El music barroco de describe una era y un sistema de los estilos de la música clásica europea que estaban en uso extenso entre aproximadamente 1600 y 1750. Esta era se dice para comenzar en música después del renacimiento y fue seguida por la era de la música clásica. El significado original del " " barroco ; es el " pearl" irregular;, una caracterización llamativo que cabe de la arquitectura de este período ; más adelante, el nombre vino ser aplicado también a su música. La música barroca forma una porción importante del canon de la música clásica, extensamente siendo estudiado, realizado, y escuchado. Se asocia a los compositores tales como Claudio Monteverdi, Antonio Vivaldi, George Frideric Handel, y Johann Sebastian Bach . El período barroco consideró el desarrollo de la tonalidad diatónica . Durante período los compositores y los ejecutantes utilizaron una ornamentación musical más elaborada; cambios realizados en la notación musical, y nuevo instrumental desarrollado que juega técnicas. La música barroca amplió el tamaño, la gama y la complejidad del funcionamiento instrumental, y también estableció la ópera como género musical. Muchos términos y conceptos del musical a partir de esta era son todavía funcionando hoy.

Estilo y tendencias

Música descrita convencionalmente como el Barroco abarca una amplia gama de estilos de una región geográfica amplia, sobre todo en el Europa, compuesta durante un período de aproximadamente 150 años. El uso del " del término; Baroque", que significa literalmente el " perla del shape" irregular;, a este período es relativamente un reciente desarrollo, primero usado por el Sachs conciso en 1919, y solamente adquisición de moneda en inglés en los años 40. De hecho, tan tarde como 1960 allí era conflicto todavía considerable en círculos académicos si era significativo amontonar junta la música tan diversa como que del Peri de Jacopo, Domingo Scarlatti y de J. Bach con un solo término; con todo el término ampliamente utilizado y se ha aceptado para esta gama amplia de música. Puede ser provechoso distinguirlo a partir ( clásico) de los períodos anteriores (renacimiento) y de siguientes de historia musical. Una pequeña cantidad de musicólogos sostienen que debe estar partido en períodos del manierista del Barroco y para ajustarse a las divisiones que se aplican a veces en los artes visuales.

Barroco contra estilo del renacimiento

Partes barrocas de la música con música del renacimiento un uso pesado del Polyphony y del contrapunto . Sin embargo, su uso de estas técnicas diferencia de música del renacimiento. En el renacimiento, la armonía es más el resultado de las consonancias fortuitas al flujo liso de polyphony, mientras que en la era barroca temprana la orden de estas consonancias llega a ser importante, porque comienzan a ser sentidas como acordes en un jerárquico, esquema tonal funcional . Alrededor 1600 hay el considerable empañar de esta definición: por ejemplo esencialmente las progresiones tonales alrededor de puntos cadentes en el Madrigals se observan, mientras que en el Monody temprano la sensación de la tonalidad sigue siendo algo tenue. Otra distinción entre el renacimiento y la práctica barroca en armonía es la frecuencia del movimiento de la raíz del acorde al lado tercer en el período anterior, mientras que predomina el movimiento de los cuartos o de los quintos más adelante (que define parcialmente tonalidad funcional). Además, la música barroca utiliza líneas más largas y ritmos más fuertes: la línea inicial es extendida, o solamente o el acompañó solamente por el continuo de Basso, hasta que el tema reaparezca en otra voz. En esto el acercamiento posterior a counterpoint, la armonía fue definido más a menudo por el continuo de basso, o tácito por las notas del tema sí mismo.

Estas diferencias estilísticas marcan la transición Ricercars del “, de las fantasías de ”, y Canzonas del 'del renacimiento a la fuga, una forma barroca de definición. El Claudio Monteverdi llamó este más nuevo, más flojo estilo el del pratica del seconda de, poniéndolo en contraste con el del pratica de Prima de que caracterizó el Motets y otros pedazos corales sagrado de altos amos del renacimiento como el Juan Pierluigi DA Palestrina . Monteverdi utilizó ambos estilos; él escribió su masa en del tempore del illo en estilo más viejo, de Palestrinan, y su Vespers 1610 en el nuevo estilo.

Hay otro, diferencias más generales entre el estilo del Barroco y del renacimiento. La música barroca se esfuerza a menudo para un mayor nivel de intensidad emocional que música del renacimiento, y un pedazo barroco representa a menudo uniformemente una sola emoción particular (exultación, pena, piedad, y así sucesivamente). La música barroca fue escrita para los cantantes y los instrumentalists del virtuoso y es más a menudo característico más dura de realizarse que música del renacimiento, aunque la escritura instrumental idiomática fuera una de las innovaciones más importantes del período. La música barroca emplea mucha de ornamentación, que fue improvisada a menudo por el ejecutante. Se esperaba que los métodos de funcionamiento expresivos tales como inégales de las notas eran comunes y fueran aplicados por los ejecutantes, a menudo con considerable latitud. Los instrumentos vinieron jugar una parte más mayor en música barroca, y la música vocal del cappella A retrocedió en importancia.

Barroco contra estilo clásico

En la era clásica, que siguió el Barroco, el papel del contrapunto fue disminuido (no obstante vuelto a descubrir en varias ocasiones y reintroducido), y substituido por una textura homophonic . El papel de la ornamentación disminuyó. Los trabajos tendieron hacia una estructura interna articulada, especialmente ésas escritas en la forma de la sonata. La modulación (cambio de llaves) se convirtió en un elemento estructural y dramático, de modo que un trabajo se pudiera oír como clase de viaje dramático con una secuencia de llaves musicales, hacia fuera y detrás del tónico. La música barroca también modula con frecuencia, pero la modulación tiene menos importancia estructural. Los trabajos en el estilo clásico representan a menudo emociones extensamente diversas dentro de un solo movimiento, mientras que los trabajos barrocos tienden hacia un solo, sensación vivo retratada. Los trabajos clásicos alcanzan generalmente una clase de clímax dramático y después la resuelven; Los trabajos barrocos conservan un nivel bastante constante de energía dramática a la nota última. Muchas formas del Barroco sirvieron como el punto de la salida para la creación de la forma de sonata, creando un " plan" del piso; para la colocación de cadencias importantes.

Otras características

continuo de Basso - una clase de acompañamiento continuo notated con un nuevo sistema de la notación de música, bajo calculado, generalmente para un instrumento bajo de mantenimiento y un instrumento del teclado
Monody - música para una voz melódica con el acompañamiento, característica del siglo XVII temprano, especialmente en Italia
Homofonía - música con una voz melódica y rítmicamente acompañamiento similar (este y el monody se pone en contraste con la textura típica del renacimiento, el Polyphony )
texto sobre música - texto inteligible con el acompañamiento instrumental que no domina la voz
solistas vocales
expresión musical dramática
las formas musicales dramáticas tienen gusto de la ópera, dramma por el musica
formas instrumental-vocales combinadas, tales como el oratorio y cantata
nuevas técnicas instrumentales, como el trémolo y el Pizzicato del
melodía clara y linear
El observa los inégales, una técnica de aplicar ritmos punteados a las notas uniformemente escritas
la aria
la aria de Ritornello (interrupciones instrumentales cortas repetidas de pasos vocales)
el estilo de Concertato (contraste en sonido entre la orquesta y los a solas-instrumentos o pequeños grupos de instrumentos)
el anotar exacto del instrumental (en el renacimiento, la instrumentación exacta para jugar del conjunto fue indicada raramente)
escritura instrumental idiomática: mejorar el uso de las características únicas de cada tipo del instrumento musical
escritura instrumental y vocal virtuosic, con el aprecio para el virtuosismo como tal
ornamentación
desarrollo a la tonalidad occidental moderna ( escalas de menor importancia importantes de y
cadenza- una sección virtuosic extendida para el solista generalmente cerca del extremo de un movimiento de un concierto.

Géneros

Los compositores barrocos escribieron en muchos diversos géneros musicales. La ópera, inventada en el último renacimiento, se convirtió en una forma musical importante durante el Barroco, con las óperas Alejandro Scarlatti, Handel, y otros. El oratorio alcanzó su pico en el trabajo de Bach y de Handel; formas muy similares de uso frecuente de la música de la ópera y del oratorio, tales como un uso extenso de la aria de la ceja de DA.

En la otra música religiosa, la masa y el motet retrocedieron levemente en importancia, pero la cantata prosperó en el trabajo de Bach y de otros compositores protestantes . La música de órgano del virtuoso también prosperó, con toccatas, las fugas, y otra trabaja.

Las sonatas instrumentales y las habitaciones de la danza fueron escritas para los instrumentos individuales, para los grupos del compartimiento, y para (la pequeña) orquesta. El concierto emergió, en su forma para un solo solista más la orquesta y como el concerto grosso, en el cual ponen en contraste a un pequeño grupo de solistas con el conjunto lleno. La insinuación francesa, con sus secciones lentas y rápidas contrasting, agregó la grandeza a las muchas cortes en las cuales fue realizada.

Los trabajos de teclado fueron escritos a veces en gran parte para el placer y la instrucción del ejecutante. Éstos incluyeron una serie de trabajos por el Bach maduro que se consideran extensamente ser la culminación intelectual de la era barroca: el Clavier Bien-Tempered, las variaciones de Goldberg, y el arte de la fuga .

Vocal

Ópera Zarzuela
Seria de la ópera
Comique de la ópera
Ópera-ballet
Masque
Oratorio
Pasión (música)
Cantata
Masa (música)
Himno
Monody
Coral

Instrumental

Concerto grosso
Fuga
Habitación Allemande
Courante
Sarabande
Gigue
Gavotte
Menuet
Sonata Cámara de DA de la sonata
Chiesa de DA de la sonata
Sonata del trío
Partita
Canzona
Sinfonia
Fantasía
Ricercar
Toccata
Preludio
Chaconne
Passacaglia
Preludio de coral

Historia

Compositores del del barroco

Música barroca temprana (1600– 1654)

La línea divisoria convencional para el Barroco del renacimiento comienza en el Italia, con el Camerata florentino, un grupo de académico que se encontró informal en el Florencia en el palacio del de Bardi de Juan de la cuenta para discutir artes, así como las ciencias. Referente a música, sus ideales fueron basados en su opinión del drama musical del griego clásico, en la cual la declamación del texto era de importancia extrema. Como tal, rechazaron el polyphony complejo del último renacimiento y desearon una forma de drama musical que consistió sobre todo en una melodía a solas simple, con un acompañamiento básico. Las realizaciones tempranas de estas ideas, incluyendo Dafne y L'Euridice del de s del Peri Jacopo ', marcaron el principio de la ópera.

Musical, la adopción calculó que el bajo representa un cambio más grande en thinking&mdash musical; a saber esa armonía, de que es " tomar todo el together" de las piezas; era tan importante como la parte linear de polyphony. Cada vez más, el polyphony y la armonía fueron considerados como dos lados de la misma idea, con las progresiones armónicas incorporando la noción de componer, así como el uso del tritone como disonancia. El pensamiento armónico había existido entre compositores particulares en la era anterior, notablemente Carlos Gesualdo ; sin embargo el renacimiento se siente para llevar al Barroco en el punto donde se convierte en el vocabulario común. Algunos historiadores de la música señalan a la introducción del séptimo acorde sin la preparación como siendo la rotura dominante con el pasado. Esto creó la idea que los acordes, algo que notas, crearon el sentido del encierro, que es una de las ideas fundamentales de qué vino ser conocida como tonalidad .

Italia formó una de las piedras angulares del nuevo estilo, como el papacy— sitiado por la reforma pero con las cajas cebó por los réditos inmensos que fluían adentro del conquest&mdash de Hapsburg ; buscado para que medios artísticos promuevan la fe en la iglesia católica romana . Uno de los centros musicales más importantes era el Venecia, que tenía patrocinio secular y sagrado disponible.

El Juan Gabrieli se convirtió en una de las figuras transitorias importantes para salir de la impulsión para restablecer el catolicismo contra el desafío doctrinal, artístico y social growing montado por Protestantism. Su trabajo se considera en gran parte estar en el " Alto Renaissance" estilo. Sin embargo, sus innovaciones vinieron ser consideradas fundacionales al nuevo estilo. Entre éstos están la instrumentación (instrumentos de etiquetado específicamente para las tareas específicas) y el uso de la dinámica.

Las demandas de la religión eran también hacer el texto del clarificante sagrado de los trabajos, y por lo tanto había presión para moverse lejos del polyphony denso acodado del renacimiento, a las líneas que pusieron las palabras frente y centro, o tenía una gama más limitada de imitación. Esto creó la demanda para tejer más intrincado de la línea vocal contra el contexto, o la homofonía.

Claudio Monteverdi hizo el más visible de una generación de compositores que sentían que había los medios seculares a este " modern" el acercamiento a la armonía y al texto, y en 1607 su Orfeo de la ópera se convirtió en la señal que demostró el arsenal de los efectos y de las técnicas que fueron asociados a esta nueva escuela, llamada el pratica del seconda del, para distinguirlo más viejo del pratica de Prima del estilo o del . Monteverdi era un amo de ambos, produciendo los madrigals exacto labrados que extendieron las formas de Marenzio y de Giaches de Wert . Pero es sus pedazos en el nuevo estilo que se convirtió en el más influyente. Estas características incluidas que son reconocibles incluso al final del período barroco, incluyendo uso de la escritura idiomática, flourishes del virtuoso, y el uso de nuevas técnicas.

Esta lengua musical demostró ser internacional, como Heinrich Schütz, un compositor alemán que estudió en Venecia debajo de Gabrieli y de Monteverdi posterior, usado le a las necesidades litúrgicas del elector de Sajonia y servido como el amo del coro en el Dresden .

Música barroca media (1654– 1707)

La subida de la corte centralizada es una de las características económicas/políticas de qué se etiqueta a menudo la edad del absolutismo, personificadas por el Louis XIV Francia . El estilo del palacio, y el sistema judicial de maneras y de los artes que él fomentó, se convirtieron en el modelo para el resto de Europa. Las realidades del patrocinio de levantamiento de la iglesia y del estado crearon la demanda para la música pública organizada, mientras que la disponibilidad cada vez mayor de instrumentos creó la demanda para la música de compartimiento . Esto incluyó la disponibilidad de los instrumentos del teclado

El Barroco medio es separado del Barroco temprano por venir del pensamiento sistemático al nuevo estilo y una institucionalización gradual de las formas y de las normas, particularmente en ópera. Como con la literatura, la prensa y el comercio crearon una audiencia internacional ampliada para los trabajos y mayor cruz-pollenation entre los centros nacionales de la actividad musical.

El Barroco medio, en teoría de la música, es identificado por el foco cada vez más armónico de la práctica musical y la creación de sistemas formales de enseñanza. La música era un arte, y vino ser considerada como uno que se debe enseñar de una manera ordenada. Esto culminada en el trabajo posterior de Fux en el sistematización de contrapunto.

Un ejemplo preeminente de un compositor del estilo de la corte es Jean-Baptiste Lully . Su carrera se levantó dramáticamente cuando él colaboró con el Molière en una serie de los comedie-ballets, es decir, juegos con el baile. Él utilizó este éxito para hacer el único compositor de las óperas para el rey, usar no apenas ideas musicales innovadoras tales como el lyrique de Tragedie, pero patentes del rey que evitó que otros tuvieran óperas efectuadas. Instinto de Lully para proporcionar el material que casi cada biógrafo ha precisado su monarca deseado, incluyendo su cambio rápido a la música de iglesia cuando el humor en la corte llegó a ser más devoto. Sus 13 terminaron tragedias líricas se basan en los libretos que se centran en los conflictos entre la vida pública y privada del monarca.

Musical, él exploró contraste entre las secciones majestuosas y completamente orquestradas, y recitatives simples y ventila. En ninguna pequeña parte, era su habilidad en músicos de junta y practicantes en una orquesta que era esencial para su éxito e influencia. Los observadores observaron la precisión y la entonación, ésta en una edad donde no había estándar para los instrumentos de adaptación. Un elemento esencial era el foco creciente en las voces internas de la armonía y de la relación al solista. Él también estableció la norma secuencia-dominada para las orquestas.

El Arcangelo Corelli se recuerda como influyente para sus logros en el otro lado del technique&mdash musical; como violinista que organizó técnica y el pedagogy&mdash del violín; y en música puramente instrumental, particularmente su defensa y desarrollo del concerto grosso. Considerando que Lully ensconced en la corte, Corelli era uno de los primeros compositores a publicar extensamente y para hacer su música realizar all over Europa. Como con el stylization y la organización de Lully de la ópera, el concerto grosso se emplea contrasts&mdash fuerte; las secciones alternan entre ésas jugadas por la orquesta llena, y ésas jugadas por un grupo más pequeño. Las dinámicas eran " terraced", eso está con una transición aguda de ruidosamente a la suavidad y a la parte posterior otra vez. Las secciones rápidas y las secciones lentas fueron yuxtapuestas cara a cara. Se numera entre sus estudiantes el Antonio Vivaldi, que centenares compuestos posteriores de trabajos basaron en los principios en las sonatas del trío de Corelli y los concerti.

En Inglaterra el Barroco medio produjo un genio cometario en el Henry Purcell, que a pesar de la muerte en la edad 36, producida una profusión de música y fue reconocido extensamente en su curso de la vida. Él era familiar con las innovaciones de Corelli y de otros compositores italianos del estilo; sin embargo, sus patrón eran diferentes, y su salida musical era prodigiosa. Algo que que era artesano cuidadoso, Purcell era compositor flúido que podía cambiar de puesto de himnos simples y de música útil tal como marzos, a la música vocal magnífico anotada y a la música para la etapa. Su catálogo funciona sobre a 800 trabajos. Él era también uno de los primeros grandes compositores del teclado, cuyo trabajo todavía tiene influencia y presencia.

En contraste con estos compositores, el Dieterich Buxtehude no era una criatura de la corte sino que por el contrario era organista y un presentador emprendedor de la música. Algo que publicando, él confió en el funcionamiento para su renta, y algo que patrocinio real, él fue y entre los ajustes vocales para la música sagrada, y la música de órgano que él realizó. Su salida no está como fabulosa o diversa, porque lo no invitaban constantemente para que la música resuelva una ocasión. El empleo de Buxtehude del contraste estaba entre las secciones libres, a menudo improvisatory, y secciones más terminantes resueltas contrapuntally. Este procedimiento sería alto influyente en compositores posteriores tales como Bach, que llevó el contraste entre libre y terminante mayores límites.

Última música barroca (1680– 1750)

La línea divisoria entre el centro y Barroco es tarde una cuestión de un cierto discusión. Fechas para el principio del " late" Gama barroca del estilo a partir de 1680 a 1720. En ninguna pequeña parte esto está porque no había una transición sincronizada; diversos estilos nacionales experimentaron cambios a diversas tarifas y en diversas horas. Italia se mira generalmente como el primer país para moverse al último estilo barroco. La línea divisoria importante en la mayoría de las historias de la música barroca es la absorción completa de la tonalidad como principio de estructuración de música. Esto era particularmente evidente como consecuencia de trabajo teórico por el Jean-Felipe Rameau, que substituyó Lully como el compositor francés importante de la ópera. Al mismo tiempo, a través del trabajo Juan Fux, el estilo del renacimiento del polyphony fue hecho la base para el estudio del contrapunto. La combinación de contrapunto modal con la lógica tonal de cadencias creó el sentido que había dos estilos del composition— el homophonic dominada por consideraciones verticales y el polifónico dominado por consideraciones de imitación y contrapuntal.

Las formas que habían comenzado a ser establecidas en la era anterior prosperaron y fueron dadas una gama más amplia de la diversidad; el concierto, la habitación, la sonata, el concerto grosso, el oratorio, la ópera y el ballet todo consideraron una proliferación de estilos y de estructuras nacionales. La forma total de pedazos era generalmente simple, con las formas binarias repetidas (AABB), las tres formas simples de la parte (ABC), y el rondeau forma ser común. Estos diagramas esquemáticos alternadamente influenciaron a compositores posteriores.

El Antonio Vivaldi es una figura que fue olvidada en la música de concierto que hacía para mucho del siglo XIX, sólo ser restablecido en el vigésimo siglo. Llevado en Venecia en 1678, él comenzó como sacerdote ordenado de la iglesia católica pero dejó de decir el total antes de 1703. Alrededor del mismo tiempo lo designaron maestro di violino en un orfelinato veneciano de las muchachas con el cual él tenía una relación profesional hasta casi el final de su vida. La reputación de Vivaldi vino no de tener una cita de la orquesta o de la corte, pero de sus trabajos publicados, incluyendo sonatas del trío, sonatas del violín y concerti. Fueron publicados en el Amsterdam y circularon extensamente a través de Europa. Está en estos géneros instrumentales de la sonata barroca y del concierto barroco, que todavía se desarrollaban, que las contribuciones más importantes de Vivaldi fueron hechas. Él colocó en ciertos patrones, tales como un plan rápido-lento-rápido del tres-movimiento para los trabajos, y el uso Ritornello en los movimientos rápidos, y exploró las posibilidades en centenares de works— 550 concerti solos. Él también utilizó los títulos programatic para los trabajos, tales como su " famoso; cuatro el " de las estaciones ;. La carrera de Vivaldi refleja una posibilidad growing de un compositor para poder apoyarse por sus publicaciones, viajar para promover sus los propios trabaja, y tiene una existencia independiente.

El Domingo Scarlatti era uno de los virtuosi principales del teclado de su día, que tomaron el camino de ser músico real de la corte, primero en el Portugal y entonces, comenzando en 1733, en el Madrid, España, en donde él pasó los restos de la vida. Su padre, Alejandro Scarlatti, era un miembro de la escuela napolitana de la ópera y se ha acreditado con estar entre sus miembros más expertos. Domingo también escribió óperas y música de iglesia, pero es la publicación de sus trabajos de teclado, que se separaron más extensamente después de su muerte, que lo han asegurado un lugar duradero de la reputación. Muchos de estos trabajos fueron escritos para su propio jugar pero otros para sus patrón reales. Como con su padre, sus fortunas fueron atadas de cerca a su capacidad de asegurar, y de guardar, favor real.

Pero quizás el compositor más famoso que se asociará a patrocinio real era el George Frideric Handel, que nació en el Alemania, estudiado por tres años en Italia, y fue al Londres en 1711, que era su base de las operaciones para una carrera larga y provechosa que las óperas y las comisiones independiente producidas incluidas para la nobleza. Él buscaba constantemente para las fórmulas comerciales acertadas, en ópera, y entonces en oratorios en inglés. Un trabajador continuo, Handel pidió prestado de otros y recicló a menudo su propio material. También lo conocían para volver a trabajar pedazos tales como las Mesías famosas, que premiered en 1741, para los cantantes y los músicos disponibles. Incluso durante sus circunstancias económicas se levantaron y bajaron con sus producciones, su reputación, basada en trabajos de teclado publicados, música ceremonial, los estacionamientos constantes de óperas y los oratorios y los concertos grossos, creció exponencial. Antes su muerte, lo miraron como el compositor principal en Europa y fueron estudiado por músicos posteriores de la clásico-era. Handel, debido a sus ambiciones públicas mismas, reclinó mucha de su salida en el recurso melódico combinado con una tradición rica del funcionamiento de la improvisación y del contrapunto. La práctica de la ornamentación en el estilo barroco estaba en un muy de alto nivel del desarrollo bajo su dirección. Él viajó all over Europa para contratar a cantantes y para aprender la música de otros compositores, y él tenía así entre el conocido más amplio de otros estilos de cualquier compositor.

El Johann Sebastian Bach, ha venido en un cierto plazo ser considerado como la figura elevada de la música barroca, con qué Bela Bartok describió como " un religion" cerco de él. Durante el período barroco, él era más conocido como un profesor, un administrador y ejecutante que compositor, siendo menos famoso que Handel o el Jorge Philipp Telemann . Llevado en el Eisenach en 1685 a una familia musical, él recibió una educación temprana extensa y era considerado para tener una voz excelente del soprano del muchacho. Él llevó a cabo una variedad de postes como organista, ganando rápido en la fama para su virtuosismo y capacidad. En 1723 él colocó en el poste que le asociaron para virtualmente a los restos de la vida: chantre y director de la música para el Leipzig . Su experiencia variada significó que él hizo el líder de la música, secular y sagrada, para la ciudad, el profesor de sus músicos y la figura prominente. Las innovaciones musicales de Bach sondearon las profundidades y los límites externos de las formas homophonic y polifónicas barrocas. Él era un catálogo virtual de cada dispositivo contrapuntal posible y cada los medios aceptables de crear telas de la armonía con la coral. Consecuentemente, sus trabajos bajo la forma de fuga juntada con los preludios y toccatas para el órgano, y las formas del concierto del Barroco, han llegado a ser fundamentales en funcionamiento y técnica teórica. Virtualmente cada instrumento y conjunto del age— a excepción del genres&mdash del teatro; se representa copioso en su salida. Las enseñanzas de Bach llegaron a ser prominentes en las eras clásicas y románticas mientras que los compositores volvieron a descubrir las delicadezas armónicas y melódicas de sus trabajos.

El Jorge Philipp Telemann era el compositor instrumental más famoso de su tiempo, y masivo prolific— incluso por los estándares de una edad donde los compositores tuvieron que producir volúmenes grandes de música. Su positions&mdash más importante dos; director de la música en el Francfort en 1712 y en el director 1721 de la música del Johanneum en el &mdash de Hamburgo ; required él para componer la música vocal e instrumental para los contextos seculares y sagrados. Él compuso dos ciclos completos de la cantata para los servicios de domingo, así como oratorios sagrados. Telemann también fundó un periódico que publicó nueva música, mucho de él de Telemann. Esta difusión de la música le hizo a compositor con una audiencia internacional, según lo evidenciado por su viaje acertado al París en 1731. Algunos de sus trabajos más finos eran en los 1750s y los 1760s, cuando el estilo barroco era substituido por estilos más simples pero era popular en ese entonces y luego. Entre éstos trabaja tarde son " Der Tod Jesu" (" La muerte de Jesus") 1755, " Morir Donner-Ode" (" La oda de Thunder") 1756, " Morir el und Himmelfahrt Jesu" de Auferstehung; (" La resurrección y la ascensión de Jesus") and" 1760; DES Gerichts" de la etiqueta de Der; (" El día de Judgement") 1762

Influencia en música posterior

Transición a la era clásica (1740– 1780)

La fase entre la últimas era clásica temprana barrocas y, con su mezcla amplia de ideas y de tentativas competentes de unificar las diversas demandas del gusto, de la economía y del " worldview", va por muchos nombres. A veces se llama " Galant ", " Rococo", o " pre-Classical", o en otras veces, " Classical" temprano;. Es un período donde estaban todavía acertados los compositores todavía que trabajaban en el estilo barroco, si pensó a veces en como siendo más del pasado que el present— Bach, Handel y Telemann compuestos todo bien más allá del punto en el cual el estilo homophonic está claramente en el antepasado. La cultura musical fue cogida en encrucijada: los amos del más viejo estilo tenían la técnica, pero el público tenido hambre del nuevo. Éste es uno Carl Philipp Manuel de las razones que Bach fue sostenido en tal muy buen concepto: él entendía las más viejas formas absolutamente bien y sabía presentarlas en nuevo atuendo, con una variedad realzada de forma; él entró lejos en el reacondicionamiento de las más viejas formas del Barroco.

La práctica de la era barroca era el estándar contra el cual la nueva composición fue medida, y vino ser una división entre los trabajos sagrados, que celebraron más de cerca al estilo barroco de secular o del " profane" trabaja, que estaban en el nuevo estilo.

Especialmente en los países católicos de Central Europe, el estilo barroco continuó siendo representado en música sagrada a través del final del siglo XVIII, en mucho la manera que el antico del montante del del renacimiento continuo para vivir en la música sagrada del siglo XVII temprano. Las masas y los oratorios Joseph Haydn y Wolfgang Amadeus Mozart, mientras que son clásicos en su orquestación y ornamentación, tienen muchas características barrocas en su ser la base de la estructura contrapuntal y armónica. La declinación del Barroco consideró a varias tentativas de mezclar viejas y nuevas técnicas, y a muchos compositores que continuaron cortando a las más viejas formas bien en los 1780s. Muchas ciudades en Alemania continuaron manteniendo prácticas del funcionamiento del Barroco en los 1790s, incluyendo Leipzig, en donde J. Bach trabajó en el final de su vida.

En Inglaterra, el renombre que aguantaba de Handel aseguró el éxito Charles Avison, Guillermo Boyce, y del &mdash de Thomas Arne ; entre el otro imitators&mdash realizado; bien en los 1780s, que compitieron junto a Mozart y a Bach. En Europa continental, sin embargo, era considerado una manera de escritura pasada de moda y era un requisito para la graduación del número que brotaba de los invernaderos de la música, y reservado de otra manera solamente para el uso en trabajos sagrados.

Después de 1760

Porque la música barroca era la base para la pedagogía, conservó una influencia estilística incluso después había dejado de ser el estilo dominante de componer o de la fabricación de la música. Incluso durante la práctica barroca bajó de uso, continuó siendo parte de la notación musical. En el siglo XIX temprano, las cuentas por los amos barrocos fueron impresas en la edición completa, y ésta llevó a un interés renovado en el " style" terminante; del contrapunto, como entonces fue llamado. Con renacimiento de s de Mendelssohn Felix el 'de la música coral de Bach, el estilo barroco se convirtió en una influencia con el siglo XIX como modelo de la pureza académica y formal. A través del siglo XIX, la fuga en el estilo de Bach llevó a cabo la influencia enorme para los compositores como un estándar para aspirar a y forma a incluir en trabajos instrumentales serios.

En el vigésimo siglo, el Barroco fue nombrado como período, y su música comenzó a ser estudiada. La forma y la práctica barrocas influenciaron a compositores tan diversos como el Arnold Schoenberg, el Reger máximo, el Igor Stravinsky y el Béla Bartók . Había también un renacimiento de los compositores barrocos medios tales como Purcell y Corelli.

Hay varios casos de los pedazos contemporáneos que son publicados como " rediscovered" Obras maestras barrocas. Algunos ejemplos de esto incluyen un concierto de la viola escrito por el Enrique Casadesus pero atribuido a Handel, tan bien como varios pedazos atribuidos por el Fritz Kreisler a las figuras menos conocidas del Barroco tales como Cayetano Pugnani y Padre Martini . Hoy, hay una base muy activa de los compositores que escriben trabajos exclusivamente en el estilo barroco, un ejemplo que es Jorge Pacchioni .

Los varios trabajos se han etiquetado " " Neo-Barroco ; para un foco en polyphony imitativo, incluyendo los trabajos Giacinto Scelsi, Paul Hindemith, Paul Creston y Martinů, aunque no están en el estilo barroco apropiado. Los musicólogos intentaron terminar varios trabajos del Barroco, especialmente de Bach el arte de la fuga . Porque el estilo barroco es un punto de la referencia reconocido, implicando no sólo música, pero un período particular y una manera social, los pedazos labrados barrocos se crean a veces para los medios, tales como película y televisión. El de Peter Schickele del compositor parodia estilos clásicos y barrocos de bajo PDQ Bach del nombre de pluma.

La práctica barroca del funcionamiento tenía una influencia renovada con la subida de " Authentic" o el informó históricamente al funcionamiento en el último vigésimo siglo. Los textos por el Quantz y el Leopold Mozart entre otros, formado la base para los funcionamientos que intentaron recuperar algunos de los aspectos del mundo barroco de los sonidos, incluyendo uno en un funcionamiento de la pieza de trabajos por Bach, uso de las secuencias de la tripa algo que el metal, reconstruyeron el uso de los clavicordios de más viejos técnicas y estilos que jugaban. Varios conjuntos populares adoptaron algunas o todos estas técnicas, incluyendo el 4 anónimos, la academia de antiguo Handel de la música, de Boston y de la sociedad de Haydn, de la academia de St. Martin en los artes Florissants de Les de los campos, de Guillermo Christie y otros. Este movimiento entonces intentó aplicar algunos de los mismos métodos a clásico e incluso al funcionamiento romántico temprano de la era.

Jazz

El estilo barroco de la música comparte muchas concordancias con el jazz . Además de los pequeños conjuntos que la mayoría de los pedazos barrocos fueron pensados para (durante ese tiempo no había manera factible de generar a una orquesta de 100 pedazos), similares a un cuarteto del jazz, la mayoría de los pedazos barrocos utilizaron una variedad la improvisación en la partición del ejecutante. Un fondo muy sólido de la teoría fue requerido entender que el calculara el bajo, un método notational para que los teclistas completen y embellezcan una línea baja. La mayoría de la música barroca empleó calculó el bajo, y por lo tanto no hay funcionamientos de dos Barroco-eras del mismo pedazo exactamente semejantes.

El aspecto más similar de la música barroca y de la música de jazz es la improvisación del instrumento del plomo. Por ejemplo, en los pedazos a solas vocales más barrocos, hay dos versos. El pedazo se juega/se canta a través una vez, derecho a través, y después jugado una segunda vez, donde el vocalista improvisará los ornamentos, las notas de tolerancia y los tonos no armónicos. Sin embargo, en contraste con jazz, ni se altera el ritmo original ni las notas originales/melodía. En lugar, él se añade con la improvisación algo que cambiado con la improvisación.

¡Michelangelo DA Caravaggio, practicó un estilo terroso con las figuras realistas con una sensación dramática del primer. Las esculturas barrocas, tales como Glan Lorenzo, trabajaron sobre todo en mármol diseñando esculturas. Diseñaron las fuentes, los altarpieces, los bustos del retrato, y los pedazos libres. Tenían un tema realista y un sentido de teatro sobre ellos. Los musians barrocos, tales como George F. Handel, hicieron su música dramática y mundana. La música barroca fue relacionada algo con la corte-vida y la iglesia, también. -->

Ver también

Lista de los compositores barrocos
Neo-barroco
Poste-Barroco
Hendrik Bouman, una escritura contemporánea del compositor en estilo barroco.

Zenithic

Middletown-Town of Wallkill (Metro-North station)

Random links:

Pantalla azul de la muerte | Condado de Kiowa, Oklahoma | La península Hong Kong | Juan Sainfleur | Partido Comunista del país valenciano - marxista revolucionario