El cine americano ha tenido un efecto profundo en cine a través del mundo desde el vigésimo siglo temprano. Su historia se separa a veces en cuatro períodos principales: la era de la película silenciosa, el cine clásico de Hollywood, el nuevo Hollywood, y el período contemporáneo (después del an o 80).

Historia

Desarrollo temprano

El segundo registró el caso de las fotografías que capturaban y el movimiento de reproducción era serie S de Muybridge Eadweard 'de fotografías de un caballo corriente, que él capturó en el Palo Alto, California, usar un sistema de cámaras inmóviles colocadas en una fila. La realización de Muybridge llevó a inventores por todas partes a intentar hacer los dispositivos similares que capturarían tal movimiento. En los Estados Unidos, el Thomas Alva Edison estaba entre el primer para producir tal dispositivo, el Kinetoscope del, cuya aplicación severa de la patente hizo a cineastas tempranos buscar alternativas.

En los Estados Unidos, las primeras exposiciones de las películas para el mucho público siguieron típicamente las interrupciones en demostraciones del vodevil . Los empresarios comenzaron a viajar para exhibir sus películas, trayendo al mundo los primeros saqueos en film-making dramático. El primer éxito enorme del cine americano, así como el logro experimental más grande a este punto, era el gran robo del tren, dirigido por el portero de Edwin S. En los días más tempranos de la industria del cine americana, Nueva York era el epicentro del film-making. El estudio cinematográfico de Kaufman-Astoria en el Queens, construido durante la era de la película silenciosa, fue utilizado por los hermanos de Marx y los campos W. El Chelsea, Manhattan también fue utilizado con frecuencia. Maria Pickford, actriz que gana del premio de la Academia, tiro algo de ella películas tempranas en esta área. Sin embargo, el mejor tiempo a lo largo de todo el año de Hollywood le tomó una mejor decisión para el shooting.

Subida de Hollywood

A principios de 1910, el D. Griffith del director fue enviado por el Biograph Company a la costa oeste con su tropa temporaria que consistía en el Blanche dulce de los agentes, el Lillian Gish, el Maria Pickford, el Lionel Barrymore, y otros. Comenzaron la película en una porción vacante cerca de la calle de Georgia en el céntrico Los Ángeles . La compañía decidía mientras que allí explorar nuevos territorios y viajado varias millas del norte a una pequeña aldea que era amistosa y gozada la película de la compañía de la película allí. Este lugar fue llamado " " de Hollywood ;. Griffith entonces filmó la primera película tiró nunca en Hollywood, en California vieja, un melodrama de Biograph sobre California en los 1800s, mientras que perteneció a México. Biograph permanecía allí por meses e hizo varias películas antes de volver a Nueva York. Después de oír hablar este lugar maravilloso, en 1913 muchos cineastas dirigidos al oeste para evitar los honorarios impuestos por Thomas Edison, que poseyó patentes en el proceso de película-fabricación. En el Los Ángeles, California, los estudios y el Hollywood crecieron. Antes de la Primera Guerra Mundial, las películas fueron hechas en varias ciudades de los E., pero los cineastas gravitaron al meridional California mientras que la industria se convirtió. El paisaje variado los atrajeron por el clima suave y la luz del sol confiable, que permitieron filmar las películas al aire libre a lo largo de todo el año, y que estaba disponible. Hay varios puntos de partida para el cine americano, pero era nacimiento de Griffith de una nación que inició el vocabulario cinematográfico que todavía domina el celluoid a este día.

En los 1900s tempranos, cuando el medio era nuevo, muchos judíos encontraron el empleo en la industria del cine de los E. Podían hacer su marca en un negocio a estrenar: la exposición de cortometrajes en teatros del escaparate llamó los nickelodeons después de su precio de admisión de un níquel (cinco centavos). Dentro de algunos años, los hombres ambiciosos tienen gusto Samuel Goldwyn, Carl Laemmle, Adolph Zukor, Louis B. Mayer, y el Warner Brothers (Harry, Albert, Samuel, y Gato) había cambiado al lado de la producción del negocio. Pronto eran los jefes de una nueva clase de empresa: el estudio de la película. (Vale el observar de que los E. tenían por lo menos una director, productor y cabeza femeninos del estudio en estos años, individuo Blaché de Alicia.) También fijaron la etapa para el internacionalismo de la industria; la industria se acusa a menudo de provincialismo Amero-céntrico, pero emplea simultáneamente un gran número de talento de origen extranjero: sueco Greta Garbo de la actriz al australiano Nicole Kidman, húngaro Michael Curtiz del director al mexicano Alfonso Cuarón del director.

Otros cineastas llegaron Europa después de Primera Guerra Mundial: los directores tienen gusto Ernst Lubitsch, Alfred Hitchcock, Fritz Lang, y Jean Renoir ; y los agentes tienen gusto Rudolph Valentino, Marlene Dietrich, Ronald Colman, y Charles Boyer . Ensamblaron una fuente de cosecha propia de agentes--engañado al oeste de la etapa de New York City después de la introducción de películas de sonidos--para formar una de las vigésimas industrias de crecimiento más notables del siglo. En la altura de las películas del renombre en los años 40 mid-, los estudios ponían hacia fuera un total de cerca de 400 películas al año, visto por una audiencia de 90 millones de americanos por semana.

El sonido también llegó a ser ampliamente utilizado en Hollywood en los últimos años 20. Después de que lanzaran al cantante del jazz con éxito como película hablada de Vitaphone en 1927, las compañías de la película de Hollywood responderían a Warner Bros. y comenzarían a utilizar Vitaphone sonido-que Warner Bros. poseyó hasta que 1928 en las películas futuras, y la rama occidental de la compañía eléctrica conocida como producto eléctrico de la investigación (ERPI) Incorporar-que fue formado como subsidiario para la compañía también hubiera ganado un monopolio sobre la distribución del sonido de la película por mayo de 1928 también. En 1922, político de los E. dejado políticas y formado la organización del jefe del estudio de la película conocida como la asociación de los distribuidores de las películas de América (MPDAA) ; la organización se convirtió en el Motion Picture Association de América después de que el heno se retirara en 1945.

Versiones paralelas de la extranjero-lengua

En los tiempos tempranos de las películas habladas los estudios americanos encontraron que sus producciones sanas fueron rechazadas en mercados de la extranjero-lengua e incluso entre los altavoces de otros dialectos del inglés. La tecnología de la sincronización seguía siendo también primitivo para el doblaje . Una de las soluciones era las versiones de la extranjero-lengua del paralelo. ¡Alrededor 1930, las compañías americanas ¿cuál? --> abrió un estudio en el Joinville-le-Pont, Francia, donde los mismos sistemas y guardarropa e incluso escenas totales fueron utilizados para los equipos de tiempo compartido de diverso . También, eligieron y fueron traídos a los agentes, a los dramaturgos y a los ganadores parados extranjeros de las competencias de Photogenia a Hollywood, en donde tiraron versiones paralelas de las películas de lengua inglesa. Estas versiones paralelas tenían un presupuesto más bajo, fueron tiradas en la noche y dirigidas por la segundo-línea directores americanos que no habló el idioma extranjero. Los equipos de la Español-lengua incluyeron a gente como el Luis Buñuel, el Enrique Jardiel Poncela, el Javier Cugat y el Edgardo Neville . Las producciones no eran muy acertadas en sus mercados previstos:
Los presupuestos más bajos eran evidentes.
Muchos agentes del teatro no tenían ninguna experiencia anterior en cine.
Las películas originales eran a menudo de segunda categoría ellos mismos, desde estudios contaban con que las producciones superiores vendieran solo.
La mezcla de acentos extranjeros (castellano, mexicano, chileno por ejemplo en el caso español) era impar para las audiencias.
Algunos mercados carecieron teatros sonido-equipados. A pesar de esto, algunas producciones como la versión española Dracula comparan favorable con la original. Por los mediados de los años treinta, la sincronización había avanzado bastantes para que el doblaje llegue a ser generalmente.

Época dorada de Hollywood

Durante la época dorada supuesta de Hollywood, que duró del final de la era silenciosa en cine americano en los últimos años 20 al a finales de la década de 1950, las películas fueron publicadas de los estudios de Hollywood como los coches que caían las plantas de fabricación de Henry Ford; el comienzo de la época dorada era discutible cuando el el cantante del jazz fue lanzado en 1927 y aumentó los beneficios de la taquilla para las películas mientras que el sonido fue introducido a los largometrajes. La mayoría del Hollywood Pictures se adhirió de cerca a un occidental, comedia, musical, historieta Animated, Biopic (cuadro biográfico) de la fórmula de la bufonada - y los mismos equipos creativos trabajados a menudo en las películas hechas por el mismo estudio. Después de que lanzaron al cantante del jazz en 1927, Warner Bros. ganó éxito enorme y podía adquirir su propia cadena de cines, después de comprar los teatros de Stanley y las primeras producciones nacionales en 1928; MGM también había poseído una cadena de teatros desde la formación en 1924, sabe a través de los teatros de Loews, y la corporación de la película del Fox poseyó las secuencias del teatro del Fox también. También, RKO- otra compañía que poseyó teatro-tenido formado en 1928 de una fusión entre los teatros de Keith-Orpheum y la Radio Corporation de América RKO formó en respuesta al monopolio que ERPI eléctrico occidental tenía sobre sonido en películas también, y comenzó a utilizar el sonido en películas con su propio método conocido como fotófono . Paramount, que adquirió Balaban y Katz en 1926, los contestaría ya al éxito de Warner Bros. y de RKO, y compra un número de teatros en los últimos años 20 también, antes de hacer su compra final en 1929, con la adquisición de todos los teatros individuales que pertenecen a la taquilla cooperativa, situada en Detroit, y domina los teatros de Detroit. Por ejemplo, el Cedric Gibbons y el Herberto Stothart trabajaron siempre en las películas MGM, Alfred Newman trabajado en el 20th Century Fox por veinte años, Cecil B. De Mille que las películas de s de las 'películas de s eran hicieron casi todo en el Paramount, el rey de Henry del director 'fueron hechos sobre todo para el Fox del Vigésimo-Siglo, el etc. Y uno podría conjeturar generalmente qué estudio hizo que filman, en gran parte debido a los agentes que aparecieron en él; MGM, por ejemplo, lo demandó había contratado el " más estrellas que allí están en heaven." Cada estudio tenía sus propios tactos del estilo y de la característica que permitieron saber esto - un rasgo que no existe hoy. Con todo cada película era un poco diferente, y, desemejante de los artesanos que hicieron los coches, muchas de la gente que hizo las películas eran artistas. Por ejemplo, el para tener y para tener no (1944) es famoso no sólo por el primer apareamiento Humphrey Bogart ( 1899 - 1957 ) de los agentes y Lauren Bacall ( 1924 -) pero también por ser escrita por dos ganadores futuros del Premio Nobel Del en la literatura : Ernest Hemingway ( 1899 - 1961 ), autor de la novela en la cual la escritura fue basada nominal, y William Faulkner ( 1897 - 1962 ), que trabajó en la adaptación de la pantalla.

la Película-fabricación seguía siendo un negocio, sin embargo, y las compañías cinematográficas hicieron el dinero funcionando bajo sistema del estudio. Los estudios principales guardaron a millares de gente en sueldo-agentes, productores, directores, escritores, hombres de truco, craftspersons, y técnicos. Y poseyeron centenares de teatros en las ciudades y los pueblos a través de la nación, los teatros que demostraron sus películas y que estaban siempre necesitando el material fresco. En 1930, presidente Will Hays de MPDDA también fundó el código del heno (producción), que siguió pautas de la censura y entró efecto después de que las amenazas del gobierno de la censura ampliadas antes de 1930 sin embargo que el código nunca fue hecho cumplir hasta 1934, después de que la nueva organización de la iglesia católica la legión de decencia appaulled por los aspectos sexuales muy acertados del oeste de Mae en la hecha le incorrecto y no soy ningún ángel - amenazó a un boicoteo de las películas si no entró efecto, y ésos no obtuvieron un sello de la aprobación de la administración del código de la producción tuvieron que pagar una multa $25.00, y no podrían beneficiarse en los teatros, como el MPDDA había poseído cada teatro en el país a través de los cinco estudios grandes también. A través de los años 30, así como la mayor parte de la época dorada, MGM dominó la pantalla de la película y tenía las estrellas superiores en Hollywood, y también fue acreditado para crear el sistema de la estrella de Hollywood en conjunto también; " incluido de las estrellas; Rey de Hollywood" Clark Gable, Lionel Barrymore, Jean Harlow, esquilador de Norma, Greta Garbo, Jeanette MacDonald y el marido Nelson arremolinan, chaqueta de punto Tracy, Judy Garland, y gene Kelly. Otro gran logro al cine de los E. durante esta era también vino con Walt Disney y su animación. En 1937, Disney también crearía la película más acertada compuesta al 1938, al blanco como la nieve y a los siete enanos . También, en 1939, MGM crearía cuál sigue siendo la película más acertada, ajustado según la inflación de la taquilla, ido con el viento . A través de la época dorada de Hollywood, los teatros también fueron controlados por los cinco estudios grandes: MGM, Paramount, RKO, Warner Bros.

Muchos historiadores de la película han comentado sobre los muchos grandes trabajos del cine que emergieron a partir de este período de film-making alto regimented. Una razón que esto era posible es que, con tan muchas películas que eran hechas, no todos tuvo que ser un gran éxito. Un estudio podía jugar en una característica del medio-presupuesto con una buena escritura y agentes relativamente desconocidos: ciudadano Kane, dirigido por el Orson Welles ( 1915 - 1985 ) y mirado a menudo como la película más grande de toda la hora, ajustes que descripción. En otros casos, los directores resultos como el Howard Hawks ( 1896 - 1977 ) y el Capra ( 1897 de Frank - el 1991 ) lucharon los estudios para alcanzar sus visiones artísticas. El apogeo del sistema del estudio pudo haber sido el 1939, que del año consideró el lanzamiento de las obras clásicas tales como el Wizard Of Oz, ido con el viento, diligencia, Sr. Smith Goes a Washington, Wuthering las alturas, ángeles solamente tiene las alas, Ninotchka del, y medianoche . Entre las otras películas a partir del período de la época dorada que ahora se consideran ser obras clásicas: Casablanca, del es una vida maravillosa, el original King Kong del, y el sombrero superior .

Declinación del sistema del estudio

El sistema y la época dorada de Hollywood sí mismo del estudio habían sucumbido a dos fuerzas en el finales de los 40: (1) una acción anticompetitiva federal que separó la producción de películas de su exposición; y (2) el advenimiento de la televisión . En 1938, Hollywood estaba en una depresión, gracias al lanzamiento de blanco como la nieve y los siete enanos, pues no fue controlado por un estudio importante. Debido a esta depresión, el poco el estudio tres (artistas, Colombia, y universal unidos), que no poseyó ninguna cines, vio una oportunidad y comenzó un pleito contra los cinco estudios grandes el 20 de junio de 1938 para violar el acto anticompetitivo de Sherman. El pleito terminó en 1940, después de que un compromiso conocido como el decreto de consentimiento de 1940 fuera pasado, y permitió que los cinco estudios grandes guardaran sus teatros si cumplieron los requisitos del decreto dentro a lo más de un período de tres años, o bien el gobierno de los E. podría reinstalar el pleito contra los cinco estudios grandes también. Los requisitos del decreto eran ése: (1) los cinco estudios grandes podrían no más los temas del cortometraje del libro de bloque, sabidos pues un tiro, o fuerza completa, reservación de bloque; 2) los cinco estudios grandes podrían solamente libro de bloque hasta cinco características en sus teatros; 3) la comprar-compra oculta de películas de los districtos del teatro sin considerar las películas ahora fue proscrita de primera mano y substituida por la demostración comercial, que la hizo así que los 31 districtos del teatro en los E. verían las películas cada dos semanas antes de demostrar películas en teatros; y 4) un consejo de Administración haría cumplir estos requisitos también. Como resultado del compromiso, los productores cinematográficos independientes enfurecidos formaron una unión conocida como la sociedad de productores cinematográficos independientes y demandaron Paramount para el monopolio que todavía tenían sobre los teatros de Detroit mientras que Paramount también ganaba la dominación a través de agentes como Bob Hope, Paulette Goddard, lago veronica, Betty Hutton, cantante melódico Bing Crosby, Alan Ladd, y agente de largo plazo para el fabricante de vinos de Gary del estudio también antes de 1942 también. Los cinco estudios grandes también se aprovecharon del hecho de que los E. habían incorporado la Segunda Guerra Mundial, y no cumplieron estos requisitos, y después de que la guerra terminara, todos los otros cinco estudios grandes ensamblaron Paramount como demandados en el caso anticompetitivo de Hollywood, al igual que el poco tres estudios también. Como resultado del acto anticompetitivo de Sherman, los estudios de la película lanzaron a los agentes y al personal técnico gradualmente de sus contratos, después del Tribunal Supremo gobernaron que los estudios de la película del monopolio tenían sobre teatros eran una violación del acto también. Ahora, cada película hecha por un estudio podría tener un molde enteramente diverso y un equipo creativo, dando por resultado la pérdida gradual de todas esas características que hicieron el MGM, el Paramount, el universal, el Colombia, el RKO, y las películas del Fox del Vigésimo-Siglo inmediatamente identificables. Pero cierta gente de la película, tal como Cecil B. DeMille, seguía siendo artistas del contrato hasta el final de sus carreras o utilizó a mismos equipos creativos en sus películas, de modo que una película de DeMille todavía pareciera una si fue hecha en 1932 o 1956. El número de películas que son hechas caído, incluso durante se elevó el presupuesto medio, marcando un cambio en la estrategia para la industria. Los estudios ahora apuntaron producir la hospitalidad que no se podría ofrecer por la televisión: producciones espectaculares, épicas, mientras que otros perderían las derechas a sus cinematecas de teatro a otras compañías de vender a la televisión. Antes de 1949, todos los estudios cinematográficos del comandante habían dado para arriba la propiedad de sus teatros también.

La televisión también rompió la hegemonía de la industria cinematográfica en la hospitalidad americana también. A pesar de esto, la industria del cine podía también ganar una cierta palancada para las películas futuras pues la censura de largo plazo del gobierno se descoloró en los años 50 también. Después de que el caso de Paramount terminara, los teatros no más poseídos de los estudios de la película de Hollywood, y así lo hicieron tan extranjero película-que no siguió la producción de Hollywood se podría ahora lanzar en teatros americanos sin censura. Esto fue complementada con la decisión 1952 del milagro en el caso de Joseph Burstyn Inc. v Wilson, en el cual el Tribunal Supremo de los Estados Unidos invirtió su posición anterior, de la Comisión industrial de 1915's Mutual Film Corporation v. del caso de Ohio, e indicó que las películas eran una forma de arte y fueron dadas derecho a la protección de la Primera Enmienda ; Las leyes de los E. podían censurar no más las películas. Antes de 1968, el Motion Picture Association de América (MPAA) había substituido el heno Código-que ahora fue violada grandemente después de que la amenaza del gobierno de la censura que justificó el origen del código había terminado con el sistema de grado de película también.

El “nuevo Hollywood” y cine posclásico

El “cine posclásico” es un término usado para describir los métodos cambiantes de narración en el nuevo Hollywood. Se ha discutido que los nuevos acercamientos al drama y a la caracterización jugaron sobre las expectativas de la audiencia adquiridas en el período clásico: la cronología puede ser revuelta, los argumentos puede ofrecer el " Quot de las conclusiones de la torcedura;, y las líneas entre el antagonista y el protagonista pueden ser empañadas. Las raíces de la narración posclásica se pueden considerar en el noir de la película del, en rebelde sin una causa (1955), y en el argumento-rompedor psico del de Hitchcock.

el “ nuevo Hollywood ” es un término usado para describir la aparición de una nueva generación de directores escuela-entrenados película que habían absorbido las técnicas desarrolladas en Europa en los años 60 ; 1967 la película Bonnie y Clyde marcó el principio del cine americano que rebotaba también, pues una nueva generación de películas ganaría luego éxito en las taquillas también. Los cineastas tienen gusto Francisco Ford Coppola, George Lucas, Brian de Palma, Martin Scorsese, el Guillermo Friedkin y el Steven Spielberg vinieron producir el precio que homenaje pagado a la historia de la película, y convertido sobre los géneros y las técnicas existentes. A principios de los años 70, sus películas fueron aclamadas a menudo críticamente y comercialmente acertado. Mientras que las nuevas películas tempranas de Hollywood como el Bonnie y Clyde del y el jinete fácil habían sido relativamente asuntos del bajo-presupuesto con los héroes amorales y sexualidad y violencia creciente, el éxito enorme disfrutado por Coppola, Spielberg y Lucas con el el padrino, las quijadas, y Star Wars del, ayudado respectivamente para dar lugar al " moderno; " de la superproducción ;, y estudios inducidos a centrarse siempre más pesadamente en intentar producir golpes enormes.

Superproducciones

La impulsión para producir un espectáculo en la pantalla de película ha formado en gran parte el cine americano desde que. Las epopeyas espectaculares que se aprovecharon nuevo que con pantalla grande procesa habían sido cada vez más populares de los años 50 hacia adelante. Desde entonces, las películas americanas se han dividido cada vez más en dos categorías: las superproducciones y los estudios de las películas de la independiente se han centrado en la confianza en un puñado de lanzamientos extremadamente costosos cada año para seguir siendo provechosa. Tales superproducciones acentúan el espectáculo, el estrellato, y el alto valor de la producción, que exigen un presupuesto enorme. Las superproducciones confían típicamente en el estrellato y el masivo que hacen publicidad de para atraer a una audiencia enorme. Una superproducción acertada atraerá a audiencia bastante grande a los costes de producción compensada y cosechará considerables beneficios. Tales producciones llevan un riesgo de falta substancial, y la mayoría de los estudios lanzan las superproducciones que over- y underperform en un año.

Película independiente

Los estudios complementan estas películas con las producciones independientes, hechas con los pequeños presupuestos y a menudo independiente de la corporación del estudio. Las películas hechas de este modo acentúan típicamente alta calidad profesional en términos de actuación, los elementos de dirección, screenwriting, y otro asociados a la producción, y también sobre creatividad y la innovación. Estas películas confían generalmente en la comercialización crítica de la alabanza o del lugar para almacenar a una audiencia. Debido a los presupuestos bajos de una película independiente, una película independiente acertada puede tener un alto cociente del beneficiar-a-coste, mientras que una falta incurrirá en pérdidas mínimas, teniendo en cuenta para que los estudios patrocinen docenas de tales producciones además de sus lanzamientos arriesgados.

El cine independiente americano fue revitalizado en los últimos años 80 y los años 90 tempranos cuando otra nueva generación de cineastas, incluyendo el Spike Lee, el Steven Soderbergh, el Kevin Smith, y el Quentin Tarantino hizo las películas como, respectivamente, el hace la cosa correcta, el sexo, mentiras, y la videocinta, vendedores., y Reservoir Dogs del . En términos de dirección, los elementos screenwriting, corregir, y otro, estas películas eran innovadores y a menudo irreverentes, jugando con y contradiciendo las convenciones de las películas de Hollywood. Además, sus considerables éxitos y cruce financieros en cultura popular restablecieron la viabilidad comercial de la película independiente. Desde entonces, la industria del cine independiente ha hecho más bien definida y más influyente en cine americano. Muchos de los estudios principales han capitalizado en esto desarrollando subsidiarios para producir las películas similares; por ejemplo el reflector del Fox representa .

A un poco grado en el 2000s, los tipos de la película que eran considerados previamente tener solamente una presencia de menor importancia en el mercado de corriente de la película comenzaron a presentarse mientras que una taquilla americana más potente dibuja. Éstos incluyen las películas de la extranjero-lengua tales como tigre que se agacha, dragón ocultado y el héroe y las películas documentales tal como estupendo me clasifican bowling de s de, marcha del de los pingüinos, y de Moore Michael 'para Columbine y Fahrenheit del 9/11 .

Subida del mercado del video casero

Los años 80 y los años 90 consideraron otro desarrollo significativo. La aceptación completa del video casero por los estudios abrió un nuevo negocio extenso en la hazaña. Las películas tales como el secreto de NIMH y el rescate de Shawshank, que se realizó mal en su funcionamiento de teatro, podían ahora encontrar éxito en el mercado video. También vio la primera generación de cineastas con el acceso a las cintas video emerger. Los directores tales como Quentin Tarantino y P. Anderson habían podido ver millares de películas y de películas producidas con los granes números de referencias y de conexiones a los trabajos previos. Esto, junto con la explosión de la película independiente y de los costes ever-decreasing para la cinematografía, cambió el paisaje del americano película-que hacía de nuevo, y llevó un renacimiento de la cinematografía entre Hollywood más bajo y medio-classes— ésos sin el acceso a los recursos financieros del estudio.

Con la subida DVD en el siglo XXI, DVDs han llegado a ser rápidamente aún más provechoso a los estudios y han llevado a una explosión de empaquetar escenas adicionales, versiones extendidas, y las pistas del comentario con las películas.

Figuras notables en película de los E.

Los directores de cine americano de nacimiento significativos incluyen:

Otros agentes americano de nacimiento icónicos y las actrices incluyen:

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Zenithic

Abdus Sattar Ghazali

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