad de un patrón principal chino, y un tirón a un lado permite que un adorno dé vuelta a la esquina de un objeto tridimensional, así dando continuidad y el movimiento que está careciendo en un diseño frontal estático. Los pintores japoneses utilizaron los dispositivos del atajo, del primer, y del fade-out por el siglo XII en el Yamato-e del, o el Japonés-estilo, pintura de la voluta, quizás una razón por la que la cinematografía moderna ha sido una forma de arte tan natural y acertada en Japón. La sugerencia se utiliza algo que la declaración directa; las indirectas poéticas oblicuas y las melodías y los pensamientos alusivos y poco concluyentes han probado la frustración al occidental que intentaba penetrar los significados de la literatura, de la música, de la pintura, e incluso de la lengua diaria.

El japonés comenzó a definir tales ideas estéticas en un número de frases evocadoras por por lo menos el décimo o siglo XI. Los refinamientos corteses del período de Heian aristocrático se desarrollaron en la simplicidad elegante considerada como la esencia del buen gusto en el arte minimisado que se llama Shibui del . Dos términos que originan de prácticas meditativas budistas del zen describen grados de tranquilidad: uno, el descanso encontró en la melancolía humilde (wabi ), el otro, la serenidad que acompañaba el disfrute de la belleza sometida (sabi ). El zen pensado también contribuyó una inclinación para combinar el el inesperado o alarmante, usada para sacudir su sentido hacia la meta de la aclaración. En arte, este acercamiento fue expresado en combinaciones de materiales inverosímiles tales como el plomo embutido en laca y en la coincidencia de imágenes poéticas. Las imágenes y los adornos inesperado chistosos y a veces grotescos también provienen el Koan (enigma) del del zen. Aunque los artes hayan sido principalmente seculares desde el período de Tokugawa, la estética tradicional y métodos de entrenamiento, proviniendo generalmente de fuentes religiosas, continuar siendo la base de producciones artísticas.

Artistas

Tradicionalmente, el artista era un vehículo para la expresión y era personalmente callado, en armonía con el papel de un artesano o de un actor del estado social bajo. El calígrafo, un miembro de la clase confuciana del literati, o de la clase noble del samurai en Japón, tenían un estado más alto, mientras que levantándose reconocieron a los artistas del gran genio a menudo en el período de Kamakura recibiendo un nombre de un señor feudal y así social. Las artes interpretativas, sin embargo, fueron llevadas a cabo generalmente en menos estima, y la inmoralidad pretendida de actrices del teatro temprano de Kabuki hizo a gobierno de Tokugawa barrar a mujeres de la etapa; los papeles femeninos en Kabuki y Noh fueron desempeñados después de eso por los hombres.

Después de la Segunda Guerra Mundial, los artistas recolectaron típicamente en las asociaciones de los artes, algunas cuyo eran las sociedades profesionales establecidas desde hace mucho tiempo mientras que otras reflejaron el último movimiento de artes. La liga de los artistas de Japón, por ejemplo, era responsable del número más grande de exposiciones importantes, incluyendo el Nitten anual prestigioso (exposición de arte de Japón ). El club de Japón (P. representa prosa, ensayo, y narrativa), una rama P. de una organización de los escritores internacionales, era el más grande asociaciones de unos de treinta autores importantes. Los agentes, los bailarines, los músicos, y otros artistas de ejecución se jactaron a sus propias sociedades, incluyendo la sociedad de Kabuki, organizada en 1987 para mantener las mayores niveles tradicionales de este arte, que probablemente fueron puestas en peligro por la innovación moderna. Por los años 80, sin embargo, los pintores vanguardistas y los escultores habían evitado a todos los grupos y eran " unattached" artistas.

Escuelas de arte

Hay un número de universidades especializadas para los artes en Japón, llevadas por las universidades nacionales. El más importante es la universidad, uno de los artes de Tokio del más difícil de todas las universidades nacionales entrar. Otro centro seminal es universidad de los artes de Tama en Tokio, que produjo a muchos de los últimos artistas jovenes innovadores del siglo XX de Japón. Sigue habiendo el entrenamiento tradicional en los artes, derivados de métodos tradicionales chinos; los expertos enseñan de sus hogares o escuelas de la cabeza que trabajan dentro de una relación de la amo-pupila. Una pupila no experimenta con un estilo personal hasta la realización del más alto nivel del entrenamiento, o la graduación de una escuela de artes, o del jefe que se convierte de una escuela. Muchos artistas jovenes han criticado este sistema como creatividad e individualidad sofocantes. Una nueva generación del vanguardismo se ha roto con esta tradición, recibiendo a menudo su entrenamiento en el oeste. En los artes tradicionales, sin embargo, el sistema de la amo-pupila preserva los secretos y las habilidades del pasado. Algunos linajes de la amo-pupila se pueden remontar al período de Kamakura, de el cual continúan utilizando el estilo o el tema de un gran amo. Los artistas japoneses consideran virtuosismo técnico como la condición indispensable de sus profesiones, un hecho reconocido por el resto del mundo como uno de los sellos del arte japonés.

El gobierno nacional ha apoyado activamente los artes a través de la agencia para los asuntos culturales, disposición en 1968 como cuerpo especial del Ministerio de Educación . El presupuesto de la agencia para FY 1989 se levantó a 37.8 mil millones después de cinco años de recortes presupuestarios, pero todavía representó el mucho menos de 1 por ciento del presupuesto general. La información diseminada la división cultural de los asuntos de la agencia división cultural sobre los artes dentro de Japón e internacionalmente, y de la protección de las características protegió el patrimonio cultural de la nación. La división cultural de los asuntos se refiere a las áreas tales como la promoción del arte y de la cultura, los derechos reservados de los artes, y las mejoras en la lengua nacional . También apoya artes nacionales y locales y festivales culturales, y financia acontecimientos culturales que viajan en música, teatro, danza, exposiciones de arte, y cinematografía. Los premios especiales se ofrecen para animar artistas jovenes y a médicos establecidos, y algunas concesiones se dan cada año para permitirles entrenar al exterior. La agencia financia Museos Nacionales del arte moderno en Kyoto y Tokio y el museo del arte occidental en Tokio, que exhiben japonés y demostraciones del international. La agencia también apoya a academia de Japón de artes, que las personas eminentes de los honores de artes y de letras, designándolas a la calidad de miembro y ofreciendo 3.5 millones en premio en metálico. Las concesiones se hacen en presencia del emperador, que concede personalmente el espaldarazo más alto, la medalla cultural .

Patrocinio y fundaciones privados

El patrocinio y la promoción de los artes del gobierno se ensanchan para incluir un nuevo esfuerzo cooperativo con Japón corporativo para proporcionar la financiación más allá del presupuesto apretado de la agencia para los asuntos culturales. Mucho otro público e instituciones privadas participan, especialmente en el campo que brota de conceder premios de los artes. Un número creciente de corporaciones grandes ensambla los periódicos importantes en exposiciones y funcionamientos que patrocinan y en el donante de premios anuales. El más importantes de las muchas concesiones literarias dadas son el premio venerable de Naoki y el premio, estes 3ultimo de Akutagawa que son el equivalente del premio Pulitzer en los Estados Unidos. ---- En 1989 un esfuerzo para promover intercambio intercultural llevó al establecimiento de un " japonés; " del Premio Nobel ; para los artes, el Imperiale superior, por la asociación del arte de Japón. Este premio de US$100,000 fue financiado en gran parte por el conglomerado Fuji-Sankei de los medios de comunicación y concedido sobre una base mundial de la selección.

Un número de fundaciones que promovían los artes se presentaron en los años 80, incluyendo la disposición cultural de la fundación de las características para preservar sitios históricos en ultramar, especialmente a lo largo del camino de seda en el Asia interna y en el Dunhuang en el China . Otro arreglo internacional fue hecho en 1988 con la institución de Smithsonian de Estados Unidos para el intercambio cooperativo de estudios de alta tecnología de artefactos asiáticos. El gobierno desempeña un papel principal financiando la fundación de Japón, que proporciona concesiones institucionales y del individuo, intercambios de estudiante de los efectos, premios anuales de las concesiones, las publicaciones apoyadas y las exposiciones, y envía a grupos japoneses tradicionales de los artes para realizarse al exterior. El festival de artes llevado a cabo por dos meses cada caída para todas las artes interpretativas es patrocinado por la agencia para los asuntos culturales. Las ciudades importantes también proporcionan la ayuda substancial para los artes; un número creciente de ciudades en los años 80 había construido los centros grandes para las artes interpretativas y, estimulados por la financiación del gobierno, ofrecía premios tales como el premio de Lafcadio Hearn iniciado por la ciudad Matsue . Un número de nuevos museos municipales también proporcionaban cerca de una mitad de más instalaciones en los años 80 que previamente disponible. A el final de los '80, el Tokio agregó más de veinte nuevos pasillos culturales, notablemente, la aldea cultural grande construidos por la corporación de Tokio y la reconstrucción teatro del globo de s de Shakespeare de el '. Todos estos esfuerzos reflejan un entusiasmo popular de levantamiento para los artes. Los compradores japoneses del arte barrieron los mercados occidentales del arte a los el final de los '80, pagando los récores pinturas impresionistas y US$51.7 millón solamente un azul Picasso del período .

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