el del para el boxeador, considera el Bridgett Riley .

El CBE del CH de Bridget Louise Riley (llevado el 24 de abril, el 1931 en el Londres ) es un pintor inglés que es uno de los primeros autores del arte de Op., el arte que explota la falibilidad del ojo humano .

Bridget era educado en la universidad de las señoras de Cheltenham; ella estudió el arte primero en la universidad de los orfebres y más adelante en la universidad real del arte, en donde sus estudiantes compañeros incluyeron el Peter Blake de los artistas y el Frank Auerbach . Ella salió de la universidad temprano para ocuparse a su padre enfermo, y sufrió una avería mental pronto después de eso. Después de la recuperación, ella trabajó en un número de trabajos, incluyendo varios como profesor del arte, y breve en el departamento de arte publicitario J. Gualterio Thompson de la compañía.

En los últimos años 50, Riley comenzó a producir trabajos en un estilo reconocible sus los propios, un estilo inspirado por un número de fuentes. Un estudio del Pointillism Jorte Seurat, y los paisajes subsecuentes produjeron en ese estilo, llevado a su interés en efectos ópticos. Las pinturas del vencedor Vasarely, que habían utilizado diseños de líneas blancos y negros desde los años 30 también tenían una influencia fuerte en las primeras obras de Riley. En ella trabajos posteriores, la influencia de los futuristas, especialmente Giacomo Balla, pueden también ser observados.

Era durante este tiempo que Riley comenzó a pintar los trabajos blancos y negros para los cuales ella es la más conocida hoy. Presentan una gran variedad de formas geométricas que produzcan sensaciones del movimiento o las coloreen. En el principios de los 60, le los trabajos dijeron para inducir sensaciones en los espectadores tan variados como mareo y el salto de cielo. Los trabajos en este estilo abarcaron su primera demostración a solas en Londres en 1962 en la galería una funcionada por el vencedor Musgrave, así como demostraciones subsecuentes numerosas. Visualmente, estos trabajos se relacionan con muchas preocupaciones del período: una necesidad percibida de la participación de la audiencia (esto se relaciona los con los sucesos, por los cuales el período es famoso), desafíos a la noción de la dualidad del mente-cuerpo que llevó alguna gente a experimentar con las drogas alucinógenas (véase escrituras de s de Huxley Aldous las '); preocupaciones con una tensión entre un futuro científico que pudo ser muy beneficioso o pudo llevar a una guerra nuclear; y miedos sobre la pérdida de experiencia individual genuina en un nuevo mundo valiente.

Aunque estén recordados hoy principalmente para las impresiones de movimiento y de color den con la explotación de las ilusiones ópticas que se especula que el ímpetu para Riley que hacía estos trabajos aparentemente fríos y calculados era un romance fall. Uno de los trabajos más famosos en este estilo es la caída (1963) del .

En 1965, Riley exhibió en la demostración de New York City, el ojo responsivo, la exposición que primero dibujó la atención al arte de Op. Una de sus pinturas fue reproducido en la cubierta del catálogo de la demostración, aunque Riley más adelante se desilusionó con el movimiento, y del pesar expresado que su trabajo fue explotado para los propósitos comerciales.

Después de una retrospectiva importante en los años 70 tempranos Riley comenzó a viajar extensivamente. Después de un viaje a Egipto en los años 80 tempranos en donde la decoración jeroglífica colorida la inspiró, Riley comenzó a explorar color y a poner en contraste. En algunos trabajos, las líneas de color se utilizan crearon un efecto brillante, mientras que en otros trabajos, la lona se llenan tessellating patrones de . En Riley 1986 encontrado el postmoderno Philip Taaffe de los pintores y Ross Bleckner, y fue inspirado para introducir un elemento diagonal a su trabajo. Típico de estos trabajos coloridos posteriores es el Shadowplay .

En muchos trabajos desde este período, Riley ha empleado otros para pintar los pedazos, mientras que ella concentra en el diseño real de su trabajo.

Las tareas y los deberes de un artista

Riley ahora hizo la declaración siguiente sobre la naturaleza del trabajo artístico, en su conferencia “pintura”:

joven del 'cuando Samuel Beckett era un nombre en los años 30 tempranos e intentar de encontrar una base de la cual él podría convertirse, él escribió un ensayo conocido como Beckett/Proust en el cual él examinó las opiniones de Proust del trabajo creativo; y él cotiza el credo artístico de Proust según lo declarado a tiempo recuperado - " las tareas y los deberes de un escritor un artista, un escritor son las de un translator". Esto se podía también decir de un compositor, de un pintor o de cualquier persona practicando un metier artístico. Un artista es alguien con un texto que él o ella quiera descifrar. el

“Beckett del interpreta Proust como siendo convencido que tal texto no se puede crear o inventar pero descubrir solamente dentro del artista mismo, y que casi es, por decirlo así, una ley de su propia naturaleza. Es su posesión más preciosa, y, como Proust explica, la fuente de su felicidad íntima. Sin embargo, como puede ser visto de la práctica de los grandes artistas, aunque el texto pueda poder fuerte y durable y apoyar un trabajo de curso de la vida, no puede ser tomado para concedido y no hay garantía de la posesión permanente. Puede ser perdido o aún ser perdido, y la recuperación es muy difícil. Puede mentir inactivo y ser descubierto tarde en vida después de una lucha larga, como con Mondrian o Proust mismo. Porqué debe ser que alguna gente tiene esta clase de texto mientras que no lo hacen otras, y qué el “significado” él tiene, no es algo que se presta a la discusión. Ni incumbe al artista para decidir a cómo es importante es, o a qué valor tiene para la otra gente. Para comprobar esto está quizás más allá incluso de las capacidades de su propio tiempo. Riley está utilizando el “texto” aquí para significar no sólo documentos escritos, pero cualquier fenómeno conforme a la interpretación, tal como experiencias u opiniones.)

De: “Pintando ahora”, la 23ro conferencia conmemorativa de Guillermo Townsend, dada por Bridget Riley CBE en la escuela del arte, Londres, del Slade el 1996 del 29 de noviembre, cotizó en artículo “una súplica para la pintura”, por Michael Bracewell, The Guardian fin de semana el 1997 del 15 de marzo

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