La historia del de los palmos de la película durante cientos años, de la 3ultima parte del siglo XIX al principio del 21ro. Las películas se convirtieron gradualmente de una novedad del carnaval a una de las herramientas más importantes de la comunicación y de la hospitalidad, y de los medios de comunicación en el vigésimo siglo. Las películas cinematográficas han tenido un impacto substancial en los artes, la tecnología, y la política .

El nacimiento de la película

El considera también: Precursores de la película

Dos la segundo película experimental, escena del jardín de Roundhay, filmada por el Louis Le príncipe el octubre de 1888 en el Leeds, Yorkshire, se reconoce generalmente como la supervivencia más temprana cinematográfica.

El Guillermo Kennedy Laurie Dickson, principal ingeniero con los laboratorios de Edison, se acredita con la invención de una forma practicable de una tira del celuloide que contiene una secuencia de imágenes, la base de un método de fotografiar y de proyectar imágenes móviles. Los bloques del celuloide fueron rebanados, después quitados fino con las placas de presión heated. Después de esto, estuvieron cubiertos con una emulsión fotosensible de la gelatina. En 1893 en la feria de mundo de Chicago, Thomas Edison presentado a las dos invenciones pioneras públicas basadas en esta innovación; el Kinetograph, la primera cámara práctica del cuadro móvil, y el Kinetoscope . Este 3ultimo era un gabinete en el cual un lazo continuo de la película de celuloide de Dickson (accionada por un motor eléctrico ) detrás fue encendido por una lámpara incandescente y considerado a través una lente que magnificaba . El espectador acercó a un pedazo del ojo. Las salas de Kinetoscope fueron suministradas los recortes de la película del cincuenta-pie fotografiados por Dickson, en el " de Edison; Maria" negro; estudio de . Estas secuencias registraron acontecimientos mundanos (tales como estornudo, 1894 de Fred Ott) tan bien como actos de la hospitalidad como acróbatas, ejecutantes del teatro de variedades y demostraciones del boxeo.

Las salas de Kinetoscope pronto se separaron con éxito a Europa. Edison, sin embargo, nunca intentó patentar estos instrumentos en el otro lado del Atlántico, puesto que confiaron tan grandemente en los experimentos y las innovaciones anteriores de Gran Bretaña y de Europa. Esto permitió el desarrollo de imitaciones, tales como la cámara ideada por el Roberto W. Paul y sus acres del fabricante del electricista británico y del instrumento científico de Birt del socio.

Paul tenía la idea de exhibir los cuadros móviles para las audiencias del grupo, algo que apenas a los espectadores individuales, e inventó un proyector de película, dando a su primer público que demostraba en 1895. En el tiempo casi igual, en Francia, el Auguste y Louis Lumière inventó el cinematógrafo, un portable, tres-en-uno el dispositivo: cámara, impresora, y proyector. En finales de 1895 en París, el padre Antonio Lumière comenzó las exposiciones de películas proyectadas ante el público que pagaba, comenzando la conversión general del medio a la proyección (cocinero, 1990). Sintieron bien rápidamente a los productores principales de Europa con su '' actualités '' como los trabajadores que salían de la fábrica de Lumière y las ilustraciones cómicas como la regadera asperjaron (ambo 1895). Incluso Edison, inicialmente desdeñoso de la proyección, ensambló la tendencia con el Vitascope en el plazo de menos de seis meses. La primera presentación pública de la película cinematográfica en Europa, aunque, pertenece al máximo y de Emilio Skladanowsky de Berlín, que proyectó con su " del aparato; Bioscop", una construcción a dos caras sin centelleo, 1 de noviembre con 31, 1895.

Todavía más viejo, mayo, 1895, era el Lauste en los E. con un Eidoloscope que él ideó para la familia de Latham . La primera investigación pública de la película es nunca debido al " de Jean Aimé; Acme" Le Roy, fotógrafo francés. El 5 de febrero de 1894, su 40.o cumpleaños, él presentó su " Cinematograph" maravilloso; a un grupo de alrededor veinte hombres de la show business en New York City.

Las películas del tiempo fueron consideradas sobre todo vía espacios temporales del escaparate y expositores que viajaban o como actos en programas del vodevil. Una película podía estar debajo de un largo minucioso y presentaría generalmente una sola escena, auténtico o efectuada, de la vida cotidiana, de un acontecimiento público, de un acontecimiento deportivo o de la bufonada . Había poco a ninguna técnica cinemática: el ningún corregir y generalmente ningún movimiento de la cámara, y plano, composiciones del stagey. Pero la novedad de fotografías realista de mudanza era bastante para que una industria cinematográfica prolifere rápidamente antes del final del siglo, en países en todo el mundo.

La era silenciosa

Los inventores y los productores habían intentado de los mismos principios de cuadros móviles casar la imagen con el sonido síncrono, pero no se ideó ningún método práctico hasta los últimos años 20. Así, por los primeros treinta años de su historia, las películas eran más o menos silenciosas, aunque fueron acompañadas por los músicos vivos y a veces los efectos sonoros y con diálogo y la narración presentaron en el Intertitles

Historia de la película a partir de 1895 a 1906

Los primeros diez años de películas demuestran el cine que se mueve desde una novedad a una industria del ocio en grande establecida. Las películas ellos mismos representan un movimiento de las películas que consisten en un tiro, hecho totalmente por una persona con algunos ayudantes, hacia las películas varios minutos largos consistiendo en varios tiros, que fueron hechos por las compañías grandes en algo como condiciones industriales.

Negocio de película hasta 1906

En 1896 se ponía de manifiesto que más dinero debía ser hecho demostrando las películas cinematográficas con un proyector a un mucho público que exhibiéndolas en las máquinas del peep-show de Kinetoscope de Edison. La compañía de Edison tomó un proyector desarrollado por Armat y Jenkins, el “Phantoscope”, que fue retitulado el Vitascope, y ella ensamblaron las varias máquinas de proyección hechas por la otra gente para demostrar los 35 milímetros. películas de la anchura que son hechas por la compañía y otras de Edison en Francia e Inglaterra.

Sin embargo, la compañía cinematográfica más acertada de los Estados Unidos, con la producción más grande hasta 1900, era la compañía americana de Mutoscope . Esto fue fijada inicialmente para explotar el tipo películas del peep-show usar los diseños hechos por W. Dickson después de que él dejara la compañía de Edison en 1895. Su equipo utilizó 70 milímetros. la película ancha, y cada marco fueron impresos por separado sobre las hojas de papel para la inserción en su máquina de la visión, llamadas el Mutoscope . Las hojas de la imagen se destacaban de la periferia de un tambor rotativo, y movieron de un tirón en la visión en la sucesión. Además del Mutoscope, también hicieron un proyector llamado el Biograph, que podría proyectar una impresión continua de la película positiva hecha de las mismas negativas.

Había numeroso otros productores más pequeños en los Estados Unidos, y algunos de ellos establecieron una presencia de largo plazo en el nuevo siglo. Vitagraph americano, uno de estos productores de menor importancia, estudios construidos en Brooklyn, y ampliado sus operaciones en 1905. A partir de 1896 había pleito continuo en los Estados Unidos sobre las patentes que cubrían los mecanismos básicos que hicieron películas posibles.

En Francia, la compañía de Lumière envió a cameramanes en el mundo entero a partir de 1896 hacia adelante a las películas del lanzamiento, que fueron exhibidas localmente por los cameramanes, y entonces enviado detrás a la fábrica de la compañía en Lyon para hacer las impresiones para la venta a quienquiera las quiso. Había casi miles de estas películas compuestas a 1901, casi todas las actualidades.

Antes de el 1898 Jorte Méliès era el productor más grande de las películas de ficción en Francia, y desde aquí su salida era casi enteramente películas que ofrecían los efectos del truco, que eran muy acertados en todos los mercados. El renombre especial de sus películas más largas, que estaban a varios minutos de largo a partir de 1899 hacia adelante (mientras que la mayoría de las otras películas seguían siendo solamente largas minucioso), llevó a otros fabricantes a comenzar a producir películas más largas.

A partir la 1900 Charles Pathé comenzó la producción de la película bajo marca de fábrica de Pathé-Frères, con el Fernando Zecca empleada para hacer realmente las películas. Antes de 1905, Pathé era la compañía más grande del mundo, una posición de la película que conservó hasta Primera Guerra Mundial. El Léon Gaumont comenzó la producción de la película en 1900, con su producción supervisada por el individuo de Alicia.

En Inglaterra, el Roberto W. Paul, el James Williamson y el G. Smith el y los otros pocos productores fueron ensamblados por el Cecil Hepworth en 1899, y en algunos años él resultaba 100 películas al año, con su compañía haciendo el más grande en la escena británica.

Exposición de la película

Las películas fueron demostradas inicialmente sobre todo como novedad en lugares especiales, pero los métodos principales de exposición se convirtieron rápidamente como artículo en los programas de los teatros de variedad, o por el showman que viajaba en los teatros de la tienda, que tomaron alrededor de las ferias en ciudades rurales. Se convirtió en la práctica para que las empresas productoras vendan impresiones francamente a los expositores, en tanto por pie, sin importar el tema. Los precios típicos eran inicialmente 15 centavos por pie en los Estados Unidos, y un chelín un pie en Gran Bretaña. el Mano-coloreó las películas de, que eran producidas de los temas más populares antes de 1900, costó 2 a 3 veces tanto por pie. Había algunos productores, tales como los American Mutoscope y Biograph Company, que no vendió sus películas, pero explotado les solamente con sus propias unidades de la exposición. El primer teatro permanente acertado que no demostraba nada pero las películas era “el Nickelodeon”, que fue abierto en Pittsburgh en 1905. De esta fecha había finalmente bastantes películas varios minutos de largo disponibles para llenar un programa que funcionaba por lo menos media hora, y que podría ser cambiada semanalmente en que la audiencia local se aburrió con él. Otros expositores en el juego rápidamente seguido de Estados Unidos, y dentro de uces par de años allí eran millares de estos nickelodeons en funcionamiento. La situación americana llevó a un auge mundial en la producción y la exposición de películas del 1906 hacia adelante.

Técnica de la película

Las primeras cámaras de película fueron sujetadas directo al jefe del su trípode o de la otra ayuda, con solamente la clase más cruda de nivelar los dispositivos proporcionados, de la manera de los jefes del trípode de la aún-cámara del período. Las cámaras de película más tempranas fueron fijadas así con eficacia durante el curso del tiro, y por lo tanto los primeros movimientos de la cámara eran el resultado de montar una cámara en un vehículo móvil. Primero sabido de éstos era un tiro de la película de un cameraman de Lumière de la plataforma trasera de un tren que salía de Jerusalén en 1896, y antes de 1898 había un número de tiro de las películas de los trenes de mudanza. Aunque estuvieron enumeradas bajo título general de “panoramas” en los catálogos de las ventas del tiempo, esas películas tiraran directo delante de un motor ferroviario generalmente fueran referidas específicamente como “paseos fantasmas”.

En 1897, Roberto W. Paul hizo la primera cabeza de cámara giratoria verdadera hacer para poner un trípode, de modo que él pudiera seguir las procesiones de paso del jubileo de diamante de la reina Victoria en un tiro ininterrumpido. Este dispositivo tenía la cámara montada en un eje vertical que se podría girar por un engranaje de gusano conducido dando vuelta a una manija inestable, y Paul la puso en venta general el próximo año. Tiros tomados usar tal " panning" la cabeza de también fue referida como panoramas del `' en los catálogos de la película de la primera década del cine.

El patrón estándar para los estudios cinematográficos tempranos fue proporcionado por el estudio que Jorte Méliès había construido en mayo de 1897. Esto tenía una azotea de cristal y tres paredes de cristal construidas después del modelo de los estudios grandes para la fotografía inmóvil, y fue cabida con los paños de algodón finos que se podrían estirar debajo de la azotea para difundir los rayos directos del sol en días asoleados. La luz total suave sin las sombras verdaderas que este arreglo produjo, y que también existe naturalmente en días ligeramente cubiertos, era convertirse en la base para la iluminación de la película en los estudios cinematográficos para la década próxima.

Efectos cinematográficos

Único entre todas las películas largas minuciosas una hechas por la compañía de Edison, que registró las partes de los actos de los ejecutantes de la variedad para sus máquinas de la visión de Kinetoscope, era el la ejecución de Maria, reina de escocés. Esto demostró a persona vestida como la reina que ponía su cabeza en el bloque de la ejecución delante de un pequeño grupo de personas presentes en vestido isabelino. El verdugo derriba su hacha, y la cabeza cortada de la reina cae sobre la tierra. Este truco fue trabajado parando la cámara y substituyendo al agente por un maniquí, después recomenzando la cámara antes de que caiga el hacha. Los dos pedazos de película después fueron ajustados y cementaron juntos de modo que la acción apareciera continua cuando la película fue demostrada.

Esta película entre ésas fue exportada a Europa con las primeras máquinas de Kinetoscope en 1895, y vista por Jorte Méliès, que ponía en demostraciones mágicas en su teatro Roberto-Houdin en París en ese entonces. Él tomó film-making en 1896, y después de hacer las imitaciones de otras películas de Edison, de Lumière, y Roberto Paul, él hizo chez Roberto-Houdin (la señora) de la dama de la O.U de Escamotage d Vanishing'. Esta película demuestra que una mujer que es hecha para desaparecer usando el mismo para técnica del movimiento como la película anterior de Edison. Después de esto, Jorte Méliès hizo muchas películas del solo tiro usar este truco durante los pares de años siguientes.

El otro sistema básico de las técnicas para la cinematografía del truco implica la exposición doble de la película en la cámara, que era primera hecha por G. Smith en julio de 1898 en Inglaterra. Su los hermanos corsos fue descrito en el catálogo Warwick Trading Company, que tomó la distribución de las películas de Smith en 1900, así:

“Una de las vueltas de los hermanos gemelos se dirige de tirar en las montañas corsas, y es visitado por el fantasma del otro gemelo. Por fotografía extremadamente cuidadosa el fantasma aparece transparent* del *quite. Después de indicar que lo ha matado espada-empujar, y de apelar para la venganza, él desaparece. Una visión del `' entonces aparece que demuestra el duelo fatal en la nieve. Al asombro del corso, el duelo y la muerte de su hermano se representan vivo en la visión, y finalmente, superada por sus sensaciones, él se cae al piso apenas mientras que su madre entra en el cuarto.”

El efecto del fantasma fue hecho simplemente cubriendo el sistema en terciopelo negro después de la acción principal había sido tiro, y después re-exponer la negativa con el agente que jugaba el fantasma que pasaba con las acciones en el punto apropiado. Asimismo, la visión, que apareció dentro de una ilustración o de un circular mate, fue sobrepuesta semejantemente sobre un área negra en el contexto a la escena, algo que sobre una parte del sistema con el detalle en ella, de modo que nada apareciera con la imagen, que parecía absolutamente sólida. Smith utilizó esta técnica otra vez un año más adelante en el Papá Noel .

La superposición primero usada de Jorte Méliès en un fondo oscuro en el maudite de Caverne del la del (la cueva de los demonios) hecho uces par de meses más adelante en 1898, y después elaborado le con superposiciones múltiples en la tiró más lejos en el l molesto' Homme de têtes (las cabezas) . Él entonces la hizo con otras variaciones en películas subsecuentes numerosas.

Otras técnicas especiales

La otra técnica del efecto especial que G. Smith inició era movimiento reverso. Él hizo esto repitiendo la acción una segunda vez, mientras que la filmaba con una cámara invertida, y después ensambla la cola de la segunda negativa a la del primera. Las primeras películas hechas usar este dispositivo eran achispado, Topsy, Turvy y el pintor de muestra torpe . El el pintor de muestra torpe demostró a pintor de muestra que ponía letras a una muestra, y en la impresión reversa de la misma cantidad añadida a la impresión estándar, la pintura en la muestra desaparecida debajo del cepillo del pintor. El ejemplo más temprano de la supervivencia de esta técnica es de Smith la casa que Gato construyó, hecho antes de septiembre de 1900. Aquí, demuestran un pequeño muchacho que golpea abajo un castillo apenas construido por una niña fuera de los bloques huecos de los niños. Entonces un título aparece, decir “invertido”, y la acción se repite en revés, de modo que el castillo re-se erija debajo de sus soplos.

Cecil Hepworth tomó esta técnica más lejos, por la impresión la negativa del la carrera útil al revés enmarca el marco, así que produciendo una impresión en la cual la acción original fue invertida exactamente. Para hacer esto él construyó una impresora especial en la cual el funcionamiento negativo a través de un proyector fue proyectado en la puerta de una cámara a través de una lente especial que daba una imagen del mismo-tamaño. Este arreglo vino ser llamado una “impresora de proyección”, y eventual un “impresora óptica” . Con él Hepworth hizo a bañistas en 1900, en el cual los bañistas que han desnudado y han saltado en el agua aparecen soltar al revés de él, y hace que su ropa mágico vuele detrás sobre sus cuerpos.

El uso de diversas velocidades de la cámara también apareció alrededor 1900. Para hacer el de Roberto Paul en un coche de motor del fugitivo a través del circo (1899) de Piccadilly, la cámara fue dada vuelta muy lentamente, de modo que cuando la película fue proyectada en las 16 secuencias por segundo generalmente, el paisaje apareciera pasar a la gran velocidad. Cecil Hepworth utilizó el efecto opuesto en el jefe indio y el polvo de Seidlitz (1901), en quienes un indio rojo del naïve come mucha la medicina efervescente del estómago, haciendo su estómago ampliarse sumamente. Él salta alrededor de una manera que sea hecha globo-como poniendo la cámara mucho más rápidamente de 16 secuencias por segundo. Esto da lo que llamaríamos un efecto de “de la cámara lenta”.

Animación

El desarrollo más importante de esta área de técnicas especiales no sucedió hasta 1905, cuando el portero de Edwin hizo el cómo Jones perdió su rodillo, y el la familia entera y el perro de la presa de la presa. Ambas películas tenían intertitles que fueron formados por las letras que se trasladaban a lugar desde una dispersión al azar para formar las palabras de los títulos. Esto fue hecha exponiendo el marco de la película una a la vez, y moviendo las letras un poco hacia su posición final entre cada exposición. Esto es qué ha venido ser llamada la “sola animación del marco” o “animación del objeto”, y necesita una cámara levemente adaptada que exponga solamente un marco para cada vuelta de la manija inestable, algo que los ocho marcos generalmente por vuelta.

En 1906, Albert Edward Smith y el James Estuardo Blackton en Vitagraph tomaron la medida siguiente, y en sus fases chistosas del de caras divertidas, qué aparecen ser los dibujos de la historieta de la gente se mueven a partir de una actitud a otra. Esto es hecha para la mayor parte de la longitud de esta película moviendo los recortes articulados de las figuras marco por el marco entre las exposiciones, apenas como el portero movió sus letras. Sin embargo, hay una sección muy corta de la película donde las cosas son hechas para aparecer moverse alterando los dibujos ellos mismos desde marco al marco, que es cómo las historietas animated estándar se han compuesto desde entonces a hoy.

Construcción narrativa de la película

La manera adelante a hacer las películas compuso de más de un tiro fue llevado por las películas de la vida de Jesús Cristo. El primer de éstos fue hecho en Francia en 1897, y fue seguida en el mismo año por una película del juego de pasión efectuado anualmente en la ciudad checa de Horitz. Esto fue filmada por americans para la exposición fuera del mundo de habla alemana, y presentada en lugares especiales, no como película continua, sino con las escenas separadas entremezcladas con las diapositivas de linterna, una conferencia, y los números corales vivos, para aumentar el tiempo en marcha del espectáculo a cerca de 90 minutos.

Las películas de reproducciones actuadas de escenas de la guerra Greco-Turca fueron hechas por Jorte Méliès en 1897, y aunque estuvieron vendidas por separado, éstos no eran ninguna duda demostrada en secuencia continua por los expositores. En 1898 algunas películas de clase similar fueron hechos, pero todavía ningunos tenían acción continua el moverse a partir de la una tirada en el siguiente. Las películas multi-shot que Jorte Méliès hecho en 1899 era mucho más largo que ésos hicieron por cualquiera otro, solamente el l' asunto Dreyfus (el caso) de Dreyfus y el Cendrillon (Cinderella) todavía no contuvieron ninguna acción que se movía a partir de la una tirados la siguiente. También, del Cendrillon hacia adelante, Méliès hizo que un disuelve entre cada tiro en sus películas, que redujeron cualquier aspecto de la continuidad de la acción incluso más futuro. Para entender qué está entrando encendido en ambas estas películas, la audiencia tuvo que saber sus historias de antemano, o les sea dicha por un presentador.

Continuidad de la película

¡La continuidad verdadera de la película, que significa demostrar la acción que se traslada a partir de un tiro a otro ensambló a ella, se puede fechar a Roberto que viene del W. Paul adelante, hace!, hecho en 1898. En el primer tiro de esta película, un viejo par fuera de una exposición de arte sigue a la otra gente adentro a través de la puerta. El segundo tiro demostró lo que él hace adentro.

El desarrollo posterior de la continuidad de la acción en películas multi-shot continuó en 1899. En la 3ultima parte de ese año, el George Albert Smith, trabajando en el Brighton, Inglaterra, hizo el beso en el túnel . Esto comenzada con un tiro de un “paseo fantasma” en el punto en el cual el tren entra un túnel, y continuo con la acción en un sistema que representa el interior de un carro ferroviario, donde un hombre roba un beso de una mujer, y entonces corta de nuevo al paseo fantasma tirado cuando el tren sale del túnel. Un mes más adelante, la compañía de Bamforth en Yorkshire hecho una versión recambiada de esta película bajo mismo título, y en este caso ellos filmaron tiros de un tren que entraba en y que dejaba un túnel al lado de las pistas, que ensamblaron antes y después de su versión del beso dentro del compartimiento del tren.

En 1900, la continuidad de la acción a través de tiros sucesivos fue establecida definitivo por George Albert Smith y James Williamson, que también trabajaron en Brighton. En ese año Smith hizo el visto a través del telescopio, en el cual el tiro principal demuestra escena de la calle con un hombre joven que ata el cordón y después que acaricia al pie de su novia, mientras que un viejo hombre observa esto a través de un telescopio. Hay entonces un corte al tiro cercano de las manos en el pie de la muchacha demostrado dentro de una máscara circular negra, y entonces un corte de nuevo a la continuación de la escena original.

Aún más notable es el ataque del de James Williamson contra una estación de la misión de China, hecha alrededor del mismo tiempo en 1900. El primer tiro demuestra la puerta a la estación de la misión del exterior que es atacado y de abierto rota por los rebeldes chinos del boxeador, después hay un corte al jardín de la estación de la misión en donde asientan al misionario y a su familia. Los boxeadores acometen en y después de intercambiar el fuego por el misionario, lo matan, y persiguen a su familia en la casa. Su esposa aparece en el balcón que agita para la ayuda, que viene inmediatamente con un partido armado de marineros británicos que aparecen a través de la puerta a la estación de la misión, este vez visto del interior. Encienden en los boxeadores, y avanzan del marco en el tiro siguiente, que se toma de la dirección opuesta que mira hacia la casa. Esto constituye la primera “historia de la película del ángulo del revés” adentro cortada. La escena continúa con los marineros que rescatan a los miembros restantes de la familia del misionario. Smith más futuro desarrolló las ideas de romper una escena tirada en un lugar en una serie de tiros tomados de diversas posiciones de la cámara durante los pares de años siguientes, comenzando con los pequeños doctores de 1901. En esta película una niña está administrando finge la medicina a un gatito, y Smith corta adentro a un cierre grande encima de del gatito como ella lo hace así pues, y después corta de nuevo al tiro principal. En este caso el cierre insertado para arriba no se demuestra como punto de vista tirado en una máscara circular. Él resumió su trabajo en la desgracia de Mary Jane del de 1903, con repetido corta adentro a un tiro cercano de una criada que engañaba alrededor, junto con superposiciones y otros dispositivos, antes de abandonar film-making para inventar el sistema de Kinemacolor de cinematografía del color.

¡James Williamson concentró en la fabricación de las películas que llevaban la acción a partir de un lugar demostrado en un tiro demostrado después en otro tiro en películas como ladrón de la parada del ! ¡ y fuego del !, hecho en 1901, y muchos otros.

Continuidad de la película desarrollada

Otros cineastas entonces tomaron todas estas ideas, que forman la base de la construcción de la película, o “lengua de la película”, o el “gramática” de la película, como lo sabemos. El más conocido de estos cineastas era el portero de Edwin S., que comenzó a hacer las películas para el Edison Company en 1901. Cuando él comenzó a hacer películas más largas en 1902, él puso una disolución entre cada tiro, apenas como Jorte Méliès hacía ya, y él hizo con frecuencia la misma acción repetir a través de disuelve. Es decir el portero de Edwin no desarrolló los fundamentos de la construcción de la película. La compañía de Pathé en Francia también hizo imitaciones y variaciones de las películas de Smith y de Williamson a partir de 1902 hacia adelante usar cortes entre los tiros, que ayudaron a estandardizar los fundamentos de la construcción de la película.

En 1903 había un aumento substancial en el número de película varios minutos de largo, como resultado del gran renombre el lune del la de los dans de le Voyage del de Jorte de Méliès' (un viaje a la luna), que salió a principios de 1902, aunque tales películas seguían siendo una parte muy de menor importancia de producción. La mayor parte de eran qué vino ser llamada “persecución filma”. ¡Éstos fueron inspirados por el ladrón de la parada del de James Williamson! de 1901, que demostró a vagabundo que robaba una pierna del cordero del muchacho de un carnicero en el primer tiro, después siendo perseguido a través del segundo tiro por el muchacho y los perros clasificados del carnicero, y finalmente siendo cogido por los perros en el tercer tiro.

Varias películas inglesas hechas por la mitad primer de 1903 ampliaron el método de la persecución de construcción de la película. Éstos incluyeron el un modo del la del à de la fuga y el el carterista: Una persecución a través de Londres, hecho por Alf Collins para la rama británica de la compañía francesa de Gaumont, el robo con allanamiento de morada atrevido de la luz del día del, hecho por la Sheffield Photographic Company, y la rina que escalfaba desesperada del, hecha por la familia de Haggar, cuyo negocio principal exhibía las películas hizo por otras en su teatro de la tienda que viajaba. Todas estas películas, y otras de la naturaleza semejante fueron demostradas de hecho en los Estados Unidos, y algunos ellos fueron vistos ciertamente por Edwin Porter, antes de que él hizo el gran robo del tren hacia el final del año. La continuidad del tiempo en el gran robo del tren es realmente más confusa que ésa en las películas que fue modelada encendido, pero sin embargo era un mayor éxito que ellas por todo el mundo, debido a su violencia del oeste salvaje . A partir de 1900, las películas de la compañía de Pathé también copiaron y variaron con frecuencia las ideas de los cineastas británicos, sin la fabricación de ningunas innovaciones importantes en la construcción narrativa de la película, pero eventual el volumen escarpado de su producción llevada a sus cineastas que daban una otros precisión y pulimento a los detalles de la continuidad de la película.

Historia de la película a partir de 1906 a 1914

El negocio de película

Antes de 1907 había cerca de 4.000 pequeños cines del “nickelodeon” en los Estados Unidos. Las películas fueron demostradas con el acompañamiento de la música proporcionado por un pianista, aunque podría haber más músicos. Había también muy pocos cines más grandes en algunas de las ciudades más grandes. Inicialmente, la mayoría de películas en los programas era películas de Pathé, pero ésta cambiada bastante rápidamente pues las compañías americanas pusieron para arriba la producción. El programa fue compuesto apenas de algunas películas, y de la demostración durada alrededor 30 minutos. El carrete de la película, de la longitud máxima, que contuvo generalmente una película individual, se convirtió en la unidad estándar de producción y de exposición de la película en este período. El programa fue cambiado dos veces o más una semana, pero subió a cinco cambios de programa a la semana después de uces par de años. Los cines fueron fijados generalmente en los districtos establecidos de la hospitalidad de las ciudades. En otros países del mundo occidental la situación de la exposición de la película era similar. Con el cambio a la exposición del “nickelodeon” había también un cambio, llevado por Pathé en 1907, de vender las películas francamente a alquilarlas con intercambios de la película.

El pleito sobre patentes entre todas las compañías americanas principales del film-making había continuado, y en el final de 1908 decidían a reunir sus patentes y a formar una confianza para utilizarlas para controlar el negocio de película americano. Las compañías tratadas eran Pathé, Edison, Biograph, Vitagraph, Lubin, Selig, Essanay, Kalem, y el Kleine Optical Company, importador importante de películas europeas. La compañía de George Eastman, el único fabricante de acción de película en los Estados Unidos, era también parte de la cosechadora, que fue llamada el Patents cinematográficas Company (MPPC), y de Eastman Kodak acordado para suministrar solamente a los miembros la acción de película. Los impuestos sobre patente para distribuir y proyectar las películas fueron extraídos de todos los distribuidores y expositores. Las empresas productoras que eran parte de la confianza eran los contingentes de producción asignados (dos carretes, es decir películas, una semana para los más grandes, un carrete a la semana para el más pequeño), que fueron supuestos para ser bastantes para llenar los programas de los expositores autorizados. Vitagraph y Edison tenían unidades de producción múltiples, y así que no tenían ya ninguna dificultad el resolver de su contingente, pero en 1908 Biograph perdió a su director de un trabajo. Ofrecieron el trabajo de hacer sus películas al D. Griffith, agente poco importante y el dramaturgo, que tomó el trabajo, y encontrado él tenía un regalo para él. Solamente él hizo todas las películas de Biograph a partir de 1908 a 1910. Esto ascendió a 30 minutos de tiempo de la pantalla a la semana.

Pero el mercado era más grande que los miembros cinematográficos de Patents Company podrían proveer.000 expositores firmaran con el MPPC, cerca de 2.000 otros no hicieron. Una minoría de los intercambios (es decir distribuidores) permanecidos fuera del MPPC, y en 1909 estos intercambios independientes comenzó inmediatamente a financiar las empresas productoras de la nueva película. Antes de 1911 había bastante independiente y películas extranjeras disponibles programar todas las demostraciones de los expositores independientes, y en 1912 las independientes tenían casi mitad del mercado. El MPPC había sido derrotado con eficacia en su plan para controlar los Estados Unidos enteros pone, y la acción anticompetitiva del gobierno, que ahora comenzó solamente contra el MPPC, no era realmente necesaria derrotarlo.

Películas con varias bobinas

Era alrededor 1912 que los agentes en las películas americanas, que hasta este punto habían sido anónimas, comenzaron a recibir crédito de la pantalla, y la manera a la creación de los actores de cine fue abierta. El aspecto de películas de un carrete también ayudó más de largo a este proceso. Tales películas eran extremadamente raras, y restringido casi enteramente para filmar las versiones de la vida de Cristo, que había alcanzado tres carretes en longitud en los primeros años de cine. Fueron demostradas siempre como acontecimiento especial en lugares especiales, y apoyadas por comentario y música vivos. Una adición única a este estilo de la presentación era la historia de la cuadrilla de Kelly, hecha en Australia en 1906. Ésta era una versión del cuatro-carrete de la carrera de este (en Australia) proscrito famoso, y era incomprensible sin la explicación. Películas más con varias bobinas fueron hechas en Europa que en los Estados Unidos después de 1906, porque el MPPC insistió en la elaboración en base de las películas del uno-carrete hasta 1912. Sin embargo, antes de esto, los miembros de algún MPPC consiguieron alrededor de esta restricción de vez en cuando haciendo historias más largas en piezas separadas, y lanzándolas en semanas sucesivas, comenzando con el de Vitagraph la vida de Moses en cinco porciones (y cinco carretes) en el extremo 1909. En otros países esta película fue demostrada derecho a través como un cuadro, e inspiró la creación de otras películas con varias bobinas en Europa.

Pathé-Frères fijó una compañía subsidiaria del nuevo en los Estados Unidos llamados Eclectic en 1913, y en 1914 éste comenzó la producción de características en la planta de Pathé en New Jersey. La compañía francesa del Eclair hacía ya las películas en los Estados Unidos, y su producción de las características crecientes con la transferencia de más cineastas cuando la industria francesa fue cerrada al principio de Primera Guerra Mundial.

Hasta 1913, la mayoría de la producción americana de la película todavía fue realizada alrededor de Nueva York, pero el movimiento a la filmación en California había comenzado cuando Selig, una de las compañías de MPPC, envió una unidad de producción allí en 1909. Otras compañías, independientes y miembros del MPPC, entonces enviados unidades a trabajar allí en el verano para aprovecharse de la sol y del paisaje. Este 3ultimo era importante para la producción de Westerns, que ahora formó un género americano importante de la película. La primera estrella del vaquero era el G. Anderson (“Broncho Billy "), dirigiendo sus propios dramas occidentales para Essanay, pero en la mezcla 1911 de Tom trajo la clase de trajes y la acción del truco usada en el oeste salvaje vivo demuestra a las producciones de la película de Selig, y se convirtió en la estrella más grande del vaquero para las dos décadas próximas.

La mayor parte de las compañías principales hicieron las películas en todos los géneros, pero algunas tenían un interés especial en ciertas clases de películas. Una vez que Selig había tomado la producción en California, utilizaron (bastante) los animales salvajes del parque zoológico que coronel Selig había fijado allí en una serie de aventuras exóticas, con los agentes que eran amenazados o ahorrados por los animales. Essanay se especializó en Westerns que ofrecía el “Broncho Billy” Anderson, y el enviado Kalem Sidney Olcott apagado con un equipo de película y una compañía de agentes a los varios lugares en América y al exterior hacer historias de la película en los lugares reales que fueron supuestas haber sucedido. Kalem también inició a heroína femenina de la acción a partir de 1912, con el Ruth Rolando que desempeñaba papeles starring en su Westerns. Las curiosidades de menor importancia eran algunas de las películas Solax dirigido por Herberto Blaché y su individuo de Alicia de la esposa. Dejaron la rama americana de la compañía de Gaumont en 1912 para fijar a su propia compañía independiente. La característica de distinción de algunas de sus películas era una tentativa deliberada de utilizar resuelto el de teatro-tipo el jugar de la comedia ligera que fue dirigido hacia la audiencia. Esto fue contra la tendencia hacia el alojamiento cinematográfico ya visible en qué fueron llamadas las comedias “cortesas” de otras compañías de la película.

En Francia, Pathé conservó a su posición dominante, todavía seguida por Gaumont, y entonces a otras nuevas compañías que aparecían abastecer al auge de la película. Una compañía de la película con un diverso acercamiento era arte de la película d'. Esto fue fijada al principio de 1908 para hacer las películas de una naturaleza artística seria. Su programa declarado era hacer las películas usar solamente los mejores dramaturgos, artistas y agentes. El primer de éstos era el l' modo de Assassinat du Duc de (el asesinato del Duc de Guise), un tema histórico fijado en la corte Enrique III . Los agentes principales usados esta película Comédie Francaise, e hicieron que una cuenta de acompañamiento especial fuera escrita por el Santo-Saens de Camilo. El otro los comandantes franceses juego seguido esta onda, y dio lugar a la descripción de lengua inglesa de películas con pretensiones artísticas tuvo como objetivo a audiencia sofisticada como el “arte filma” . Antes de 1910, las compañías de la película del francés comenzaban a hacer las películas mientras dos, o aún tres carretes, aunque la mayoría siguieran siendo un carrete de largo. Esta tendencia fue seguida en Italia, Dinamarca, y Suecia. Aunque la industria británica continuara ampliándose después de su principio brillante, las nuevas compañías que substituyeron a primeros cineastas innovadores probaron incapaz de preservar su impulsión y originalidad.

Países productores de la nueva película

Con el auge mundial de la película, con todo más países ahora ensambló Gran Bretaña, Francia, y los Estados Unidos en la producción seria de la película. En Italia, la producción fue extendida por varios centros, con Turín siendo el la primera y más grande. Allí, Ambrosio era la primera compañía en el campo en 1905, y seguía siendo el más grande en el país con este período. Su rival más substancial era Cines en Roma, que comenzó a producir en 1906. La gran fuerza de la industria italiana era epopeyas históricas, con los moldes grandes y el paisaje masivo. ¿Desde 1911, el la Caduta di Troia (la caída de Troy) dos-carrete de de Juan Pastrone hecho una impresión grande mundial, y le fue seguido por incluso gafas más grandes como el Quo Vadis? (1912), que funcionó por 90 minutos, y Cabiria de Pastrone de 1914, que funcionó para dos y las medias horas.

Las compañías italianas también tenían una línea fuerte en comedia slapstick, con los agentes como el hecho de André, conocido localmente como “Cretinetti”, y a otra parte como “Foolshead” y “Gribouille”, alcanzando fama mundial con sus mordazas casi surrealistas.

El país película-que producía más importante de Northern Europe para arriba hasta la primera guerra mundial era Dinamarca. A Olsen viejo, showman fijó allí en 1906 del parque de atracciones, y después de que un breve período que imitaba los éxitos de cineastas franceses y británicos, en 1907 él produjera 67 películas, fue dirigida más a la compañía de Nordisk por Viggo Larsen, con los temas sensacionales como el hvide Slavinde (el esclavo blanco) de la guarida del, el Isbjørnenjagt (caza) del oso polar y el Løvejagten (la caza) del león . Por 1910 nuevas compañías danesas más pequeñas comenzó a ensamblar el negocio, y además de hacer más películas sobre el comercio auxiliar blanco, contribuyeron otros nuevos temas. El más importante de estos hallazgos era Asta Nielsen en el Afgrunden (el abismo), dirigió por el Gad urbano para Kosmorama, éste combinó el circo, el sexo, los celos y el asesinato, todo puesto encima con la gran convicción, y empujó a los otros cineastas daneses más lejos en esta dirección. Por 1912 las compañías de la película del danés se multiplicaban como conejos. La industria del cine sueca era más pequeña y más lento conseguir comenzó que la industria danesa. Aquí, el hombre importante era Charles Magnusson, cameraman de la película de actualidades para la cadena del cine de Svenskabiografteatern. Él comenzó la producción de la película de ficción para ellos en 1909, dirigiendo un número de las películas mismas. La producción aumentó de 1912, cuando la compañía dedicó el vencedor Sjöström y el Mauritz un más inmóvil como directores. Comenzaron imitando a los temas favorecidos por la industria del cine danesa, pero por 1913 producían sus los propios llamativo el trabajo original, que vendió muy bien. Rusia comenzó su industria del cine en 1908 con Pathé que tiraba algunos temas de la ficción allí, y entonces la creación de las compañías rusas verdaderas de la película de Aleksandr Drankov y Aleksandr Khanzhonkov . Seguía habiendo la compañía de Khanzhonkov hizo rápidamente mucha la compañía rusa más grande de la película, y tan hasta 1918. En Alemania, el Oskar Messter había estado implicado en film-making a partir de 1896, pero no hizo un número significativo de películas por año hasta 1910. Cuando el auge mundial de la película comenzó, él, y la poca otra gente en el negocio de película alemán, continuo para vender las impresiones de sus propias películas francamente, que las pusieron en desventaja. Era solamente cuando Paul Davidson, el dueño de una cadena de cines, traída Asta Nielsen y Gad urbano a Alemania de Dinamarca en 1911, y fijada una compañía de la producción, Projektions-AG “unión” (PAGU), para ellos, que un cambio al alquiler imprime comenzó. Messter contestó con una serie de películas más largas starring Henny Porten, pero aunque éstos hicieran bien en el mundo de habla alemana, no eran particularmente acertados internacionalmente, desemejante de las películas de Asta Nielsen. Otros de los productores cinematográficos alemanes growing momentos antes de la Primera Guerra Mundial eran la rama alemana de la compañía francesa del Eclair, Eclair de Deutsche. Esto fue expropriada por el gobierno alemán, y dada vuelta en DECLA cuando la guerra comenzó. Pero en conjunto, los productores alemanes tenían solamente una parte de menor importancia del mercado alemán en 1914. Totales, a partir de cerca de 1910, las películas americanas tenían la parte más grande del mercado en todos los países europeos excepto Francia, e incluso hacia adentro Francia, las películas americanas acababan de empujar la producción local fuera del primer lugar en la víspera de la Primera Guerra Mundial. Tan incluso si no había sucedido la guerra, las películas americanas tendrían mundial dominante convertida. Aunque la guerra hiciera cosas peores para los productores europeos, era las calidades técnicas de las películas americanas que las hicieron más atractivas a las audiencias por todas partes.

Técnica de la película

Con la producción creciente requerida por el auge del nickelodeon, la iluminación artificial adicional fue utilizada cada vez más en los estudios cinematográficos para complementar luz del sol difusa, y así que aumentar las horas que la película se podría tirar durante el día. Las fuentes principales usadas eran las luces de arco modificadas hechas para el alumbrado público. Éstos fueron colgados en los listones suspendieron adelante de los agentes de la azotea, o montaron en grupos en floorstands. La adición de un reflector del metal alrededor de la fuente del arco dirigió un barrido muy amplio de la luz en la dirección deseada. Las luces grandes del tubo de vapor de mercurio (Fabricante de vinos-Hewitts) también fueron utilizadas en los estantes colocados de la misma manera. Las luces de arco habían sido utilizadas para producir efectos luminosos especiales en películas como la luz de una lámpara o de una luz de un fuego antes de 1906, pero ésta llegó a ser más común ahora.

Un uso expresivo fuerte de un efecto de fuego ocurre en de D. Griffith la reforma (1909) del borrachín. Aquí, el borrachín reformado se junta feliz con su familia antes del fuego en el hogar, en una disposición que reproduce eso al principio de la película en la cual el fuego está hacia fuera, y el hogar es frío, y la familia es indigente.

La iluminación discreta (es decir la iluminación en la cual la mayor parte de el marco es oscuro) comenzó lentamente a ser utilizada para las escenas siniestras, pero no en películas de D. La novela de suspense de Vitagraph, que el misterio de la corte (1910) del templo tiene la iluminación discreta para una escena del asesinato, y su conciencia (1912) del demuestra la iluminación discreta hecha solamente con la luz artificial para una escena del terror.

Esta clase de iluminación aparecía de vez en cuando en películas europeas antes de 1911, y era en algunos casos mucho más futura empujado. ¿La iluminación de un ángulo bajo fue utilizada más fuerte en el épico italiano Quo Vadis de la película? en 1912, y entonces en el famoso Cabiria (1914) para reforzar la atmósfera extraña en una escena.

Los efectos de la silueta en escenas de la localización comenzaron a aparecer en 1909 en los Estados Unidos e Italia; sin embargo como las cosas se convirtieron, los cineastas europeos hechos más uso de esto que los americanos hicieron.

El aspecto más importante de esto era que tales tiros implicaron el tener de la luz del sol la escena de detrás, y este acercamiento fue ampliado usando la luz del sol reflejada de una superficie blanca debajo de la cámara para encender para arriba la sombra en las caras de los agentes del frente. Ésta es la una técnica nueva que D. Griffith y su Billy Bitzer del cameraman pudo haber inventado realmente. El paso siguiente era transferir esta clase de poner a contraluz sobre la iluminación de agentes en sistemas del estudio. Hasta este punto la iluminación artificial en escenas del estudio había sido puesta siempre el del delantero o lado-delantero, pero en 1912 comenzó a ser algunos casos donde la luz fue puesta sobre los agentes de los reflectores del arco de tiro detrás de ellos y a un lado, para dar una clase de backlighting. No era hasta 1915 que el efecto del backlighting de los agentes por el sol mímico completamente en la iluminación del estudio, usando un proyector de gran alcance del arco que brillaba de antedicho y detrás de establecida sobre los agentes. Éste se convirtió en lentamente un componente estándar de la iluminación del estudio de figuras en películas americanas, pero llevó mucho más de largo el retén encendido con los cameramanes europeos.

La animación se convierte

La técnica de la sola animación del marco fue desarrollada más a fondo en 1907 por el portero de Edwin S. en los osos del peluche y por J. Estuardo Blackton con el trabajo del hizo fácil. En el primer de éstos los osos del juguete fueron hechos para moverse, al parecer en sus los propios, y en el 3ultimo edificio de la película las herramientas fueron hechas para realizar tareas de la construcción sin la intervención humana, usando la animación del marco-por-marco. La técnica llegó a Europa casi inmediatamente, y Segundo de Chomon y otros en Pathé lo tomó más lejos, agregando la animación de la arcilla, en la cual las esculturas fueron deformidas a partir de una cosa en otro marco de la cosa por el marco en la escultura moderne (1908) del, y entonces Pathé hizo el paso siguiente a la animación de las formas de la silueta. También en Francia, la animación dibujada completamente desarrollada de Emilio Cohl en una serie de las películas que comenzaban con el Fantasmagorie (1908), en el cual los seres humanos y los objetos dibujados como esquema calculan entró sin embargo una serie de interacciones y de transformaciones notables. En los Estados Unidos la respuesta era famoso Winsor McCay, que del artista de la historieta de la tira dibujó figuras animated mucho más realistas que pasaban con más liso, un movimiento más naturalista en una serie de las películas que comenzaban con el Winsor McCay de la película, hecho para Vitagraph en 1911. En los próximos años varios otros participaron en este desarrollo de las historietas Animated en los Estados Unidos y a otra parte.

El Cross-cutting entre las acciones paralelas

Mientras que el auge de la película consiguió en curso, los cineastas de Pathé continuaron refinando la continuidad de la acción del tiro al tiro en sus películas. En películas tener gusto del emballé de le Cheval del de Pathé (el caballo) del fugitivo (1907), allí aparecido una nueva característica, que se puede llamar cross-cutting entre las acciones paralelas . En esta película, un hombre de entrega está entrando sobre su negocio dentro de una casa de apartamento mientras que su caballo roba una comida grande de un bolso de la avena fuera de un almacén de la alimentación. La película recorta y remite entre las dos cadenas de la acción cuatro veces antes de que sale el hombre de entrega, y el caballo funciona lejos con él. Más importantemente, a principios del próximo año la unidad de producción de Pathé abajo en el sur de Francia en Niza el castillo francés hecho de le Médecin du del (el médico del castillo), en el cual hay cortes hacia adelante y hacia atrás entre los criminales que amenazan a la esposa y al niño de un doctor, mientras que el doctor mismo conduce a casa para rescatarlos después de ser advertido por el teléfono. Esta película también contiene un corte adentro a un tiro más cercano del doctor mientras que él oye las noticias terribles en el teléfono, que utiliza la nueva idea de conseguir adentro más cercano al agente acentuar la emoción.

En los Estados Unidos, Vitagraph también intentaba cross-cutting para el suspenso en 1907 y 1908 con el la muchacha del molino y el me consigue un Stepladder . Griffith comenzara a dirigir en Biograph en mayo de 1908, él había visto las dos películas de Pathé apenas mencionadas, y un número de películas de Vitagraph también. Pero de Griffith el uso primero de cross-cutting en la hora fatal, hecho en julio de 1908, tiene una historia mucho más fuerte del suspenso servida por esta construcción que ésos en los ejemplos anteriores de Pathé. Desde aquí Griffith desarrolló ciertamente el dispositivo mucho más futuro, gradualmente aumentando el número de alternaciones entre dos, y más adelante tres, los sistemas de escenas paralelas, y también su velocidad. Este uso intensificado fue tomado solamente lentamente por otros cineastas americanos. Tan aunque él no inventara la técnica de cross-cutting, él la desarrolló consciente en un método de gran alcance de construcción de la película. Es también importante para la nota que Griffith describió el cross-cutting indistintamente como la montaña rusa del `' o reducción del `' o retroceso' técnica del `, y que por el último de estos términos él no significó lo que ahora entendemos por un retroceso del `'. El retroceso verdadero del `' también fue desarrollado en este período, pero en absoluto por D. Griffith no inventara ninguna nueva técnicas de la película, él era el mejor director de cine que trabajaba hasta 1913, y éste era porque él hizo un mejor uso dramático y artístico del medio que otros directores. Un aspecto de esto era la estructura que él dio sus películas, con la escena final reflejando la escena de la abertura, según lo en el ejemplo la reforma de un borrachín mencionada ya anteriormente. Muchos otros ejemplos de esto como el doctor de país (1908) se pueden encontrar fácilmente en su trabajo. Pero la cosa más importante Griffith hizo era resuelve gestos naturales significativos y expresivos en períodos intensivos del ensayo con sus agentes, antes de que la película fuera tiro, tal como el marido enfurecido y celoso en la voz del niño (1911) que caminaba alrededor de su oficina chomping en un cigarro y nubes que soplaban del humo fuera de ella a través de los dientes apretados. El uso creciente de Griffith de cross-cutting entre las acciones paralelas le ayudó a conseguir más tiros en sus películas que otros directores, pero él también tenía otro método para hacer esto. Éste era partir una escena que se habría podido jugar en el sitio (o el otro lugar), en dos o más secciones que se movieron al revés y remiten entre los cuartos colindantes o los espacios. El resultado de esto era que las películas de D. Griffith tenían por lo menos dos veces tantos tiros en ellos al igual que los de otros directores americanos. Durante este período, los otros directores aceleraron, pero así que hizo Griffith. Al principio, la técnica de cortar adentro a un tiro más cercano de un agente en una escena no hizo ninguna contribución al aumento en tarifa del corte, porque todavía fue hecha muy raramente, a pesar de el establecimiento como posibilidad en el período anterior. La excepción a esto era un tiro cercano de un objeto, que fue utilizado a veces para hacer claramente exactamente qué una persona hacía. Era solamente hacia 1913 que los cineastas comenzaron a cortar en tiros más cercanos con cualquier regularidad.

Sin embargo, los cineastas americanos consiguieron más cercano al de los agentes en el medio tirando la escena entera con la cámara más de cerca que previamente. La compañía de Vitagraph llevó la manera aquí, usando lo que ella llamó “la línea del nueve-pie” del 1910 hacia adelante. Esto significó que los agentes jugaron una escena hasta una línea marcada en los nueve pies de tierra de la lente de cámara, que significó que ella fue demostrada cortada en la cintura en la imagen. Algunos, pero no todos, los cineastas americanos siguieron su ejemplo, llamándolo el “primero plano americano”, mientras que los cineastas europeos permanecían con el “primero plano francés” establecido por el Pathé cerca de 1907, que cortó solamente a agentes en las espinillas. Esto correspondió a los agentes que jugaban hasta una línea puso 4 metros en el suelo delante de la lente de cámara.

Tiros del punto de vista

Un desarrollo aún más importante era en el uso del tiro del punto de vista. Previamente, éstos habían sido utilizados solamente para transportar la idea de lo que veía alguien en la película a través el telescopio (o la otra abertura), y esto fue indicada teniendo una máscara o una ilustración circular negra dentro del marco de película. El tiro verdadero (POV) del punto de vista, en el cual un tiro alguien que mira algo es seguido por un corte a un tiro tomado de su posición sin ninguna máscara, duró para aparecer. En 1910, en el de Vitagraph de nuevo a la naturaleza vemos una posibilidad muy remota de la gente que mira abajo sobre el carril de una nave tomada de debajo, seguido por un tiro del bote salvavidas que están pareciendo tomados de su posición.

Sin embargo, un intertitle explicativo presentan a los cineastas de Vitagraph continuos para ser un poco inquieto con el dispositivo, como tiro verdadero del POV, “qué vieron en la casa a través de la corte” en el Jean de Larry Trimble y el niño abandonado, hecho a finales de 1910. Pero algunos meses más adelante, Trimble hizo los rescates, otro de Jean del de la serie popular starring las hazañas ficticias de su collie de frontera, que tiene tiros del POV introducidos en un punto apropiado sin la explicación. Después de esto, los tiros de la O.U-vignetted POV comenzaron a aparecer bastante con frecuencia en las películas de Vitagraph, y también de vez en cuando en películas de otras compañías americanas. Griffith los utilizó solamente en una situación de teatro, para demostrar lo que miraba la audiencia en un teatro, al igual que los cineastas europeos.

corte del Reverso-ángulo

Otro desarrollo importante estaba en el uso de los tiros reversos del ángulo; es decir, continuando una escena con un corte a un tiro de medidas tomadas de la dirección opuesta. Había ejemplos aislados de esto muy temprano, y el primer de éstos, ataque del de Williamson contra una misión (1900) de China se ha mencionado ya. Pero en 1908, comenzando con el l' modo de Assassinat du duc de (el asesinato del Duc de Guise) del, comenzó a ser otras películas en las cuales una escena fue demostrada de otra dirección cortando al lado opuesto. Este efecto fue imitado de vez en cuando en Europa y los Estados Unidos durante los pares de años siguientes, y vino ser llamado una “escena reversa”.

El paso siguiente, en el cual demuestran dos agentes que se hacen frente en tiros cercanos sucesivos de tomado enfrente de direcciones hacia cada uno de ellas, es primer que se considerará a finales de 1911 en el holgazán, hecho por Arturo Mackley para Essanay. Esto es qué se llama “corte” del reverso-ángulo, y se utiliza constantemente en el actual film-making del día. Sin embargo, llevó algunos años el retén encendido con otros cineastas americanos, pero antes de 1913, comenzaba a ocurrir con mayor frecuencia en el trabajo de algunos directores. Esto sucedió enteramente cuando filmaban escenas exteriores, donde no había problema sobre tirar más allá del borde del sistema del estudio. Un ejemplo principal de este uso del cierre en el corte del reverso-ángulo es su lucha pasada (1913), dirigida por Rafael Ince para Vitagraph, en qué una mitad de los cortes está entre un tiro y el ángulo reverso. Sin embargo, esta clase de cosa nunca sucedió en películas de D. Griffith, o en películas europeas.

Construcción del retroceso

Otro dispositivo importante para la construcción de las narrativas de la película es el uso de “retrocesos”, en el sentido que el término está entendido hoy en día. Es decir, teniendo una escena en el presente seguido por una escena en el pasado, y eventual volviendo a las escenas en el presente de la historia. En los días más tempranos de film-making, esto fue hecha solamente como representación de un carácter que soñaba sobre el pasado, como en crimen de la O.U de Histoire película Pathé 1901 la d el' (la historia de un crimen) . La primera película en la cual un carácter recuerda el pasado mientras que es despierto era Napoleon - hombre de Vitagraph del destino de 1909. En esta película, Napoleon está en su palacio después de la batalla de Waterloo que recuerda escenas notables de su última vida. Un título sobrepuesto aparece de identificación del acontecimiento que él está pensando alrededor, y la película después corta derecho a esta escena, y luego de nuevo a Napoleon que piensa de ella. La idea extendida por lentamente los próximos años, y en éstos la acción que enmarca demuestra generalmente un carácter que narra la historia de los últimos acontecimientos a la gente que escucha ella. Esto sucede en d de Luis Maggi oro de Nozze el' (boda de oro) de 1911, y entre otras películas en el de la compañía de Edison el traseúnte de 1912. Esta película introduce cuál era convertirse en una manera estándar de conseguir en un retroceso. Como la persona contar la historia de su pasado comienza a hablar, las pistas de la cámara adentro con su cara, después hay una disolución a su cara más joven y las pistas de la cámara de nuevo a revelan la escena en el pasado. Hay muchos ejemplos de los retrocesos de la memoria del solo tiro antes de 1913, mientras que una memoria demostrada en una serie extendida de tiros es mucho más rara. Hay incluso un ejemplo de un retroceso dentro de un retroceso en apenas una muñeca lamentable, hecho por la compañía de Thanhouser en 1913.

La representación de alucinaciones de la droga en películas era unidireccional que los efectos subjetivos fueron desarrollados. El contre criminal principal Nick de Zigomar del de la novela de suspense de Victorin Jasset que Carretero (Zigomar contra Nick Carretero) (1912) contiene una secuencia en una guarida de opio, y la visión narcotizada de uno de los clientes se representa como serie de superposiciones sobrepuestos sobre la escena principal, que se acumulan eventual en un sistema de imágenes múltiples dentro del un marco. Hay un desarrollo de esta idea el próximo año en el Tigris (1913) de la compañía de Itala. Mientras que el efecto de las tomas de la droga se sostiene, esto es representada inclinando el marco de lado, después sobreponiendo una serie de descoloramiento de imágenes desunido y disolviendo adentro y hacia fuera en un fondo modelado.

El simbolismo y el insertan los tiros

En este período la palabra “arte” fue mencionada cada vez más con respecto a películas, y como resultado de las ambiciones artísticas cada vez mayores de cineastas, los poemas comenzaron a ser transportados directo a las películas. Griffith fue más lejos que esto, creando el equivalente visual del bordón poético o musical en la manera del mundo (1910), cortando en tiros de las campanas de iglesia en los intervalos abajo de la longitud de la película. Sin embargo, esto era un caso excepcional, y no es hasta 1912 que había las primeras muestras del uso expresivo especial de los tiros del parte movible; es decir, tiros de objetos algo que gente. En Ambrosio italiano las compañías filman el planta del mala del La del (la planta malvada), dirigido por el Mario Caserini, que implica un caso del envenenamiento, hay un parte movible tirado de una serpiente slithering sobre la planta malvada del `'. Otros de los ejemplos todavía muy raros en esta fecha son en el de Griffith la masacre, que fue hecha a finales de 1912. Esto incluye un tiro del parte movible de una vela en la cabecera de un hombre enfermo guttering hacia fuera para indicar su muerte. Otro más está en la versión de la compañía de Ambrosio de los di Pompeya (los días pasados de Pompeii) (1913) del giorni del ultimi de Gli del . Esta película incluye una escena, precedida por el título “las espinas de los celos”, en las cuales una mujer rechazada oye por casualidad a hombre que ella ama con otra mujer, y esto es seguida por un descoloramiento a un tiro de un par de palomas, que entonces disuelve en un tiro de un ave rapaz.

Era en 1914 que D. Griffith comenzó a doblar el uso del parte movible hacia verdadero dramáticamente extremos expresivos, pero él no había hecho esto a menudo, y es realmente solamente con su la conciencia que se venga de 1914 que una nueva fase en el uso del tiro del parte movible comience. En esta película el intertitle “el nacimiento del pensamiento malvado” precede una serie de tres tiros del protagonista que mira una araña, y las hormigas que comen un insecto, aunque en un punto posterior en la película, cuando él se prepara para matar a alguien, estos tiros se cortan derecho adentro sin la explicación. Tan bien como los partes movibles simbólicos mencionados ya, el la conciencia que se vengaba también hizo uso extenso de una gran cantidad cierre grande encima de tiros de agarrar las manos y de golpear ligeramente pies como medio para acentuar a esas partes del cuerpo como indicadores de la tensión psicologica. Griffith nunca entró hasta ahora en esta dirección otra vez, pero su uso del tiro del parte movible hizo su impresión verdadera en otros cineastas americanos durante los años 1915-1919.

Arte de la película

El aumento extenso en la producción de la película después de 1906 escritores inevitable traídos del especialista en film-making como parte de la subdivisión cada vez mayor del trabajo, pero sin embargo las compañías de la película todavía tuvo que comprar historias de forasteros para conseguir bastante material para sus producciones. Esto introdujo una mayor variedad en los tipos de historia usados en películas. El uso de historias más complejas derivó de literario y los trabajos de la etapa del pasado reciente también contribuyeron a los progresos en la construcción de la película de la escritura. La tendencia americana general era simplificar los diagramas prestados de las novelas y de los juegos de modo que pudieran ser ocupados de adentro un carrete y del mínimo de titular y del máximo de la continuidad narrativa directa, pero había excepciones a esto. En estos casos la información que era difícil de filmar y la falta en interés dramático fuerte fue puesta en títulos narrativos antes de cada escena, y éste era también sobre todo la aduana en películas europeas de la clase más seriamente prevista. Las películas fueron clasificadas en los géneros por la industria del cine que seguía las divisiones establecidas ya en otros medios, particularmente la etapa. La división principal estaba en comedia y drama, pero estas categorías fueron subdivididas más a fondo. La comedia podría ser o bufonada (designada generalmente “farsa burlesca "), o alternativo “la comedia cortesa”, que vino más adelante ser referida como “comedia doméstica” o “comedia sofisticada”. Griffith hizo una pequeña cantidad de el 3ultimo tipo de la película en sus primeros dos años en Biograph, pero tenía poco interés o aptitud para el género. A partir de 1910 él dejó el Frank Powell, y entonces Mack Sennett dirige las comedias de Biograph. Sennett se fue en 1912 para fijar a la compañía trapezoidal, donde él podría dar su entusiasmo para el estilo slapstick de la comedia derivado de las comedias anteriores de Pathé como reinado completo del emballé de le Cheval del (el caballo) del fugitivo . En Europa el tipo refrenado de comedia fue desarrollado en cantidades substanciales en Francia, con las películas Linder máximo para Pathé que representaba la cumbre del género del 1910 hacia adelante. La comedia de Linder fue fijada en un entorno superior de la clase media, y confiada en maneras listas e inventivas de conseguir alrededor de las vergulenzas y de los obstáculos que se presentaban en su búsqueda única de una meta. Absolutamente a menudo una meta de una naturaleza sexual. Griffith tenía una influencia importante en la simplificación de las historias de la película. Después de que él hubiera estado en Biograph por un año, Griffith comenzó a hacer algunas películas que tenían mucho menos contenido de la historia que cualquier película anterior del uno-carrete. En el doctor de país, la acción está no más que varia gente, incluyendo el doctor, apresurándose al revés y remite entre la casa del doctor, donde está enfermo su niño, y una cabaña vecina, donde está también enfermo otro niño. Antes de 1912 y 1913, están comenzando a ser muchas películas de muchas compañías americanas que confíen en la aplicación de la decoración nueva a la historia, algo que suministrando cualquier torcedura al drama sí mismo para sostener interés.

Intertitles

Intertitles que contenía líneas de diálogo comenzó a ser utilizado constantemente del 1908 hacia adelante. En ese año, de Vitagraph una heroína auto; o, la raza para la taza de Vitagraph y cómo era ganado, contiene uces par de títulos del diálogo, y el Julio César de la misma firma que incluye tres líneas de diálogo del juego de Shakespeare cotizado en los intertitles antes de que los agentes los hablen, acabando con “esto era el romano más noble de ellos todos”. A partir de 1909 una pequeña cantidad de películas del americano, e incluso de uno o dos europeos unos, vinieron incluir algunos títulos del diálogo, o “títulos hablados” mientras que fueron llamadas en ese entonces. Los cineastas progresaron lentamente de poner estos títulos del diálogo antes de que la escena en la cual les hablaron, al corte ella en el centro del tiro en el punto en el cual los entendían para ser hablados realmente por los carácteres. Esta transición comenzó en 1912. Una vez que es en curso, la tendencia fue ayudada por el movimiento hacia el uso cada vez mayor de cortes dentro de escenas en películas americanas. En 1913 una proporción substancial de los títulos del diálogo que fueron utilizados en películas americanas fue cortada adentro en el punto cuando fueron habladas. Las películas apenas unas de los donde sucedió ésta eran películas de D. Griffith, y muchas de sus 1913 películas todavía no contienen de hecho ningún título del diálogo en absoluto. Aunque algunos cineastas europeos cogieran la tendencia hacia usar títulos del diálogo, no los cogieron en el movimiento hacia el corte en la escena en el punto en el cual les hablaron realmente hasta algunos años más tarde. La introducción de títulos del diálogo estaba lejos de ser una cuestión trivial, porque transformaron enteramente la naturaleza de la narrativa de la película. Cuando los títulos del diálogo vinieron ser cortados siempre en una escena enseguida después que un carácter comienza a hablar, y entonces se fueron con un corte al carácter momentos antes que acaban de hablar, después uno tenía algo que era con eficacia el equivalente de una película actual de sonidos.

Historia de la película a partir de 1914 a 1919

El negocio de película a partir de 1914 a 1919

Los años de la primera guerra mundial eran un período transitorio complejo para la industria del cine. Era el período cuando la exposición de películas cambió de programas cortos de las películas del uno-carrete a demostraciones más largas que consistían en un largometraje de cuatro carretes o más largo, aunque todavía apoyado por los cortometrajes. Los lugares de la exposición también cambiaron de pequeños cines del nickelodeon a cines más grandes que practicaban precios altos más altos. Estos precios altos más altos fueron justificados en parte por los nuevos actores de cine que ahora eran creados. En los Estados Unidos, casi todas las compañías originales de la película que crearon las Patents cinematográficas Company salieron de negocio en este período debido a su resistencia al cambio a los largometrajes largos. La una excepción a esto era la compañía de Vitagraph, que se trasladaba ya encima a las películas largas antes de 1914. El movimiento hacia tirar más películas en la costa oeste alrededor de Los Ángeles continuó durante Primera Guerra Mundial, hasta que el bulto de producción americana fuera realizado allí. El Universal Film Manufacturing Company había sido formado en 1912 como compañía del paraguas para muchas de las empresas productoras independientes, y continuado para crecer durante la guerra. Agruparon a otras compañías independientes debajo de la bandera mutua en 1912, y había también nuevos participantes importantes, particularmente el Jesse Lasky Feature Play Company, y los jugadores famosos, que ambos fueron formados en 1913 para aprovecharse del hecho de que las películas podrían reproducir la sustancia verdadera de un juego de la etapa (más adornos), y así que los mejores juegos y los agentes de la etapa legítima podrían ser tentados en las películas. De hecho, la industria del cine adoptó el término “photoplay” para las películas en este tiempo. En 1914 unieron a la compañía de Lasky y a los jugadores famosos en los Jugadores-Lasky famosos, con la distribución de sus películas manejadas por la nueva corporación de Paramount Pictures.

Otra nueva empresa productora importante formó durante los años de guerra era triángulo, con el Mack Sennett, el D. Griffith y el Thomas Ince que dirigía sus unidades de producción. A pesar de los talentos implicados, duró solamente a partir la 1915 a 1917, después de lo cual sus productores separados llevaron sus películas Paramount para la distribución. Igualmente de breve duración, pero aún muy importante, era el World Film Company, que reclutó la mayor parte de a los directores, a los cameramanes, y a diseñadores franceses que habían estado trabajando previamente en los estudios de la fortaleza Lee, de New Jersey para Pathé y el Eclair.

El éxito más grande de estos años era nacimiento de D. Griffith de una nación (1915), hecho para el triángulo. Griffith aplicó todas las ideas para el estacionamiento de la película que él había resuelto en sus películas de Biograph a la opinión épica de un habitante del sur blanco fanático de la guerra civil y de sus consecuencias. A pesar de protestas en las ciudades norteñas de los Estados Unidos organizados por la asociación nacional para el adelanto de la gente coloreada y otros, tomó muchos millones en la taquilla. Picado por las críticas de su película, Griffith hizo una nueva película que él acababa de acabar, el la madre y la ley, en uno de los filamentos de una película incluso más grande con un tema incluso más grande, la intolerancia (1916).

Producción europea de la película

En Francia, la producción y la exposición de la película cerradas abajo como sus personales se convirtieron en parte de la movilización militar general del país al principio de la guerra. Aunque la producción de la película comenzara otra vez en 1915, estaba en una escala reducida, y las compañías más grandes jubiladas gradualmente de la producción, para concentrar en la distribución de la película y la exposición. Por lo tanto los cines fueron entregados a las películas importadas, particularmente americano unos. Las nuevas empresas pequeñas incorporaron el negocio, y los nuevos directores jovenes llegaron para substituir ésos elaborados o que trabajaban en los Estados Unidos. La persona notable de éstos era más Abel Gance .

Producción italiana de la película soportada durante la guerra, con las características largas establecidas ya como la forma principal. Sin embargo, había un movimiento desastroso en tema a qué fueron llamadas “diva filman”. Estos dramas románticos tenían la estrella de sexo femenino (la “diva ") el sufrir de amor infeliz, y el arte angustiado sin fin destacado Nouveau presenta, mientras que es rodeado por los admiradores y el lujo masculinos. Eran una falta comercial fuera de Italia.

De Dinamarca la compañía de Nordisk aumentó su producción tanto en 1915 y 1916 que no podría vender todas sus películas, que llevaron a una declinación muy aguda en la producción danesa, y el final de la importancia de Dinamarca en la escena de la película del mundo. La cadena de la distribución y del cine de Nordisk en Alemania fue expropriada con eficacia por el gobierno alemán en 1917. La industria sueca no tenía este problema, pues su producción estaba más en equilibrio con el mercado, y más importantemente, la calidad de sus películas ahora era superior a ésas de Dinamarca.

La guerra, aunque con las compañías principales debilitó a la industria del cine alemana seriamente que continuaban como antes. El Projektions-AG “unión” de la organización de la distribución (PAGU) actuaba como una producción del forro de la compañía del paraguas de los productores individuales, y la compañía de Messter también hizo muchas películas. El más importante de los nuevos productores cinematográficos era en ese entonces el Joe mayo, que hizo una serie de las novelas de suspense y de las películas de la aventura con los años de guerra, pero el Ernst Lubitsch también entró en la prominencia con una serie de comedias y de dramas muy acertados.

Debido a el mercado local grande para las películas en Rusia, la industria allí no fue dañada por la guerra al principio, aunque el aislamiento del país llevara muchas películas rusas para desarrollar características peculiar distintivas. La compañía de Khanzhonkov conservó su dominación, pero la compañía de Ermoliev, que había sido formada en 1914, hizo su competidor principal, propulsado por el trabajo de su estrella, Ivan Mosjoukin, y director principal, Yakov Protazanov . La revolución de Bolshevik no eliminó en octubre de 1917 las compañías des propiedad privada de la película al principio, aunque la producción fue reducida con 1918. Era solamente en 1919 que ocurrió el éxodo del talento del país, y la producción de la película de ficción fue reducida prácticamente nada.

Estudios cinematográficos

El cambio principal en métodos de producción de la película en los Estados Unidos durante este período era el cambio a tirar en estudios “oscuros”. Los estudios vidrio-cubiertos existentes fueron ennegrecidos hacia fuera, y los muchos nuevos que eran construidos alrededor de Los Ángeles fueron construidos con las paredes y los techos sólidos. Esto significó que el shooting podría continuar todo el dia y noche, sin la limitación por la luz del sol cambiante. La luz del día difusa general en los estudios viejos fue substituida totalmente por los reflectores, y encendieron a los agentes individualmente con los reflectores en floorstands. El uso de un proyector del colmo en la parte posterior sobre los agentes al rimlight ellos sintió bien cameramanes más frecuentes, y a alrededor 1918 algunos más americanos comenzados para utilizar proyectores para encender a los agentes del frente. Todo el esto significó que las figuras de los agentes fueron modeladas más por la iluminación, y separado más del fondo por los niveles de la luz corta ahora usados en los sistemas. Esto era un paso importante hacia los métodos estándar de la iluminación del estudio del período sano. Al mismo tiempo había el principio de un movimiento hacia usar la luz artificial para encender a los agentes en la localización, y algunos de los estudios más grandes compraron los carros eléctricos del generador con este fin. Todos estos progresos tardaron años para alcanzar Europa.

Foco suave de la irisación y

Un desarrollo técnico muy sensible era la adopción extensa de irisar-en y hacia fuera comenzar y terminar escenas. Ésta es la revelación de una película tirada por su aspecto dentro de una pequeña máscara circular de la ilustración que consiga gradualmente más grande hasta que se amplía más allá del marco, y la imagen entera está en el claro. Griffith, que la utilizó implacablemente, era responsable de la popularización de este dispositivo. Por 1918 el uso del diafragma de comenzar y de las secuencias del final comenzaba a disminuir en los Estados Unidos, aunque en Europa que acaba de comenzar a llegar a ser de moda. En esa fecha es absolutamente fácil encontrar que las películas americanas tales como Stella Maris en el cual se descolora solamente se utilizan. Había otras variantes del diafragma simple también y en éstos la abertura de la máscara o el closing delante de la lente tenía formas con excepción de la circular. Uno del más frecuente de estas formas era la raja de la abertura; una fractura vertical de la central aparece en el marco total negro, y ensancha hasta que el marco entero está claro, revelando la escena que es alrededor comenzar. Eventual diagonalmente la apertura rajada aparecido también, y entonces allí era el diafragma de forma diamantada de la abertura, como en el pequeño Peppina pobre y el Alsacia (1916), algo que el círculo generalmente. Una vez más todas estas formas variables fueron utilizadas muy infrecuentemente, y cuando ocurrieron en películas americanas él estaban generalmente en las etapas introductorias. Por 1918 los bordes de diafragmas circulares ordinarios llegaban a ser muy borrosos cuando fueron utilizados en películas americanas.

El cerco de la imagen dentro de ilustraciones o de máscaras estáticas de formas con excepción de la circular también comenzó a aparecer en películas durante los años 1914-1919, incluyendo formas simbólicas tales como un recorte cruciforme en el Stella Maris (Marshall Neilan, 1918) de la película de Maria Pickford, y Mauricio Elvey en Gran Bretaña puso escenas románticas dentro de una máscara en forma de corazón en el Nelson; La historia del héroe naval inmortal (1918) de Inglaterra y del las rocas de Valpré (1919). Las variantes más elegantes ocurren en algunas películas Ernst Lubitsch hecho en 1919. En morir Austernprinzessin (la princesa) de la ostra que a la capa triple de rectángulos horizontales con los extremos redondeados incluir los sistemas de pies del baile en el pico fren3etico de un foxtrot, y en morir Puppe (la muñeca) una docena las bocas de cotilleo cada uno se incluyen en pequeñas ilustraciones circulares individuales arreglaron en una matriz.

Una nueva idea asumida el control de fotografía inmóvil era el “foco suave ”. Esto comenzó en 1915, con algunos tiros que eran lanzados intencionalmente desenfocado para el efecto expresivo, como en el Fanchon de Maria Pickford el grillo . La idea desarrollada lentamente con los años de guerra, hasta que en de D. Griffith los flores rotos (1918) todos los cierres suban Lillian Gish es difundida pesadamente por el uso de capas de acoplamiento negro fino del algodón puesto delante de la lente. La difusión pesada de la lente también fue utilizada en el resto de tiros que continuaban las partes románticas y sentimentales de la historia de esta película.

Efectos subjetivos

Era durante este período que los efectos de la cámara previstos para transportar las sensaciones subjetivas de carácteres en una película comenzaron realmente a ser establecidos. Éstos se podrían ahora hacer como tiros (POV) del punto de vista, como en Sidney dibujaron el la historia del guante (1915), donde un tiro de mano tembloroso de una puerta y su ojo de la cerradura representa el POV de un hombre borracho. En muchacha rica pobre (1917) del la pequeña una cámara tirada inclinación de lado se piensa para transportar delirio, y por 1918 la idea tuvo a Rusia, en el Baryshnya i (la señora y el gamberro) khuligan, donde el infatuation del gamberro con la señora es transportado por su punto de vista de ella que parte en una imagen sobrepuesta multiplicar. El uso (en el sentido amplio de forma torcida) de imágenes anamorphic primero aparece en estos años con el la Folie du Docteur Tube (la locura del Dr. Tube) del de Abel Gance. En esta película el efecto de una droga administrada a un grupo de personas fue sugerido tirando las escenas reflejadas en un espejo distorting del tipo del parque de atracciones. Tenemos más adelante hasta que las nubes ruedan por (vencedor Fleming, 1919), donde el Anamorphosis se utiliza para representar los efectos de la pesadilla de la indigestión de una manera cómica. De hecho, como tan muchos efectos de la película que tuercen la representación de la realidad, el anamorphosis primero fue utilizado exclusivamente en contextos cómicos.

" Cinema" poético; y simbolismo

Los efectos simbólicos asumidos el control de la tradición literaria y artística convencional continuaron haciendo algunos aspectos en películas durante estos años. Griffith la conciencia que se venga (1914), el título “el nacimiento del pensamiento malvado” precede una serie de tres tiros del protagonista que mira una araña, y las hormigas que comen un insecto, aunque en un punto posterior en la película cuando él se prepara para matar a alguien estos tiros se cortan derecho adentro sin la explicación. Posiblemente como resultado de la influencia de Griffith, 1915 era un año grande para el simbolismo, las alegorías, y las parábolas en el cine americano. Películas que siguen las figuras femeninas invariable incluidas en luz, pañerías escasas de esta ruta, y no usando de hecho a veces nada, haciendo danzas “expresivas” o actitudes plásticas llamativas en ajustes selváticos. Los títulos incluyen a hipócritas, juventud, algún otro del de de Lois Weber de Vitagraph la pureza del, y así sucesivamente. que la trayectoria de primavera comienza con una pintura grande que ilustra el concepto, que disuelve en una reproducción de la misma escena con los agentes presentados, y entonces él viene a la vida. Esto entonces es amplificada por las representaciones más cerca detalladas de la acción viva de estaciones en “la trayectoria de primavera”. Un ejemplo alemán interesante algunos años de más tarde es el opio (1919) del de Roberto Reinert, que tiene algunas innovaciones notables en el uso de los tiros del parte movible de ayudar a transportar la sensación de los ensueños de la droga. Éstos son tiros del paisaje que viajan tomados de un barco que va abajo de un río, y se tiran intencionalmente desenfocado, o underexposed, o corte en la película upside-down.

El arte y la literatura del Symbolist de la vuelta del siglo también tenían un efecto más general en una pequeña cantidad de películas hechas en Italia y Rusia. La aceptación supina de la muerte resultando de la pasión y de anhelos prohibidos era una característica importante de este arte, y los estados del delirio moraron encendido eran largamente importantes también. Los primeros ejemplos rusos eran todos hicieron por el Yevgeni Bauer para Khanzhonkov durante la primera guerra mundial, e incluyen el nochi del Grezy, del vechnoi de Schastye, y el smerti, todo de Posle del a partir de 1915. Éstos viven hasta cierto punto hasta la promesa del estético “decadente” sugerida por sus títulos; Ensueños del, felicidad de la noche eterna, y después de la muerte . El nochi del vechnoi de Schastye del incluye una visión visualmente muy llamativa de a medusa-como el monstruo sobrepuesto en una escena de la nieve de la noche, y el smerti* del *Posle tiene una visión ideal algo más sutil de una muchacha muerta, seleccionada por la iluminación adicional del arco, caminando a través de un campo de maíz wind-blown en la oscuridad. En Italia, otro país aislado algo filmically con la guerra, la misma clase de realización del symbolist decadente del fin-de-siecle estético se puede encontrar, sobre todo en las películas asociadas al fenómeno de la “diva”. El ejemplo más completo, que también tiene decoración a emparejar, es nero del gatto de IL del de Charles Kraus (el gato negro) . Este último es una de las pocas películas de esta clase para utilizar tiros atmosféricos del parte movible para aumentar el humor. La primera película se prepuso explícitamente por su fabricante ser un análogo visual de la poesía, Rose-Francia (1919) de de Marcelo L'Herbier, continúa más lejos a lo largo de estas mismas trayectorias.

Tiros del parte movible

El uso de los tiros del parte movible, es decir cercano sube de objetos con excepción de caras, fue establecido muy temprano, pero aparte de la caja especial de partes movibles de una letra que era leída por uno de los carácteres, fueron utilizados infrecuentemente antes de 1914. Está realmente solamente con su *The que se venga Conscience* de 1914 que una nueva fase en el uso del tiro del parte movible comience. Tan bien como los partes movibles simbólicos mencionados ya, el la conciencia que se vengaba también hizo uso extenso de una gran cantidad cierre grande encima de tiros de agarrar las manos y de golpear ligeramente pies como medio para acentuar a esas partes del cuerpo como indicadores de la tensión psicologica. Griffith nunca entró hasta ahora en esta dirección otra vez, pero su uso del parte movible hizo su impresión verdadera en otros cineastas americanos durante los años 1914-1919. DeMille era una figura prominente en el uso creciente del parte movible, y antes de 1918 él había alcanzado el punto de incluir cerca de 9 partes movibles en cada 100 tiros en el estribillo susurrante . Él también empujó el parte movible en las áreas de la sensualidad visual inaccesibles a D. Griffith, con las imágenes tales como un cierre para arriba de un polluelo plateado del revólver en una pila de cintas atractivas de seda en un cajón en las viejas esposas del para nuevo (1918).

El parte movible atmosférico

Como muchos otros dispositivos que eran más completamente desarrollados en Europa durante la década próxima, qué se podría llamar el “parte movible atmosférico tirado” hecho su primera aparición en películas americanas durante los años antes de 1919. Esta clase de tiro es una en una escena que ni contenga carácteres uces de los en la historia, ni es un punto de vista tirado considerado por uno de ellos. Un ejemplo temprano está en el de Mauricio Tourneur que el orgullo del clan (1917), en que hay series de tiros de las ondas que baten en una orilla rocosa se demuestran que cuando la escena de la historia, que es sobre las vidas ásperas de la gente del pescador, se está introduciendo. Ejemplos más simples y más crudos a partir del mismo año ocurren en de del ciervo de Guillermo S. el rastro estrecho, en el cual un solo tiro de la boca San Francisco Bay tomado contra la luz (la puerta de oro ) es precedido por un título narrativo que explica su función simbólica en la historia. Esta película también contiene un tiro de colinas salvajes y de valles cortados adentro pues los comentarios de un carácter que el país lejos de la ciudad es tan limpio y puro. Por 1918 podemos encontrar un tiro del cielo que es utilizado para reflejar el humor de uno de los carácteres sin la explicación específica en la mujer ( Frank Borzage ) del arma, pero debe ser acentuado que estos ejemplos son muy raros, y después no hizo o, o dentro de los varios años próximos, constituir práctica regular en el cine americano. El ejemplo de Tourneur apenas mencionado también podía colocarse como parte del principio de la “secuencia de los montajes”. Nelson de de Mauricio Elvey - el héroe naval inmortal (1919) de Inglaterra tiene una secuencia simbólica el disolver de un cuadro Kaiser Wilhelm Ii a un pavo real, y entonces a un acorazado. El parte movible atmosférico comenzó su carrera notable en cine europeo del arte en el Rose-Francia de de Marcelo L'Herbier. Aquí entre las aplicaciones intencionalmente “poéticas” de ilustraciones y los filtros y los intertitles literarios, un tiro de la trayectoria vacía pisada una vez por los amantes se utiliza para evocar el pasado.

Cine de la continuidad

Los años 1914-1919 en América también consideraron la consolidación de las formas de cuál era convertirse en el modo dominante de cine comercial: “cine de la continuidad”, o “cine clásico”. Durante este período había otros estilos que eran todavía importantes, y éstos se pueden considerar para mentir a lo largo de un espectro entre los mejores ejemplos del “cine de la continuidad” en un extremo, y en el otro extremo el “cine de la discontinuidad” de D. Hay un número de factores implicados en las discontinuidades visuales fuertes y evidentes entre los tiros sucesivos en las películas de Griffith, y el uso de cross-cutting entre las acciones paralelas es solamente el más obvio de éstos. En 1915, los cortes dentro de la duración de una escena seguían siendo relativamente infrecuentes en sus películas, y cuando ocurren eran con frecuencia de la posibilidad muy remota o de la posibilidad muy remota media (que eran los tiros que él utilizó más) a un cierre grande para arriba de un detalle del parte movible, que ocupó solamente una pequeña parte del bastidor en el tiro anterior. Esto en sí mismo introduce una discontinuidad visual bastante fuerte a través del corte, pero así como ése, el tiro cut-in pudo a menudo tener una máscara circular de la ilustración si era un cierre para arriba de una persona, reforzando tan el efecto. Y a veces el diafragma-hacia fuera ahora-estándar de Griffith y diafragma-en se pudo también dejar en el tiro insertado, aunque tenía continuidad de la acción con los tiros de cualquier lado de él. Tan bien como todo el éste allí era hábito de Griffith de trasladarse la acción a otro tiro en un espacio colindante, y después detrás si estaba en todo posible, que produjo un cambio marcado en fondo, que también hizo otra vez su pequeña contribución a la discontinuidad entre los tiros. Una de las técnicas avanzadas de la continuidad implica la manera exacta que el movimiento de agentes de un tiro en una localización a otra en una localización vecina se maneja. En el mejor de los casos esta clase de transición había sido ocupada previamente de teniendo las direcciones del recorrido del agente en los dos tiros corresponde en la pantalla, pero en una película tal como el sino (Gato Adolfi, 1914), uno del ladrón del banco puede considerar las transiciones del tiro en las cuales un corte se hace de un agente apenas que deja el marco, a un tiro de él bien dentro del marco en una localización colindante, que tienen las posiciones y las direcciones tan bien elegidas que al ojo ocasional su movimiento aparece absolutamente continuo, y los puntos de suspensión verdaderos del espacio y del tiempo entre los tiros se encubren. Otros buenos ejemplos de esta técnica para eliminar varias yardas de espacio inútil y algunos segundos del tiempo inútil se pueden considerar en las películas de Rafael Ince, particularmente la muchacha adecuada (1915), y antes de 1919 que fueron difundidos extensamente en películas americanas, pero no en ésos hizo en Europa. Todo el esto conecta con la subida del uso de cortar con diversos ángulos dentro de una escena durante los años 1914-1919, y particularmente con el desarrollo del corte del reverso-ángulo.

corte del Reverso-ángulo

El cortar a diversos ángulos del dentro de una escena llegó a ser establecido ahora como técnica para disecar una escena en tiros en películas americanas. Este acercamiento tenía aparecido algunas veces en años, pero en cortes generales a o desde un tiro más cercano dentro de una escena todavía eran hechos más o menos abajo del eje de la lente según lo establecido en la posibilidad muy remota de la escena en la pregunta. La forma particular de cortar a diversos ángulos dentro de una escena en la cual los cambios de dirección por más de noventa grados son llamados corte del reverso-ángulo por los cineastas. La figura prominente en el desarrollo completo del corte del reverso-ángulo era Rafael Ince. Las películas que él hizo en Vitagraph en 1915 tal como la muchacha adecuada y su amor fantasma tienen una gran cantidad de reverso-ángulo cortan adentro el interior, así como exterior, las escenas. Otros directores también acaban de comenzar a tomar este estilo en 1915, por ejemplo el ciervo de Guillermo S. en el mán dólar del de Santa Ynez .

En cuanto a Griffith, en nacimiento del de una nación hay apenas ocho tiros del reverso-ángulo de los cortes en la escena en el teatro de Ford, mientras que a otra parte a través de la longitud de la hora two-and-a-half de esta película hay solamente cuatro cortes más verdaderos del reverso-ángulo. Sin embargo, el estilo de Griffith del film-making todavía fue seguido en su idiosincrasia completa, con el uso extenso de espacios side-by-side y de un “frente definido” para la cámara, en la mayoría de la comedia slapstick. Los directores de las películas dramáticas que habían trabajado Griffith también siguieron su estilo bastante de cerca, y lo el estándar para las películas hechas por su sección de las bellas arte de la compañía del triángulo.

Antes de 1916 hay un número de películas en las cuales hay alrededor 15 a 20 cortes verdaderos del reverso-ángulo por cientos transiciones del tiro, tales como el desertor (Scott Sidney) y recto que va. Para el final de la guerra tales películas formaron una parte apreciable pero de menor importancia de producción: e. Borzage, 1918) del arma y Jubilo (Clarence Badger, 1919). Todo este cine europeo apenas en cuestión, donde estaban esos pocos cortes del reverso-ángulo usados sobre todo entre un vigilante y qué él ve desde su punto de vista, ambos siendo filmado en un tiro bastante distante. Sin embargo, después de que el final de la guerra algunos de los directores jovenes más brillantes tales como Lubitsch comenzara a usar algunos los cortes del reverso-ángulo, sobre todo en asociación con el corte del punto de vista.

El retroceso

El uso de las estructuras del retroceso continuas para convertirse en este período, y la manera generalmente de incorporar y de dejar un retroceso estaba con una disolución, y éste era de hecho el uso principal en esta hora para este dispositivo. El de la compañía de Vitagraph el hombre que pudo haber sido (Guillermo Humphrey, 1914), es aún más complejo, con una serie de ensueños y de retrocesos que pongan en contraste el paso verdadero del protagonista con vida con qué pudo haber sido, si su hijo no había muerto. En esta película disuelve se utilizan para incorporar y para dejar los retrocesos, y también los desear-sueños, y también para un Tiempo-lapso dentro de un ensueño en un punto. Pero se descolora también se utilizan para estos propósitos en el y otras películas del período, y las transiciones del retroceso también se hacen con la irisación en otras películas, e incluso cortes rectos. Durante Primera Guerra Mundial el uso de retrocesos ocurrió en películas de todos los países europeos principales del film-making también, de Italia (reale de Tigre del ) a Dinamarca ( Evangeliemandens Liv ) a Rusia ( Grezy y smerti de Posle del ), donde llegó en 1915.

Mientras que los años se movieron en una declinación repentina en el uso del sistema de secuencias largo del retroceso adentro alrededor 1917, pero por una parte el uso de una transición a y desde una breve escena de la memoria del solo tiro seguía siendo absolutamente común en películas americanas. Sin embargo, podría todavía haber una construcción aún más compleja del retroceso en películas americanas en el caso de de W. Van Dyke's la señora del cobertizo (1918). Esta película tiene una historia que sucedió mucho antes de que cuál es narrado por un carácter en la escena que enmarca, y acompañado inicialmente por su diálogo de narración en intertitles, aunque un poco después esto para, y los intertitles después transportar el diálogo que ocurre dentro del retroceso. Dentro de este retroceso principal desarrolla cross-cutting a otra historia, sucediendo al mismo tiempo, y al principio al parecer no relacionado con él, aunque aparece la conexión eventual. Después, dentro de este primer retroceso, la señora del título narra otra historia, presentada en forma del retroceso, pero con los cortes dentro de ella de nuevo a los acontecimientos que ocurren en el marco de tiempo en el cual ella está haciendo su narración. Realmente, todo el esto es bastante fácil de seguir mientras que mira la película, en la parte porque qué sucede en todas estas secuencias de la acción es relativamente simple.

Cross-cutting entre las acciones paralelas

Después de 1914 el cross-cutting entre las acciones paralelas vino ser utilizado siempre que sea apropiado en películas americanas, aunque éste no era el caso en películas europeas. Debe ser observado que mucho el uso americano de cross-cutting no era la alternación rápida entre las cadenas paralelas de la acción desarrolladas por D. Griffith, pero un número limitado de alternaciones para permitir dejar hacia fuera pedacitos sin interés de la acción sin diagrama verdadero funciona. En Europa, algunos de los directores más emprendedores utilizaron cross-cutting a veces, pero nunca lograron la velocidad de los muchos ejemplos americanos de esta técnica.

El Cross-cutting también fue utilizado para conseguir nuevos efectos del contraste, tales como la secuencia del cross-cut en el de Cecil B. DeMille el estribillo susurrante, en el cual un marido supuesto muerto está teniendo un enlace con una prostitute china en una guarida de opio, mientras que su esposa unknowing remarried simultáneamente en iglesia. Todo el éste era simple comparado al de D. Griffith la intolerancia (1916), en la cual cuatro historias paralelas son intercut a través de la longitud entera de la película, aunque en este caso las historias son más similares que poniendo en contraste en su naturaleza. El uso de cross-cutting dentro de estas historias paralelas tan bien como entre ellas produjo una complejidad que estaba más allá de la comprensión de la audiencia media del tiempo. La influencia de la intolerancia del produjo algunas otras películas que combinaron un número de historias similares que tenían temas similares, tales como mujer (1918) del de Mauricio Tourneur, pero la falta de la taquilla de la intolerancia del se aseguró de que éstas películas posteriores tuvieran estructuras más simples.

El desarrollo del arte de la película

La tendencia general en el desarrollo del cine, llevado de los Estados Unidos, estaba hacia usar los dispositivos específicamente cinematográficos desarrollados recientemente para la expresión del contenido narrativo de las historias de la película, y combinar esto con las estructuras dramáticas estándar ya funcionando en teatro comercial. Griffith tenía la situación más alta entre directores americanos en la industria, básicamente debido a el entusiasmo dramático que él consiguió en sus películas. Pero había otros que también eran consideradas como figuras importantes en ese entonces. El primer de éstos era el Cecil B. DeMille, cuyas películas, tales como el tramposo (1915), pusieron en evidencia los dilemas morales que hacían frente a sus carácteres de una manera más sutil que Griffith. DeMille era también adentro un tacto más cercano con la realidad de la vida americana contemporánea. El Mauricio Tourneur también fue alineado alto para las bellezas ilustradas de sus películas, junto con la delicadeza de su dirección de la fantasía, mientras que al mismo tiempo él era capaz de conseguir el mayor naturalismo de sus agentes en los momentos apropiados, como en la locura (1917) de una muchacha. El Sidney dibujó era el líder en “comedia cortesa que se convertía”, mientras que la bufonada fue refinada por el Arbuckle graso y el Charles Chaplin, que ambas comenzaron con la compañía de la piedra angular de de Mack Sennet. Redujeron el paso frenético generalmente de las películas de Sennett para dar a la audiencia una oportunidad de apreciar la delicadeza y la delicadeza de su movimiento, y la inteligencia de sus mordazas. Antes de 1917 Chaplin también introducía un diagrama más dramático en sus películas, y mezclaba la comedia con el sentimiento.

En Rusia, el Evgeni Bauer puso una intensidad lenta de la actuación combinada con insinuaciones del Symbolist sobre la película de una manera única.

En Suecia, el vencedor Sjöström hizo una serie de las películas que combinaron las realidades de las vidas de la gente con sus alrededores de una manera llamativa, mientras que una comedia sofisticada desarrollada más inmóvil de Mauritz a un nuevo nivel.

En Alemania, el Ernst Lubitsch consiguió su inspiración del trabajo de la etapa Reinhardt máximo, en comedia burguesa y en espectáculo, y aplicó esto a sus películas, culminando en su muere Puppe (la muñeca), muere Austernprinzessin (la princesa) de la ostra y señora Dubarry del .

Hollywood triunfante

Hasta este punto, los cines Francia y Italia habían sido el los lo más global posible populares y de gran alcance. Pero el Estados Unidos ganaba ya rápidamente cuando la Primera Guerra Mundial (1914-1918) causó una interrupción devastadora en las industrias del cine europeas. La industria americana, o " Hollywood, " mientras que se sabía después de su nuevo centro geográfico en el California, ganó la posición que ha llevado a cabo, más o menos, desde que: fábrica de la película para el mundo, exportando su producto a la mayoría de los países en la tierra y controlando el mercado en muchos de ellos.

Por los años 20, los E. alcanzaron cuáles siguen siendo su era de la salida más grande-nunca, produciendo un promedio de la característica de 800 filman anualmente, o el 82% del total global (Eyman, 1997). Las comedias Charlie Chaplin y Buster Keaton, las aventuras bravuconas Douglas Fairbanks y los romances Clara arquean, para citar apenas algunos ejemplos, hicieron caras a estos ejecutantes las' bien conocidos en cada continente. La norma visual occidental que se convirtió en continuidad clásica que corrige fue convertida y exportó - aunque su adopción fuera más lenta en algunos países no occidentales sin tradiciones fuertes del realista en arte y drama, tal como Japón .

Este desarrollo era contemporáneo con el crecimiento del sistema del estudio y de su método más grande de la publicidad, el sistema de la estrella, que caracterizó la película americana por décadas para venir y con tal que los modelos para otras industrias cinematográficas. Los estudios' eficientes, control de arriba hacia abajo sobre todas las etapas de su producto permitieron un nuevo y cada vez mayor nivel de producción pródigo y de sofisticación técnica. Al mismo tiempo, la reglamentación del sistema y el foco comerciales en el Escapism atractivo desalentaron el atrevimiento y ambición más allá de cierto grado, un ejemplo típico que era la carrera de dirección breve pero aún legendaria iconoclasta Erich von Stroheim en las últimas adolescencias y el `20s.

Película del mundo en el pico de los silents

Pero incluso ahora, la dominación de la hospitalidad de corriente de Hollywood no era tan fuerte como sería, y las alternativas eran todavía consideradas extensamente e influyentes.

En 1915, después de que una interdicción fuera terminada en las importaciones extranjeras en el Francia el precio temprano de Hollywood inspiró el nacimiento del vanguardismo cinemático . Un grupo de cineastas comenzó a experimentar con efectos ópticos e ilustrados así como corregir rítmico. La tendencia se conocía como cine impresionista francés .

El Alemania era el competidor más fuerte de América. Su contribución más distintiva era los mundos oscuros, alucinantes del expresionismo alemán, que avanzaron la energía de la presentación anti-realista de poner al estado de ánimo interno en pantalla, tan bien como fuerte influenciada el género emergente del horror .

El cine soviético recién nacido era el lo más radical posible innovador. Allí, el arte de corregir, especialmente, se aflojó adelante, yendo más allá de su papel anterior en el avance de una historia. El Sergei Eisenstein perfeccionó la técnica supuesto dialéctica o los montajes intelectuales, que se esforzaron hacer no linear, coincidiendo a menudo violentamente, imágenes expresan ideas y provocan reacciones emocionales e intelectuales en el espectador.

Mientras tanto, la película silenciosa de la primera característica-longitud fue hecha en el la India por el Dadasaheb Phalke, considerado ser el padre del cine indio . La película era el Raja Harishchandra (1913) del del pedazo de período, y puso la fundación para una serie de películas de época. Por la década próxima la salida del cine indio era un promedio de 27 películas por año.

Los gardes culturales de Avant de un número de países trabajaron con los cortocircuitos de las películas experimentales sobre todo, esa narrativa linear totalmente lo más famoso posible abandonada y abstracción abrazada, el esteticismo puro y el subconsciente irracional, en las primeras obras surrealista Luis Buñuel español . En cierto modo, de hecho, esta década marcó la primera fractura seria entre la corriente principal, " popular" " de la película y; art" película .

Pero incluso dentro de la corriente principal, el refinamiento era rapid, trayendo la película silenciosa a qué resultaría ser su cumbre estética. Las posibilidades de la cinematografía guardada el aumentar como cámaras se convirtieron en una acción más móvil (los gracias a los nuevos auges y carros ) y de película más sensible y versátil. El de actuación de la pantalla se convirtió en más de un arte, sin su exageración de teatro anterior y la realización de la mayor delicadeza y del realismo psicologico . Mientras que la elocuencia visual aumentó, la confianza en intertitles disminuyó; la película ocasional, tal como de s de Murnau F. ' la risa pasada (Alemania, 1926) incluso lo evitó en conjunto. Paradójico, aproximadamente este vez, el período del cine silencioso terminó.

La era sana

La experimentación con tecnología de la película de sonidos, para la grabación y el aparato de lectura, era virtualmente constante a través de la era silenciosa, pero los problemas gemelos de la sincronización exacta y de la suficiente amplificación habían sido difíciles de superar (Eyman, 1997). En 1926, el Warner Bros. del estudio de Hollywood introdujo el " Vitaphone " el sistema, produciendo los cortometrajes de los actos de la hospitalidad viva y de las figuras públicas y agregando el registró efectos sanos de y cuentas de orquesta a algunas de sus características importantes. Durante finales de 1927, Warners lanzó el el cantante del jazz, que era sobre todo silencioso pero contuvo el primer diálogo sincronizado (y el canto) en un largometraje. Era un gran éxito, al igual que cartas recordativas como el de Warners las luces de Nueva York (1928), la primera característica del todo-sincronizar-sonido. Los procesos tempranos del Sonido-en-disco tales como Vitaphone pronto fueron reemplazados por métodos de la Sonido-en-película como el Movietone del Fox, DeForest el Phonofilm, y el fotófono del RCA. La tendencia convenció a industriales en gran parte renuentes que " pictures" que habla;, o " películas habladas, " era el futuro.

Impacto de la industria del sonido

El cambio era notable rápido. Antes de fin de 1929, Hollywood casi era todo-película hablada, con varios sistemas de sonido competentes (pronto ser estandardizado). El cambio total era levemente más lento en el resto del mundo, principalmente por razones económicas. Las razones culturales eran también un factor en países como el China y Japón, en donde los silents coexistieron con éxito con el sonido bien en los años 30, produciendo de hecho cuál sería algunas de las obras clásicas veneradas de esos países, como el Wu Yonggang ' de s la diosa (China, 1934) y de s de Ozu Yasujiro 'nací, pero… (Japón, 1932). Pero incluso en Japón, una figura tal como el benshi, el narrador vivo del que era mayores partes del cine silencioso japonés, encontró que su carrera temporaria terminaba.

El sonido más futuro apretó el apretón de estudios importantes en países numerosos: el costo extenso de la transición abrumó a competidores más pequeños, mientras que la novedad del sonido engañó a público sumamente más mucho para esos productores que permanecían., algunos historiadores acreditan el sonido con el ahorro del sistema del estudio de Hollywood frente a la Gran Depresión (Parkinson, 1995). Así comenzó qué ahora a menudo se llama " La época dorada de Hollywood, " cuál se refiere áspero al principio del período con la introducción de sonido hasta el finales de los 40. El cine americano alcanzó su pico del encanto eficientemente manufacturado y de la súplica global durante este período. Ahora piensan a los agentes superiores de la era en como las estrellas de cine clásicas, tales como Clark Gable, Katharine Hepburn, Humphrey Bogart y el drenaje más grande de los años 30, templo de la taquilla de Shirley del ejecutante del niño.

Impacto creativo del sonido

Creativo, sin embargo, la transición rápida era difícil, y en cierto modo, filmar invertido breve a las condiciones de sus días más tempranos. Los últimos años 20 eran llenos de parásitos atmosféricos, películas habladas del stagey pues los artistas delante y detrás de la cámara lucharon con las limitaciones rigurosas del equipo sano temprano y de su propia incertidumbre en cuanto a cómo utilizar el nuevo medio. Muchos efectúan a ejecutantes, directores y presentaron a los escritores al cine mientras que los productores buscaron a personales experimentados en narración diálogo-basada. Muchos cineastas y agentes silenciosos importantes no podían ajustar y encontrar sus carreras acortó o aún terminó seriamente.

Este período torpe era bastante de breve duración. 1929 era un año de la línea divisoria de las aguas: El Guillermo Wellman con las noches de Chinatown del y el el hombre I aman, Rouben Mamoulian con el aplauso, Alfred Hitchcock del con el chantaje (característica del primer sonido de Gran Bretaña), estaban entre los directores para traer mayor fluidez a las películas habladas y el experimento con el uso expresivo del sonido (Eyman, 1997). En esto, ellos ambos beneficiados de, y avances posteriores, técnicos empujados en micrófonos y cámaras, y capacidades para corregir y poste-sincronizar el sonido (algo que registrando todo el sonido directo a la hora de la película).

Las películas de sonidos acentuaron y beneficiaron a diversos géneros más así que que lo hicieron los silents. Lo más obviamente posible, la película musical nació; el primer musical de Hollywood del clásico-estilo era la melodía (1929) de Broadway y la forma encontraría a su primer creador del comandante en la birretina Berkeley (calle, 1933, damas, 1934 del coreógrafo /director 42. En Francia, el vanguardista René Clair del director hecho uso surrealista de la canción y danza en comedias tiene gusto del debajo de las azoteas de París (1930) y del Le millón (1931). La tendencia prosperó mejor en el la India, en donde la influencia del país tradicional canción-y-baila el drama hecho el musical la forma básica de la mayoría de las películas sanas (cocinero, 1990); virtualmente inadvertido por el mundo occidental por décadas, este cine popular indio sin embargo se convierte en el mundo más prolífico. (el considera también el Bollywood . )

En este tiempo, películas americanas del gángster como el el del pequeño de Caesar del y de Wellman el enemigo público (ambo 1931) llegó a ser popular. El diálogo ahora tomó precedencia sobre " slapstick" en las comedias de Hollywood: la burla rápida, ingeniosa Front Page (1931) o sucedió una noche (1934), los entrendres dobles sexuales del oeste de Mae ( ella hecha lo incorrecto, 1933) o a menudo subversivo la charla anárquica del absurdo de los hermanos (sopa de pato, 1933) de Marx. 1939, un año importante para el cine americano, trajo a películas tales como el Wizard Of Oz y el ido con el viento .

Los años 40: la guerra y los años de la posguerra

¿El deseo para la propaganda del tiempo de guerra creó un renacimiento en la industria del cine en Gran Bretaña, con dramas realistas de la guerra como el paralelo (1941), Forty-Ninth del del fue el día bien? (1942), el la manera a continuación (1944) y el Noel Coward y el David Lean 's celebraron el naval del de la película en el cual desempeñamos servicios en 1942, que ganó un premio de la Academia especial . Éstos existieron junto a películas más ostentosas como el Michael Powell y el Emeric Pressburger ' de s la vida y la muerte del coronel dirigible no rígido (1943), un cuento (1944) de Cantorbery y una cuestión de la vida y de la muerte (1946), tan bien como Henry V del de la película 1944 de s de Olivier Lorenza ', basó en el shakesperiano Henry V del de la historia .

El inicio de la implicación de los E. en el WWII también trajo una proliferación de películas como el patriotismo y propaganda . Las películas americanas de la propaganda incluyeron el viaje desesperado del, señora Miniver, por siempre y un día y Birmania objetiva . Las películas americanas notables a partir de los años de guerra incluyen el reloj del anti-Nazi en el Rin (1943), con guión por el Dashiell Hammett ; sombra de una duda (1943), dirección de Hitchcock de una escritura por el Thornton un más salvaje; el Biopic de George M. Cohan, Doodle excelente (1942) del yanqui, starring James Cagney, y el inmenso popular Casablanca del, con el Humphrey Bogart . Bogart star en 36 películas entre 1934 y 1942 incluyendo de s de Huston Juan el 'el halcón maltés (1941), una de las primeras películas ahora consideraba un noir clásico de la película.

Las restricciones del tiempo de guerra también trajeron un interés en temas más fantásticos. El de los melodramas de Gainsborough de esta Gran Bretaña incluida ( incluyendo del el hombre en gris y la señora traviesa ), y las películas como aquí vienen Sr. Jordania, el cielo puede esperar, casé una bruja y el alcohol alegre . El Val Lewton también produjo una serie de películas atmosféricas e influyentes del horror del pequeño-presupuesto, algo de los ejemplos más famosos que eran la gente del gato, isla del muerto y el Snatcher de cuerpo . La década probablemente también consideró el " supuesto; cuadros de las mujeres, " por ejemplo ahora, el viajero, la cosecha al azar y el Mildred Pierce del en el pico de su renombre.

En 1941, el RKO representa ciudadano lanzado Kane hecho por el Orson Welles . A menudo consided la película más grande de toda la hora. Fijaría la etapa para el cinematográfico moderno, como él revolucionó decir de historia de la película.

1946 vieron el de liberación de radio del de RKO que es una vida maravillosa dirigida por el Capra de Frank. Los soldados que vuelven de la guerra proporcionarían la inspiración para las películas como los mejores años de nuestras vidas, y muchos de ésos en la industria del cine habían servido en una cierta capacidad durante la guerra. experiencias de s de Samuel un más lleno las 'en WWII influenciarían sus películas en gran parte autobiográficas de décadas posteriores tales como el rojo grande uno . El el estudio del agente fue fundado en octubre de 1947 por el Elia Kazan, el Roberto Lewis, y el Cheryl Crawford, y la pintura filmada No. 1 del movimiento de Oskar Fischinger del mismo año.

En 1943, el Ossessione fue defendido en Italia, marcando el principio del neorealism italiano . Las películas importantes de este tipo durante los años 40 incluyeron los ladrones de la bicicleta, el Roma del, la ciudad abierta, y la tierra Trema del La. En el 1952 del Umberto D fue lanzado, generalmente considerado la película pasada de este tipo.

¡En el finales de los 40, en Gran Bretaña, los estudios de Ealing emprendieron su serie de comedias celebradas, incluyendo el whisky a montones!, el pasaporte a Pimlico, los corazones y las coronas y el el hombre en el juego blanco, y la caña buenos del villancico dirigieron su hombre impar hacia fuera de las novelas de suspense influyente del, el el ídolo caido y el el tercer hombre . El David Lean también se convertía en rápido una fuerza en cine del mundo con el encuentro del escrito y sus granes expectaciones de las adaptaciones de Dickens y Oliver Twist del, y el Michael Powell y el Emeric Pressburger experimentarían el mejor de su sociedad creativa con las películas como los narcisos del negro y el el rojo calza .

Los años 50

El comité antiamericano Hollywood investigado de las actividades de la casa en los comienzos de los años 50. El protestó por el Hollywood diez ante el comité, las audiencias dio lugar al que ponía de muchos agentes, escritores y directores, incluyendo Chayefsky, Charlie Chaplin, y Dalton Trumbo, y muchos de éstos huidos al Europa, especialmente el Reino Unido.

El espíritu de la época de la era de la guerra fría traducido a un tipo de la paranoia near- manifestó en los temas tal como ejércitos invasores de los extranjeros malvados, (invasión de los Snatchers de cuerpo, la guerra de los mundos ); y columnistas ( comunista quintos del el candidato manchurio ).

Durante los años de la posguerra inmediatos la industria cinemática también fue amenazada por la televisión, y el renombre cada vez mayor del medio significó que algunos teatros de película arruinarían y se cerrarían. El fallecimiento del " system" del estudio; estimuló el uno mismo-comentario de películas como el bulevar (1950) de la puesta del sol y el el malo y el hermoso (1952).

En 1950, los avante-gardists de Lettrists causaron alborotos en el festival de película de Cannes, cuando tratado de s de Isou Isidoro el 'en el limo y la eternidad fue defendido. Después de que sus críticas Charlie Chaplin y fractura con el movimiento, el Ultra-Lettrists continuaran causando interrupciones cuando demostraron a su nuevo técnicas hypergraphical de . La película más notoria es bombas de s de Debord individuo las 'a favor de DeSade de 1952.

Apenado por el número cada vez mayor de teatros cerrados, los estudios y las compañías encontrarían nuevas e innovadoras maneras de traer a audiencias traseras. Estas tentativas incluidas de ensanchar literalmente su súplica con nuevos formatos de pantalla. El Cinemascope, que seguiría habiendo una distinción de 20th Century Fox hasta 1967, fue anunciado con el 1953's el traje . El VistaVision, Cinerama, se jactó un 50|pie|m|mujer del sing=on}}|" más grande es el better" acercamiento de a las películas de la comercialización a una audiencia de la disminución los E. Esto dio lugar al renacimiento de películas épicas para aprovecharse de los nuevos formatos de pantalla grandes. Algunos de los ejemplos más acertados de estos el los spectaculars históricos bíblicos de y incluyen el los diez mandamientos (1956), el los Vikingos (1958), el Ben-Hur (1959) del, el Spartacus (1960) del y el EL Cid (1961).

Los trucos también proliferaron para engañar en audiencias. El capricho para la película tridimensional duraría por solamente dos años, 1952-1954, y casa ayudada de la venta de la cera y de la criatura de la laguna negra . El castillo de Guillermo del productor importunaría las películas que ofrecen el " Emergo" " Percepto", el primer de una serie de trucos que seguirían siendo herramientas de comercialización populares para el castillo y otras a través de los años 60., una tendencia post-WW2 hacia preguntar el establecimiento y las normas sociales y el activismo temprano del movimiento de las derechas civiles fue reflejado en las películas de Hollywood tales como selva (1955) de la pizarra, en la línea de costa (1954), hombres enojados (1957) 12 del de s de Chayefsky ' Marty de del de s y Rose Reginald 'del arroz.

La belleza durmiente de Disney fue lanzada el el 29 de enero, 1959 por el la compañía de Walt Disney después casi de una década en la producción.

A través del globo, los años 50 marcaron un período muy productivo para el cine indio, con más de 200 películas que eran hechas. Las películas indias también ganaron el mayor reconocimiento a través de las películas como el Pather Panchali (1955), del rayo críticamente aclamado de Satyajit del director del premio de la Academia que ganaba. La televisión comenzó a competir seriamente con las películas proyectadas en teatros, pero promovió asombrosamente más moviegoing algo que acortándolo.

los años 60

Durante los años 60 el sistema del estudio en el Hollywood disminuyó, porque muchas películas ahora eran hechas en la localización en otros países, o con instalaciones del estudio al exterior, por ejemplo la madera de pino en el Inglaterra y el Cinecittà en el Roma . " Hollywood" las películas seguían siendo audiencias en gran parte dirigidas de la familia, y era a menudo las películas más pasadas de moda que produjeron los éxitos más grandes de los estudios. Las producciones tienen gusto Maria Poppins (1964) del, mi señora justa (1964) y el el sonido de la música (1965) estaba entre los productos que rinde grandes beneficios más grandes de la década. El crecimiento en productores independientes y compañías de la producción, y el aumento en la energía de agentes individuales también contribuyeron a la declinación de la producción tradicional del estudio de Hollywood.

Había también un conocimiento cada vez mayor del cine del idioma extranjero durante este período. Durante el a finales de la década de 1950 y los años 60 los directores franceses de la nueva ola tales como François Truffaut y Jean-Lucas Godard produjeron las películas tales como golpes de los centavos del quatre de Les y Julio y Jim del que rompieron las reglas de la estructura narrativa del cine de Hollywood. También, las audiencias eran enteradas de las películas italianas como el Federico Fellini 'el vita del dolce del La de s y los dramas rígidos Ingmar Bergman de s de Suecia de '.

En Gran Bretaña, el " Cinema" libre; Lindsay Anderson, Tony Richardson y de otros llevar a un grupo de dramas realistas e innovadores incluyendo el en la noche del sábado y el domingo por la mañana, una clase de amar y esta vida Sporting . Otras películas de Británicos tales como repulsión, querido, Alfie del, explosión y muchacha (todo de Georgy en 1965-1966) ayudada a reducir el sexo y la desnudez de las prohibiciones en la pantalla, mientras que el sexo ocasional y la violencia de las películas de James Bond, comenzando con el Dr. Ningún en 1962 rendiría el mundial popular de la serie.

Durante los años 60, el Ousmane Sembène produjo varias francés y películas de la Wolof-lengua y sintió bien al “padre” del cine africano . En el América latina la dominación del " Hollywood" el modelo fue desafiado por muchos cineastas. El Fernando Solanas y Octavio Gettino pidió un tercer cine político dedicado en contraste con Hollywood y el cine europeo del autor .

Además, la paranoia nuclear de la edad, y la amenaza de un intercambio nuclear apocalíptico (como los 1963 cerrar-llamar con el URSS durante la crisis cubana del misil) incitaron una reacción dentro de la comunidad de la película también. Las películas como Dr. Strangelove de s de Kubrick Stanley el 'y el a prueba de averías con el Henry Fonda fueron producidas en un Hollywood que era conocido una vez para su propaganda abierta del patriotismo y del tiempo de guerra.

En la película documental los años 60 consideraron la floración de El cine directo, un estilo de observación del rodaje de películas así como el advenimiento de películas más abiertamente partisanas tiene gusto en el año del cerdo sobre la guerra de Vietnam al lado Emilio de Antonio . Por el finales de los sesenta sin embargo, los cineastas de Hollywood comenzaban a crear películas más innovadoras y más innovadoras que reflejaron la revolución social asumida el control mucho del mundo occidental tal como Bonnie y Clyde (1967) del, el bueno, el malo, el feo (1967), el graduado (1967), '' 2001: Una odisea '' (1968) del espacio, bebé (1968) de Rosemary, vaquero de medianoche (1969), jinete fácil (1969) y el manojo salvaje (1969). el Bonnie y Clyde del a menudo se considera el principio supuesto nuevo Hollywood .

los años 70: El “nuevo Hollywood” o cine posclásico

el “ el nuevo Hollywood ” y “cine posclásico” es términos usados para describir el período que sigue la declinación del sistema del estudio durante los años 50 y los años 60 y el final del código de la producción. Durante los años 70, los cineastas representaron cada vez más el contenido sexual explícito y demostraron las escenas del tiroteo y de batalla esas las imágenes gráficas incluidas de muertes sangrientas.

El “cine posclásico” es un término usado para describir los métodos cambiantes de narración del " Nuevo Hollywood" productores. Los nuevos métodos del drama y de caracterización jugaron sobre las expectativas de la audiencia adquiridas durante el período clásico/de la época dorada: la cronología de la historia puede ser revuelta, los argumentos puede ofrecer el " inquietante; endings" de la torcedura;, los carácteres principales pueden comportarse en una manera moral ambigua, y las líneas entre el antagonista y el protagonista pueden ser empañadas. Los principios de la narración posclásica se pueden considerar en películas del noir de la película de los años 40 y de los años 50, en películas tales como rebelde sin una causa (1955), y en el psico del de Hitchcock.

Durante los años 70, un nuevo grupo de cineastas americanos emergió, por ejemplo el Francisco Ford Coppola, el Steven Spielberg, el George Lucas y el Brian de Palma . Esto coincidió con el renombre cada vez mayor de la teoría del autor en literatura de la película y los medios, que postularon que las películas de un director de cine expresan su visión personal y penetraciones creativas. El desarrollo del estilo del autor de la cinematografía ayudó a dar a estos directores control lejos mayor sobre sus proyectos que habría sido posible en eras anteriores. Esto llevó a algunos grandes éxitos críticos y comerciales, como el de Coppola las películas del padrino, las quijadas de Spielberg y los encuentros del cierre de y Star Wars del de s de Lucas de tercer George bueno '. También, sin embargo, dio lugar a algunas faltas, incluyendo la puerta, que del de s de Michael Cimino de Peter Bogdanovich 'el amor de s finalmente y 'del cielo épico occidental enorme costoso ayudaron a causar el fallecimiento de su soporte, los artistas unidos .

El desastre financiero de la puerta del cielo del que marca el extremo del " visionario; auteur" directores del " Nuevo Hollywood", que tenía libertad creativa y financiera libre para desarrollar las películas. El éxito fenomenal en los años 70 de las quijadas del y del Star Wars particularmente, llevados a la subida del " moderno; " de la superproducción ;. Los estudios de Hollywood se centraron cada vez más en producir un número más pequeño de películas muy grandes del presupuesto con la comercialización masiva y campañas promocionales. Esta tendencia había sido presagiada ya por el éxito comercial de las películas de desastre tal como la aventura de Poseidon y el infierno elevado .

Durante los mediados de los años setenta, teatros más pornográficos, eufemístico llamados " cinemas" adulto;, fueron establecidos, y la producción legal de películas pornográficas incondicionales comenzó. Las películas de la pornografía tales como garganta profunda y su Linda Lovelace de la estrella se convirtieron en algo de un fenómeno de la cultura popular y dieron lugar a una crecida de las películas similares del sexo. Los cines de la pornografía finalmente murieron hacia fuera durante los años 80, cuando la popularización del VCR casero y de las videocintas de la pornografía permitió que las audiencias miraran las películas del sexo en el país. A principios de los años 70, las audiencias de la lengua inglesa eran más enteradas del cine de la R. Alemana del nuevo, con el Werner Herzog, el Rainer Werner Fassbinder y el Wim Wenders entre sus exponentes principales.

El final de la década consideró el marketing internacional del primer comandante del cine australiano, pues el vertedero de Peter 'comida campestre de las películas de s en la roca colgante y el onda y el pasado del de s de Schepisi Fred 'el canto del herrero de Jimmie ganó buenas críticas. En 1979, el australiano George Miller del cineasta también almacenó la atención internacional para su violento, máximo enojado del de la película de acción del bajo-presupuesto.

años 80: consecuencias, superproducciones y videocinta

Durante los años 80, las audiencias comenzaron películas cada vez más de observación en sus VCRs caseros en la parte anterior de esa década, la demanda legal intentada de los estudios de la película para prohibir la propiedad casera de VCRs como violación de los derechos reservados, que probó fracasado. Eventual, la venta y el alquiler de películas en el video casero se convirtieron en un " significativo; segundo venue" para la exposición de películas, y una fuente de ingresos adicional para las compañías de la película.

El Lucas - la cosechadora de Spielberg dominaría el " Hollywood" el cine para mucho de los años 80, y lleva a mucho de imitación. Dos cartas recordativas al Star Wars, tres a las quijadas, y tres películas del de Indiana Jones ayudaron a hacer las consecuencias de películas acertadas más de una expectativa que siempre antes. Lucas también puso en marcha el THX Ltd, una división Lucasfilm en 1982, mientras que Spielberg disfrutó de uno de los éxitos más grandes de la década E. El cine independiente americano luchó más durante la década, aunque rabiar Bull (el an o 80) de s de Scorsese Martin el ', después de las horas (1985), y que el rey de la comedia (1983) ayudó a establecerlo como uno de los cineastas americanos lo más críticamente posible aclamados de la era. También durante lanzaron, era muy provechosa y dada lugar a la caracortada 1983 incluso a mayor fama para su Al Pacino del agente principal. La película más acertada vended probablemente comercialmente durante 1989: La versión de Tim Burton creación de s de Kane Bob de ', Batman, excedió expedientes de la taquilla. representación de s de Jack Nicholson la 'del bromista demente le ganó $60.000 (la mayoría del dinero que un agente ha hecho nunca a partir de una película) y trajo el Tim Burton y el Michael Keaton gran fama.

El cine británico fue dado un alza durante el principios de los 80 por la llegada películas de Goldcrest de la compañía de s de Puttnam David de las '. Los carros de las películas del fuego, Gandhi del, los campos de la matanza y que un cuarto con una visión apeló a un " middlebrow" audiencia que era no hecha caso cada vez más por los estudios principales de Hollywood. Mientras que las películas de los años 70 habían ayudado a definir películas modernas de la superproducción, el " de la manera; Hollywood" lanzó sus películas ahora cambiaría. Las películas, en general, premiere en un número más amplio de teatros, aunque, a este día, algunas películas todavía premiere usar la ruta limitado/del sistema del lanzamiento de la gira. Contra algunas expectativas, la subida del cine del múltiplex no permitió menos películas de la corriente principal fueran demostradas, sino permitió simplemente que las superproducciones principales fueran dadas un número incluso mayor de investigaciones. Sin embargo, las películas que habían sido pasadas por alto en cines eran dadas cada vez más una segunda oportunidad en el video casero y el posterior DVD .

los años 90: Nuevos efectos especiales, películas independientes, y DVDs

El principio de los 90 vio el desarrollo de un cine independiente comercialmente acertado en los Estados Unidos. Aunque el cine fuera dominado cada vez más por las películas de los especial-efectos tales como adaptador 2: El día del Juicio Final (1991) y el titánico (1997) del, las películas independientes tienen gusto Reservoir Dogs (1992) del de s de Steven Soderbergh 'sexo de s, mentiras, y videocinta (1989) y Tarantino Quentin 'tenía éxito comercial significativo en el cine y en el video casero.

Los estudios principales comenzaron a crear su propio " independent" compañías de la producción para financiar y para producir precio de la no-corriente principal. A Disney compró una de las independientes más acertadas de los años 90, Miramax Films, el año antes de que el lanzamiento del fugitivo de Tarantino golpeara el Pulp Fiction del en 1994. El mismo año marcó el principio de la distribución de la película y del vídeo en línea. Las audiencias dirigidas las películas Animated de la familia también recuperaron su renombre, con la belleza de Disney y la bestia, Aladdin del, y el rey del león. Durante 1995 la característica computadora-animated del primer de la característica de la longitud, Toy Story del, fue producida por los estudios de la animación de Pixar y lanzada por Disney. Después del éxito de Toy Story, Disney volvió a la animación tradicional e hizo tres películas más populares: el jorobado de Notre Dame en 1996, Hércules del en 1997, y Mulan del en 1998. En 1999, Disney lanzó el Tarzan del, que empleó el uso de una lona profunda llamada técnica de la representación del cgi. Durante el finales de los 90, otra transición cinemática comenzó, de la acción de película física a la tecnología del cine de Digitaces. Mientras tanto el DVDs se convirtió en el nuevo estándar para el vídeo del consumidor, substituyendo las cintas del VHS.

2000s

La película documental también se levantó como género comercial para quizás la primera vez, con el éxito de películas tales como marcha del bowling de s de Moore pingüinos y de Michael “para Columbine y Fahrenheit del 9/11 . Un nuevo género fue creado con el Martin de Kunert y voces de las melenas Eric barato las” de Iraq, cuando 150 cámaras de DV fueron distribuidas a través de Iraq, transformando a gentes normales en cineastas de colaboración. ¡El éxito del gladiador lleva a un renacimiento del interés en el cine épico, y al colorete de Moulin! renovó interés en el cine musical . Los sistemas del teatro casero llegaron a ser cada vez más sofisticados, al igual que algo DVDs de la edición especial diseñado para ser demostrado en ellos. el el señor de la trilogía de los anillos fue lanzado en DVD en la versión de teatro y en una versión extendida especial prevista solamente para las audiencias caseras del cine.

Futuro: Problemas de la distribución de Digitaces que se superará -- una compresión más alta, una tecnología más barata. Expiración de derechos reservados, haciendo cumplir los derechos reservados.

La cola larga

Una novedad importante en el siglo XXI temprano es el desarrollo de los sistemas que hacen mucho más fácil para que la gente regular escriba, tire, corrija y distribuya sus propias películas sin el aparato grande de la industria del cine. Este fenómeno y sus repercusiones se contornean en la teoría de de Chris Anderson, la cola larga .

El subterráneo

considera también:

subterráneo de la película Junto a la tradición de Hollywood, también ha habido un " " subterráneo de la película ; la tradición del pequeño-presupuesto, los trabajos a menudo de producción propia creó el exterior del sistema del estudio y sin la implicación de los sindicatos

Ver también

Cine africano
Cine de la India
Cine persa
Cine del Reino Unido
Cine de los Estados Unidos
Cine asiático del este
Cine europeo
Película experimental
Cine impresionista francés
Expresionismo alemán
Película ficticia
Historia de las películas de ciencia ficción
La lista de película da formato a
Lista de los asuntos cuadro-relacionados (listado alfabético extenso) del movimiento
Lista de años en la película
Producción del fugitivo
Cine de las mujeres

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Zenithic

Kosovo Liberation Army

Random links:

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