La historia de arte del es el estudio académico de objetos del arte en su desarrollo histórico y contextos estilísticos, es decir género, diseño, formato, y mirada . Por otra parte, la historia de arte del es generalmente la investigación de los artistas y de sus contribuciones culturales y sociales.

Como término, la historia de arte del (también historia del del arte ) abarca varios métodos de estudiar los artes visuales ; en el uso común que refiere al estudio de obras de arte y la arquitectura. La definición es, sin embargo, vasta, con los aspectos de la disciplina que se traslapa sobre las críticas del arte y la teoría del arte. El Ernst Gombrich observó ese " el campo de la historia de arte como Gaul de s de Caesar ', dividido en tres porciones habitadas por tres diferentes, aunque tribus no no necesario hostiles: (i) los peritos, (ii) los críticos, y (iii) el historians" académico del arte;. Las obras de arte las críticas y de la teoría del arte han sido con frecuencia los pivotes sobre los cuales la comprensión de la historia de arte ha dado vuelta.

Como disciplina, la historia de arte es distinguida de las críticas, que se refiere a establecer un valor artístico relativo sobre trabajos individuales con respecto a otros de estilo comparable, o sanción del arte de un estilo o de un movimiento entero; y la teoría del arte, que se refiere a la naturaleza fundamental del arte, y se relaciona más con la estética que investiga el enigma sublime y que determina la esencia de la belleza, es decir súplica artística. Técnico, la historia de arte no es estas cosas, porque el historiador de arte del utiliza el método histórico a las respuestas las preguntas: ¿El cómo hizo a artista viene crear el trabajo? ¿ de quién eran los patrón? ¿ de quién eran sus profesores? ¿ de quién era la audiencia? ¿ de quién eran sus discípulos? ¿ de qué fuerzas históricas formaron las obras del artista y cómo él o ella y la creación, alternadamente, afectaron al curso de acontecimientos artísticos, políticos, y sociales?

Definición

La historia de arte es relativamente una nueva empresa académica, comenzando en el siglo XIX . Considerando que el análisis de tendencias históricas adentro, por ejemplo, política, literatura, y las ciencias, las ventajas de la claridad y portabilidad de la palabra escrita, historiadores de arte del confía en el análisis formal, la iconología, la semiótica (estructuralismo, Poste-estructuralismo, y Deconstruction ), el sicoanálisis y la iconografía ; así como las fuentes primarias y las reproducciones de las ilustraciones como trampolín de la discusión y del estudio. Los avances en técnicas fotográficas de la reproducción y de la impresión después de la Segunda Guerra Mundial aumentaron la capacidad de reproducciones de ilustraciones exactamente. Sin embargo el aprecio y el estudio de los artes visuales ha sido un campo de investigación para muchos durante los milenios. La definición de la historia de arte refleja la dicotomía dentro del arte; es decir, arte como historia y en contexto antropológico; y arte como estudio en formas.

El estudio del arte visual se puede acercar con las categorías amplias de Contextualism y del formalismo . Se describen como:

; Contextualism : El acercamiento por el que una obra de arte se examine en el contexto del de su tiempo; de una forma que respeta las motivaciones y los imperativos de su creador; con la consideración de los deseos y de los prejudicar de sus patrón y patrocinadores; con un análisis comparativo de temas y de acercamientos de los colegas y de los profesores del creador; y consideración de la iconografía religiosa y del simbolismo temporal. En fin, este acercamiento examina la obra de arte en el contexto del mundo dentro de el cual fue creado.

; Formalismo del : El acercamiento por el que las ilustraciones se examinen con un análisis de su forma; es decir, el uso del creador de la línea, de la forma, del color, de la textura, y de la composición. Este acercamiento examina cómo el artista utiliza un plano de cuadro de dos dimensiones (o las tres dimensiones del espacio escultural o arquitectónico) para crear su arte. Un análisis formal puede describir más lejos arte como el representativo o non-representational; ¿qué respuestas la pregunta, son el artista que imita un objeto o la imagen encontró en naturaleza? Si es así es representativa. Cuanto más cerca el arte corta para perfeccionar la imitación, más el arte es el realista. Si el arte es menos imitación y más simbolismo, o de una manera importante se esfuerza capturar la esencia de la naturaleza, algo que la directo, el arte es el abstracto. El impresionismo es un ejemplo de un estilo representativo que no era directo imitativo, pero se esforzó crear un " impression" de la naturaleza. Por supuesto, el realismo y la abstracción existen en una serie continua. Si el trabajo es el no representativo de la naturaleza, pero una expresión de las sensaciones del artista, anhelos y aspiraciones, o su búsqueda para los ideales de la belleza y de la forma, el trabajo es el non-representational o un trabajo del expresionismo del .

Desarrollo histórico

El mundo antiguo

La escritura más temprana de la supervivencia en el arte que se puede clasificar como historia de arte es los pasos en el Plinio historia natural de s de la anciano el la 'referente al desarrollo de la escultura y de la pintura griegas . De ellas es posible remontar las ideas Xenokrates de Sicyon, escultor griego que era quizás el primer historiador de arte. Consecuentemente, el trabajo de Plinio, mientras que principalmente una enciclopedia de las ciencias, era desproporcionado influyente con respecto a arte del renacimiento hacia adelante, particularmente los pasos sobre las técnicas utilizó por el Apelles del pintor. Similar, aunque la independiente, los progresos ocurrió en el China del siglo VI, en donde un canon de artistas dignos fue establecido por los escritores en la clase del erudito-funcionario (quién, siendo necesario peritos en caligrafía, eran los artistas ellos mismos), y los principios seises del de la pintura fueron formulados por el Xie él .

Los principios de la historia de arte moderno

Mientras que han escrito y leyeron las reminiscencias personales del arte y los artistas de largo (véase el Lorenzo Ghiberti para el ejemplo temprano del mejor), era Jorge Vasari, el pintor toscano, escultor y autor de las vidas de los pintores, que llevaron en la era de la historia del arte como historia del, con énfasis sobre la progresión del arte y el desarrollo, un jalón en este campo. La suya era una cuenta personal e histórica, ofreciendo biografías de artistas italianos individuales, muchos de quién eran sus contemporáneos y conocidos personales. El más renombrado de éstos era Michelangelo, y la cuenta de Vasari es enlightening. Las ideas de Vasari sobre arte llevaron a cabo sacudimiento hasta el siglo XVIII, cuando las críticas fueron niveladas en su estilo peculiar de la historia como el personal. Eruditos tales como Juan Joaquín Winckelmann (1717-1768), " de Vasari criticado; cult" de la personalidad artística, y sostenido que el énfasis verdadero en el estudio del arte perteneció en las opiniones el espectador docto y no el punto de vista único del artista carismático. Las escrituras de Winckelmann eran así los principios de las críticas del arte. Winckelmann era famoso por su crítica de los excesos artísticos las formas rococóes barrocas de y, y posteriormente instrumental en la reforma de gusto a favor del Neoclassicism más sobrio, en una vuelta al pensamiento elemental del renacimiento. Jacob Burckhardt (1818 - 1897), uno de los fundadores de la historia de arte, conocidos que Winckelmann era “el primer a distinguir entre los períodos de arte antiguo y para ligar la historia del estilo a historia de mundo”. Incidentemente, de Winckelmann hasta el siglo a principios de siglo 20, el campo de la historia de arte fue dominado por académico de habla alemana.

La tradición crítica

El trabajo de Winckelmann marcó la entrada de la historia de arte en el discurso alto-filosófico de la cultura alemana. Winckelmann fue leído ávido por el Goethe y el Schiller, de quién comenzó a escribir en la historia del arte, y su cuenta Laocoon ocasionó una respuesta por el Lessing . La aparición del arte como tema importante de la especulación filosófica fue solidificada por el aspecto de las conferencias del de s de Kant 'crítica de s del juicio en 1790, y fomentada por Hegel 'del en la estética . La filosofía de Hegel sirvió como la inspiración directa para trabajo de s de Schnaase Karl '. El Niederländische Briefe de Schnaase estableció las fundaciones teóricas para la historia de arte como disciplina autónoma, y su der de Geschichte del bildenden Künste, uno de los primeros exámenes históricos de la historia del arte de la antigüedad al renacimiento, facilitó la enseñanza de la historia de arte en universidades de habla alemana. La encuesta sobre Schnaase fue publicada contemporáneo con un trabajo similar por el Francisco Theodor Kugler .

Wölfflin

La mayoría reconocen el Heinrich Wölfflin (1864-1945), que estudió debajo de Burckhardt en Basilea, como el padre de la historia de arte moderno. Wölfflin hizo ciertamente el primer análisis formal del campo. Él introdujo un acercamiento científico a la historia del arte, girando tres conceptos. En primer lugar, él intentó estudiar el arte usar la psicología, particularmente el trabajo Wilhelm Wundt, uno de los fundadores de la psicología científica. Un principal, si estuvo filtrado, concepto científico era el del ideal artístico de la correspondencia corpórea; es decir ese arte y arquitectura son buenos si se asemejan al cuerpo humano. Por ejemplo, las casas eran buenas si sus façades parecían caras. En segundo lugar, él expuso la idea de estudiar arte con la comparación. Por lo tanto comparando pinturas individuales el uno al otro, uno podía hacer distinciones del estilo . Su renacimiento del libro y el barroco desarrollaron esta idea, y eran el primer para demostrar cómo estos períodos estilísticos diferenciaron a partir del uno otro. En contraste con el Jorge Vasari, Wölfflin era desinteresado en las biografías de artistas. De hecho él propuso la creación de un " historia de arte sin names." Finalmente, él estudió el arte basado en ideas de la constitución en nación . Él estaba particularmente interesado adentro si había intrínsecamente un " " italiano ; e intrínsecamente un " " alemán ; estilo. Este último interés mejor fue articulado en su monografía en el alemán Albrecht Dürer del artista.

Él utilizó una comparación - poner en contraste el tipo de análisis, y creyó que renacimiento y " barroco de la arquitectura; spoke" la misma lengua - de que del Griego clásico y de Roma - sin embargo con diversos dialectos.

Wölfflin enseñó en las universidades de Berlín, de Basilea, de Munich, y de Zurich. Un número de estudiantes se encendieron a las carreras distinguidas en historia de arte, incluyendo Jacobo Rosenberg y Frida Schottmuller.

La escuela de Viena

considera también: Escuela de Viena la historia de arte Contemporáneo con la carrera de Wölfflin, una escuela importante del pensamiento arte-histórico desarrollada en la universidad de Viena . La primera generación de la escuela de Viena fue dominada por el Alois Riegl y el Francisco Wickhoff, ambos estudiantes Moritz Thausing, y caracterizada por una tendencia a valorar de nuevo períodos descuidados o desacreditados en la historia del arte. Riegl y Wickhoff ambos escribieron extensivamente en el arte de la última antigüedad, que antes de que hubieran sido considerados como período de declinación del ideal clásico. Riegl también contribuyó a la nueva evaluación del Barroco.

La generación siguiente de profesores en Viena incluyó el Dvořák máximo, Julio von Schlosser, Juan Tietze, Karl Maria Swoboda, y José Strzygowski . Un número de los historiadores de arte más importantes del vigésimo-siglo, incluyendo el Ernst Gombrich, recibieron sus grados en Viena en este tiempo.

Sin embargo, el " del término; En segundo lugar Viena School" (o " Nueva Viena School") es generalmente reservado para la generación siguiente de eruditos vieneses, incluyendo el Juan Sedlmayr, Otto Pächt, y Guido Kaschnitz von Weinberg. Estos eruditos comenzaron en los años 30 a volver al trabajo de la primera generación, particularmente a Riegl y a su concepto de Kunstwollen, e intentaron desarrollarlo en una verdadera metodología arte-histórica. Sedlmayr, particularmente, rechazó el estudio minucioso de la iconografía, del patrocinio, y de otros acercamientos puestos a tierra en el contexto histórico, prefiriendo en lugar de otro concentrar en las calidades estéticas de una obra de arte. Consecuentemente, la segunda escuela de Viena ganó una reputación para el formalismo libre e irresponsable, y además fue coloreada por el racismo abierto y la calidad de miembro de Sedlmayr en el partido nazi. Esta 3ultima tendencia, sin embargo, fue compartida de ninguna manera por todos los miembros de la escuela; Pächt, por ejemplo, era sí mismo judío, y fue forzado para salir de Viena en los años 30.

Panofsky y iconografía

La tendencia opuesta, enfocando más, aunque no exclusivamente, en la iconografía, fuera convertido por un grupo flojo de eruditos que recolectaron en el Hamburgo en los años 20. El más prominentes entre ellos eran Erwin Panofsky, el Aby Warburg, y el Fritz Saxl . Panofsky, en sus primeras obras, también desarrolló las teorías de Riegl, pero se preocupó eventual más con iconografía, y particularmente con la transmisión de temas se relacionó con la antigüedad clásica en las Edades Medias y el renacimiento. A este respecto sus intereses coincidieron con los de Warburg, el hijo de una familia rica que había montado una biblioteca impresionante en Hamburgo dedicada al estudio de la tradición clásica en arte y cultura posclásicos. Bajo auspicios de Saxl, esta biblioteca fue desarrollada en un instituto de investigación, afiliado con la universidad de Hamburgo, en donde Panofsky enseñó.

Warburg murió en 1929, y en los años 30 Saxl y Panofsky, ambos judíos, fue forzado para salir de Hamburgo. Saxl colocó en Londres, trayendo la biblioteca de Warburg con él y estableciendo al instituto de Warburg. Panofsky colocó en Princeton en el instituto para el estudio avanzado . A este respecto eran parte de una afluencia extraordinaria de los historiadores de arte alemanes en la academia de habla inglesa en los años 30 (el " supuesto; scholars" del emigré;), que también incluyó el Ernst Kitzinger, el Richard Krautheimer, el Otto Brendel, y el Rudolf Wittkower . Estos eruditos eran en gran parte responsables de establecer historia de arte como campo del estudio legítimo en el mundo de habla inglesa, y la influencia de la metodología de Panofsky, particularmente, determinó el curso de la historia de arte americana por lo menos una generación.

Historia de arte psicoanalítica

Heinrich Wölfflin no era el único erudito para invocar teorías psicologicas en el estudio del arte. El Sigmund Freud del sicoanalista escribió un libro en el Leonardo Da Vinci del artista, en el cual Freud utilizó las pinturas de Leonardo para interrogar a la psique del artista y a la orientación sexual. Freud dedujo de su análisis que Leonardo era probablemente el homosexual. El uso del material póstumo de realizar el sicoanálisis es polémico; además, los usos sexuales del tiempo y de Freud de Leonardo son diferentes.

Otro exponente importante y famoso de la teoría psicoanalítica en relación a artistas y a sus trabajos es Carl Jung . Sus ideas sobre el inconsciente colectivo e imágenes arquetipo particularmente eran populares especialmente entre los expresionistas americanos del extracto en los años 40 y los años 50. El concepto surrealista de imágenes del dibujo de sueños, y la corriente de la escritura del sentido y la pintura inconscientes, definieron la práctica de muchos artistas del vigésimo siglo. Jung era siquiatra suizo, un pensador influyente, y fundador de la psicología analítica .

El acercamiento de Jung a la psicología acentuó la comprensión de la psique con la exploración de los mundos del arte de los sueños, de la mitología, de la religión del mundo y de la filosofía . Mucho de su trabajo de vida estuvo pasado que exploraba la filosofía del este y occidental, alquimia, astrología, sociología, así como la literatura y los artes. Sus contribuciones más notables incluyen su concepto del arquetipo psicologico, inconsciente colectivo, y de su teoría del Synchronicity . Jung creyó que muchas experiencias percibidas como coincidencia no eran simplemente debido a la ocasión pero, en lugar, sugirió la manifestación de los acontecimientos o de las circunstancias paralelos que reflejaban este gobierno dinámico.

Jung acentuó la importancia del balance y de la armonía. Él advirtió que los seres humanos modernos confían demasiado pesadamente en ciencia y lógica y se beneficiarían de espiritualidad y del aprecio de integración del reino inconsciente. El Jackson Pollock creó famoso una serie de dibujos para acompañar sus sesiones psicoanalíticas con su sicoanalista Jungian, el Dr. Henderson que publicó más adelante los dibujos en un texto dedicó sesiones de s de Pollock a las 'observadas cómo es de gran alcance los dibujos estaban como herramienta terapéutica.

Después de Freud y de Jung, varios otros eruditos han aplicado teoría psicoanalítica al arte. El Jacques Lacan 's los cuatro conceptos de Fondamental de sicoanálisis es uno del texto más influyente referente a la mirada inconsciente . Un pozo sabe que el erudito es Laurie Schnieder Adams, que escribió un arte popular del libro de textos a través del tiempo. El historiador de arte feminista prominente Griselda Pollock está dibujando sobre sicoanálisis en su lectura dentro de arte contemporáneo y en su releer del arte modernista. Con lectura de s de Pollock Griselda la 'del sicoanálisis feminista francés y particularmente las escrituras Julia Kristeva y Bracha L. Ettinger, como con las lecturas de Rosalind Krauss Jacques Lacan y Jean-François Lyotard y de releer curatorial de Catherine de Zegher del arte, de la teoría feminista escrita en los campos del feminismo francés y del sicoanálisis ha informado fuerte a reframing hombres y artistas de las mujeres en historia de arte.

Historiadores de arte críticos prominentes

Desde el tiempo de Heinrich Wolfflin, la historia de arte ha abrazado la historia social usando acercamientos críticos. La meta de éstos se acerca es demostrar cómo el arte obra recíprocamente con las estructuras de poder en sociedad. El primer acercamiento crítico que los historiadores de arte utilizaron era marxismo. La historia de arte marxista intentó demostrar cómo el arte fue atado a las clases específicas, cómo las imágenes contienen la información sobre la economía, y cómo las imágenes pueden hacer que el status quo parece natural (la ideología ). El Greenberg clemente vino a la prominencia durante los últimos años 30 con su vanguardismo y kitsch del ensayo, primero publicados en la revisión partisana 1939 del diario. En el ensayo Greenberg demandó que el vanguardismo se presentó para defender estándares estéticos de la declinación del gusto implicado en la sociedad de consumidor, y viendo el kitsch y el arte como contrarios. Más futuro de Greenberg demandado que el vanguardismo y el arte modernista eran los medios de resistir la nivelación de la cultura produjo por la propaganda capitalista . Greenberg se apropió de la palabra alemana “kitsch ” para describir este consumerismo, aunque sus connotaciones han cambiado desde entonces a una noción más afirmativa de materiales de sobra de la cultura capitalista. Refirieron a Greenberg a menudo como un crítico marxista del arte /historiador de arte . Mientras que piensan a Greenberg sobre todo en como crítico formalista del arte muchos de sus ensayos más importantes son cruciales a la comprensión de la historia del arte moderno, y a la historia del modernismo .

El marxismo ha calculado en la interpretación del arte. El Meyer Schapiro era el primer historiador de arte para tomar marxismo seriamente. Mientras que él escribió sobre plazos y temas numerosos en arte, lo recuerdan mejor para su comentario en escultura de las últimas Edades Medias y del renacimiento temprano, en cuya hora él vio la evidencia del capitalismo que emergía y disminución del feudalismo . El Arnold Hauser escribió el primer examen marxista del arte occidental, titulado " La historia social de Art." En este libro él intentó demostrar cómo el sentido de la clase fue reflejado en períodos importantes del arte. Su libro era muy polémico cuando fue publicado durante los años 50 porque hace generalizaciones gruesas sobre eras enteras. Sin embargo, permanece en la impresión como texto histórico del arte clásico. Clark era la primera escritura del historiador de arte de una perspectiva marxista para abandonar el marxismo vulgar por sí mismo. Él escribió a historias de arte marxistas de varios el impresionista y artistas del realista, incluyendo el Gustave Courbet y el Édouard Manet . Estos libros se centraron de cerca en los climas políticos y económicos en los cuales el arte fue creado.

El Linda Nochlin y el Griselda Pollock son historiadores de arte prominentes que escriben de una perspectiva feminista desde los años 70.

Historia de arte semiótica

La historia de arte semiótica es un acercamiento al análisis histórico del arte que pide prestado de las teorías establecidas de la semiología. Intenta destapar el significado o los significados codificados en un objeto estético examinando su conexión a un sentido colectivo. La aplicación de una filosofía basada en el lenguaje a los medios visuales es intrínsecamente problemática y por esa razón, los historiadores de arte complementan típicamente su uso con otras metodologías que permitan consideraciones políticas e históricas.

Los historiadores de arte utilizan la semiótica para derribar el mito del arte como visión inmediata y no mitigada del mundo, una ventana a través de la cual el objeto se pueda ver sin la mediación externa. En una tradición que asuma que el significado visual puede intuitivo ser destapado, la complejidad de las imágenes se puede tratar solamente adecuado en imágenes de la lectura como texto. Los estándares del styalization y de la forma substituyen palabras como significares del significado. Apenas pues los diccionarios son inadecuados en el suministro del significado verdadero a las palabras, la naturaleza es escasa como la última referencia para las muestras visuales si la noción del ideal platónico se despide.

En comparación con la iconografía que intenta identificar el significado, la semiótica se refiere a cómo se crea el significado. Rolando los significados implicados y denotados de Barthes es supremo a esta examinación. En cualquier obra de arte particular, una interpretación depende de la identificación del reconocimiento denotado del significado- de una muestra visual, y de las asociaciones culturales inmediatas implicadas del significado- que vienen con el reconocimiento. La mayor preocupación del historiador de arte semiótico es subir con maneras de navegar y de interpretar el significado implicado.

Los historiadores de arte no confían comúnmente a ninguna una marca de fábrica particular de la semiótica sino construyen algo una versión unida que incorporen en su colección de herramientas analíticas. Por ejemplo, significado diferenciado de Meyer Saussure prestado Shapiro en esfuerzo para leer muestras como existen dentro de un sistema. Según Schapiro, entender el significado del frontality en un contexto ilustrado específico, debe ser distinguido, o ser visto en lo referente, a posibilidades alternas tales como un perfil, o de una visión de tres cuartos. Schapiro combinó este método con el trabajo de las chorreadoras Peirce de Charles que objeto, muestra, e interpretant proporcionó una estructura para su acercamiento. Alex Potts demuestra el uso de los conceptos de Peirce a la representación visual examinándolos en lo referente a la Mona Lisa. Viendo a la Mona Lisa, por ejemplo, como algo más allá de su materialidad está identificarla como muestra. Entonces se reconoce como referir a un objeto fuera de sí mismo, a una mujer, o a Mona Lisa. La imagen no parece denotar el significado religioso y se puede por lo tanto asumir para ser un retrato. Esta interpretación lleva a una cadena de interpretaciones posibles: ¿quién era el canguro en lo referente a Leonardo? ¿Qué significación hizo ella tuvo que él? O, ella es quizá un icono para todo el womankind. Esta cadena de la interpretación, o el “semiosis ilimitado” es sin fin; el trabajo del historiador de arte es poner límites en interpretaciones posibles tanto como es revelar nuevas posibilidades.

La semiótica funciona bajo teoría que una imagen se puede entender solamente de la perspectiva del espectador. El espectador suplanta al artista como el proveedor del significado, incluso hasta el punto de una interpretación es todavía válida sin importar si el creador la había pensado. Rosiland Krauss desposó este concepto en su ensayo “en nombre de Picasso.” Ella denunci el monopolio del artista en el significado e insistió que el significado se puede derivar solamente después del trabajo se ha quitado de su contexto histórico y social. El Bal de Mieke sostuvo semejantemente que no existe el significado incluso hasta que la imagen sea observada por el espectador. Está solamente después de reconocer esto que el significado puede abrirse a otras posibilidades tales como feminismo o sicoanálisis.

Divisiones por período

El campo de la historia de arte se divide tradicionalmente en las especializaciones o las concentraciones basadas en eras y regiones. Tales divisiones incluyen típicamente: style=" del
prehistórico
antiguo
medieval
Renacimiento
barroco
siglo XIX
vigésimo siglo / contemporáneo
África
precolombino o Américas antiguas
Asia