El arte público del término refiere correctamente a trabajos del arte en cualquier medio que se ha planeado y se ha ejecutado con la intención específica de la localización o el ser efectuado en el public domain, generalmente exterior y accesible a todos. El término es especialmente significativo dentro del mundo del arte, entre guardianes, comisionando a cuerpos y a los médicos del arte público, a quienes significa una práctica de funcionamiento particular, a menudo con implicaciones de la especificidad del sitio, de la implicación de la comunidad y de la colaboración. El término a veces también se aplica para incluir cualquier arte que se exhiba en un espacio público incluyendo edificios público accesibles.

El alcance del arte público

Los monumentos y el cívico estatuario de los monumentos son quizás la más vieja y más obvia forma de arte público oficialmente sancionado, aunque podría ser dicho que el detalle arquitectónico e incluso la arquitectura sí mismo es más extensos y satisface la definición del arte público. La mayoría de los aspectos del ambiente construido se consideran cada vez más como los candidatos legítimos para la consideración como, o la localización para, los muebles de calle públicos del arte, incluyendo,, la iluminación y pintada . El arte público no se confina a los objetos físicos; La danza, procesión, poesía del teatro de la calle incluso tiene los autores que se especializan en arte público.

La escultura prevista como arte público se construye a menudo del artículo, fácilmente cuidar-para el material, para evitar los efectos peores de los elementos y del vandalismo ; sin embargo, muchos trabajos se piensan para tener solamente una existencia temporal y se hacen de más materiales efímeros . Los trabajos permanentes se integran a veces con la arquitectura y el que ajardina en la creación o la renovación de los edificios y de los sitios, un ejemplo especialmente importante que es el programa desarrollado en la nueva ciudad Milton Keynes, Inglaterra.

Algunos artistas que trabajan en esta disciplina utilizan la libertad producida por un sitio al aire libre para crear los trabajos muy grandes que serían irrealizables en una galería, por ejemplo Richard largo caminata de 3 semanas, titulada " La trayectoria es el lugar en el Line". Entre los trabajos de los 30 años pasados que han resuelto el crítico más grande y la aclamación popular es pedazos al lado de Roberto Smithson, de Christo, NONDA y de Anthony Gormley donde las ilustraciones reaccionan a o incorpora su ambiente. En 1960, el artista griego NONDA, resucitó una tradición de la exhibición en el puente de Pont Neuf en París, una tradición de 200 años hecha famosa por los pintores franceses Boucher y Chardin en el lugar Dauphine próximo. NONDA creó objetos expuestos extensos e interactivos debajo del puente dedicado al poeta Francois Villon. En 1963 él construyó el " " del Trojan Horse; debajo del puente que él vivió adentro por dos meses.

Los artistas que hacen arte público se extienden de los amos más grandes tales como Michelangelo, Pablo Picasso, y Juan Miró, a los que se especialicen en arte público tal como Claes Oldenburg y Pedro Granche, a los artistas anónimos que hacen intervenciones subrepticias.

Arte público interactivo

Algunas formas de arte público se diseñan para animar la participación de la audiencia de una manera con manos. Los ejemplos incluyen el arte público instalado en los museos de ciencia con manos tales como la pieza central arquitectónica principal hacia fuera delante del centro de la ciencia de Ontario. Estas ilustraciones permanentemente instaladas son una fuente que es también un instrumento musical ( Hydraulophone ) ese los miembros del público puede jugar en cualquier momento del día o de la noche. Los miembros del público obran recíprocamente con el trabajo bloqueando los jets de agua para forzar el agua a través de varios mecanismos sonido-que producen dentro de la escultura.

El por ciento para el arte

El arte público está instalado generalmente con la autorización y la colaboración del gobierno o de la compañía que posee o administra el espacio. Algunos gobiernos animan activamente la creación del arte público, por ejemplo, presupuesto para las ilustraciones en nuevos edificios ejecutando un por ciento para la política del arte . el 1% del coste de construcción para el arte es un estándar, pero la cantidad varía extensamente de un sitio a otro. Los costes de la administración y de mantenimiento se retiran a veces antes de que el dinero se distribuya para el arte (ciudad de Los Ángeles por ejemplo). Muchas escenas tienen " funds" general; programas de ese fondo y funcionamientos temporales de una naturaleza cultural algo que insistiendo en las comisiones relacionadas con el proyecto. La mayoría de países europeos, Australia y muchas ciudades y estados en los E., tiene por ciento para los programas del arte. Este requisito se ejecuta de una variedad de maneras. El gobierno Quebec requiere que el presupuesto para todos los nuevos edificios público financiados pusiera el 1% a un lado para las ilustraciones. El New York City tiene una ley que requiera que no se asigne ningún menos de 1% de primeros veinte millones de dólares, más ninguna menos de una mitad de el 1% de la cantidad que excede veinte millones de dólares para el trabajo de arte en ningún edificio público que sea poseído por la ciudad. La asignación máxima para cualquier comisión en Nueva York es $400. En cambio, la ciudad Toronto requiere que el 1% todo de costes de construcción estén puestos a un lado para el arte público, sin límite superior del sistema (aunque en algunas circunstancias, el municipio y el revelador pudo negociar una cantidad máxima). En Gran Bretaña el por ciento para el arte es discrecional para las autoridades locales, que lo ejecutan bajo términos más amplios de un acuerdo de la sección 106 conocido de otra manera como “aumento del planeamiento”, él es en la práctica negociable, y alcanza raramente nunca un 1% lleno, donde se ejecuta en absoluto. Un por ciento para el esquema del arte existe en Irlanda y es ejecutado extensamente por muchas autoridades locales.

Arte y política públicos

El arte público se ha utilizado a menudo para los extremos políticos. Quizás encontrar su expresión más grande del uso extenso del arte público por el Bolsheviks durante la guerra civil rusa, de que llevó directo a la política desarrollada por el Lenin para instalar el arte público de los héroes y de los artistas en cada aldea en el Unión Soviética . Sin embargo, Lenin mismo no debe ser culpado por esto puesto que él insistió que el arte en una sociedad revolucionaria fuera temporal y evitara la creación de los cultos del héroe. La aparición de la escultura monumental en la Unión Soviética se debe asociar más correctamente a “Stalinization.”

Los artistas y los profesionales emergentes todavía utilizan igualmente arte público para promover sus ideas o para establecer la censura - liberar el contacto entre el espectador y el artista. Un cierto arte público se piensa para ser efímero, yendo en cuanto a incluir instalaciones y pedazos temporales del funcionamiento. En algunos casos la línea entre la pintada y el " guerrilla" el arte público se empaña, por ejemplo en el caso Juan Fekner en las carteleras, las primeras obras Keith Haring, ejecutadas sin el permiso en la publicidad de sostenedores del cartel en el subterráneo de New York City, y el trabajo actual Banksy . En muchos casos tal arte público se crea espontáneo en el ambiente urbano, a menudo sin el consentimiento de autoridades o en el caso de la lucha política, contra las leyes.

El arte público es una herramienta eficaz de la emancipación social o de alcanzar de una meta política. Hay muchos ejemplos del arte público espontáneo que consigue el reconocimiento oficial: digno de mencionar están, por ejemplo, el famoso Belfast del mundo, y los murales de Los Ángeles que, a tiempo del conflicto, han sido la única comunicación existente para los miembros la comunidad de social, étnico y racial dividida y demostrado ser una herramienta eficaz en el establecimiento de un diálogo y por lo tanto solucionar la hendidura a largo plazo. Indicar el arte público patrocinado, particularmente murales, ser de uso frecuente por regímenes totalitarios como herramienta del Masa-control y de la propaganda .

Controversia

En algunos casos la financiación o la localización del arte público puede probar llevar polémico a los debates acalorados sobre quién tiene control del reino público. arco inclinado del de s de Serra Richard 'fue quitado de una plaza de New York City en 1989 después de que una campaña concertada por los oficinistas que encontraron su rutina fuera interrumpida por el trabajo, llevando a una declaración judicial pública que encontró contra el trabajo. Este caso particular también proporciona un buen ejemplo de cómo la opinión pública se puede manejar por la gente con la energía de formar y de torcer la opinión. No se reconoce comúnmente que los oficinistas no estaban contra la escultura hasta que un pequeño puñado de funcionarios conservadores creara la ocasión para la expresión de la desaprobación. Los mismos funcionarios, llevados por Guillermo Diamond, crearon un " court" del canguro; donde estaba prácticamente imposible el salvar del pedazo. Considerando que la integridad del trabajo minimalista de Serra se reconoce por todo el mundo, la caja de “arco inclinado” debe ser un recordatorio de cómo la gerencia de la opinión pública tiene a menudo poco a hacer con rigor intelectual y más a hacer con la energía de manipular la carencia general de la educación cultural de las audiencias del non-artworld. El caso en contra del “arco inclinado” fue exacerbado por los medios de noticias que lo encontraron para ser más convenientes de jugar hasta populismo del antiart que proporcionar cobertura justa.

Otro ejemplo de esto es el caso en contra de director Dennis Barrie del museo y los artes contemporáneos de Cincinnati se centran en su demostración de la retrospectiva de Roberto Mapplethorpe, " El Moment" perfecto;. Para defender el trabajo de Mapplethorpe ante un jurado que era en gran parte ignorante de progresos en arte moderno y contemporáneo, el " de los demandados; manipulated" miembros del jurado apelando a su ignorancia, confiando en ideología y clichés del artista enajenado, algo quien en poststructuralism contemporáneo y teorías formalistas de la diferencia cultural. En este segundo caso, los defensores del artworld se encuentran el dar vuelta en expertos de la gestión de crisis algo que dando a sus públicos la ventaja del conocimiento cultural.

Ambos casos destacan el hecho de que el artworld es apenas homogéneo y sí mismo es constituido por la gente con diversas ideas e inversiones. Los partidos de competición apelan a menudo a la energía liberal y a una noción correspondiente del " el public" como manera de ganar legitimidad y autoridad. Los artistas, los guardianes, los educadores y los administradores ahora han comenzado a ser más sensibles a las necesidades y a los intereses específicos de audiencias. La idea de un público homogéneo es substituida por públicos diversos y a veces competentes. Considerando que la influencia de la política de la identidad en los años 80 ha permitido que los nuevos movimientos sociales (los grupos sociales que se basan en diferencias del sexo, clase, raza, sexualidad, edad, y capacidad, tan bien como paz, salud, los movimientos ambientales y del consumidor y otros grupos de interés público) critiquen con eficacia la idea de un público coherente, el espacio del " universal" concepto de los restos cuanto sea necesario en teoría social. El concepto de " el public" ha cambiado de puesto desde entonces a el del " community". Los recientes desarrollos en arte público ahora demuestran una súplica a una noción más amistosa del público bajo la forma de artes de la comunidad. Este acercamiento interactivo, sin embargo, arriesga a menudo el reducir de complejidad política a favor de una idea más inocente de la identidad de una comunidad. El nuevo papel del artista-como-etnógrafo o del artista-como-social-trabajador permite los artistas se centren en ediciones sociales, pero también permite que los artistas y las agencias públicas del arte traten a comunidades en términos essentializing.

Los progresos en arte de la comunidad han contenido tendencias vanguardistas entre artistas a favor de un conformism estético que responde a la gerencia de los públicos requeridos por los administradores de artes públicos y que conceden las agencias. Las formas actuales de arte de la comunidad que buscan la implicación de la comunidad, y a veces la creación de la comunidad de ilustraciones, permiten la mayor implicación de parte de los distritos electorales del nonart, pero también tienen el efecto inintencional de enajenar a las audiencias del artworld que tienen aversión generalmente demagogia manipulante. Un ejemplo significativo de cómo los artistas públicos de la vanguardia continúan haciendo frente a la represión es el caso de Steve Kurtz, miembro del conjunto crítico del arte de la colectividad del arte. Después de la muerte de su socio, la esperanza Kurtz, el hogar de Kurtz fue examinada por el FBI para cuál eran materiales los médicos de la ambulancia decididos que parecido sospechosos. En un contexto del poste 9-11 de la criminalización de la disensión, Kurtz ha sido perseguido por los querellantes federales del departamento de justicia que han decidido tratar lo que consideran un caso civil del correo y atan con alambre algo fraude como ofensa federal. La sofisticación de mezcla del artworld con maneras de uso fácil de prueba para los organismos genético modificados en alimento, CAE ha demostrado inintencionalmente cómo la militarización cada vez mayor del gobierno de los E. del ámbito público protege inversiones capitalistas en la protección no democrática de la característica intelectual. El caso en contra de Kurtz y su colaborador Roberto Ferrell hacen difícil mantener político nociones inocentes del espacio público. Por otra parte, la clase de trabajo que producen es un buen ejemplo de cómo la estética y las asunciones idealistas de la validez universal son inadecuadas para una discusión seria del arte público. Los grupos del arte de la comunidad como el WochenKlausur vienés (semanas del recinto) trabajan con las varias agencias expertas y hacen uso de estrategias del arte contemporáneo para encontrar soluciones a presionar problemas sociales. Sus proyectos son temporales e implican a comunidades de las maneras que hacen uso de las teorías sofisticadas de la representación que no reducen gente y ediciones sociales a los estereotipos simplistas y reductores. La clase de práctica crítica adoptada por el CAE y WochenKlausur desafían el acercamiento celebrador al arte público, que, demasiado a menudo, las soluciones bandaid de las ofertas a la desigualdad social y la disolución de la vida urbana causada por el auge - y - revientan ciclos del desarrollo capitalista. El pabellón de Apolo de Pasmore del vencedor en la nueva ciudad inglés Peterlee ha sido un foco para los políticos locales y otros los grupos que se quejaban por el gobierno de la ciudad y de la asignación de recursos. En este caso los artistas y los líderes culturales de la región han montado una campaña para rehabilitar la reputación del trabajo con el centro báltico para el arte contemporáneo que comisionaban el Jane y Louise Wilson de los artistas para hacer un la instalación video sobre el pedazo en 2003.

La casa, del un trabajo grande 1993-4 por el Raquel Whiteread en Londres del este, fue destruida por el consejo local después de algunos meses - en este caso el artista y su agente habían asegurado solamente el permiso temporal para el trabajo.

el '' 16 toneladas '', de Wulsin Seth 'de trabajo extenso 2006 de s incluye la demolición de la materia prima que trabaja con, a saber una cárcel anterior del rascacielos, prisión de Caseros, situada en el medio Buenos Aires . La prisión es guardada por los militares de Argentina 24 horas al día, de modo que, para ganar la autorización de realizar el proyecto, Wulsin tuviera que dedicar una red enorme del local, de la ciudad y de las agencias de estatal nacional, así como los grupos de presos anteriores de la cárcel, de presos políticos anteriores, de grupos de derechos humanos, y de los militares.

Continuidad del arte público

El arte público no necesita simplemente ser una demostración de la innovación personal. Desde la existencia en un espacio abierto público, tiene un desafío del diseño para activar los carácteres en sus alrededores usando la exposición visual del arte. El concepto de la “continuidad ” se pudo integrar como respuesta la deficiencia ambiental de una ciudad, pues el arte público existió en un espacio urbano. El desarrollo sostenible ha sido promovido por el Naciones Unidas desde años 80, que incluye aspectos económicos, sociales, y ecológicos. Un trabajo de arte público sostenible sería una acción para la regeneración y desmontar urbanos. La continuidad se ha adoptado extensamente en muchos planeamiento ambiental y la ingeniería proyecta recientemente, y desafía a artistas a responder las necesidades de un espacio de abertura en público.

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