La música medieval del término abarca la música europea escrita durante las Edades Medias . Esta era comienza con la caída del imperio romano (ANUNCIO 476) y de extremos en aproximadamente el centro del siglo XV. El establecimiento del final de la era medieval y del principio del renacimiento es obviamente el arbitrario; 1400 se utiliza aquí.

Descripción

Estilos y tendencias

La única música medieval que puede ser estudiada es la que fue anotada, y sobrevivido. Desde crear los manuscritos musicales era muy costoso, debido al costo del pergamino, y la enorme cantidad de tiempo necesaria para que un escribano lo copie todo traga, sólo las instituciones ricas podían crear los manuscritos que han sobrevivido al actual tiempo. Estas instituciones incluyeron generalmente a la iglesia y a instituciones de la iglesia, tales como monasterios ; una cierta música secular, así como música sagrada, también fue preservada por estas instituciones. Estos manuscritos de la supervivencia no reflejan mucha de la música popular del tiempo. Al principio de la era, la música notated se presume para ser el monofónico y el Homorhythmic con qué aparece ser un unísono cantado el texto y ninguna ayuda instrumental notated. La notación medieval anterior no tenía ninguna manera de especificar ritmo, aunque las notaciones de Neumatic dieran ideas claras de la redacción, y notaciones algo posteriores indicaron los modos rítmicos

La simplicidad del canto, con voz del unísono y la declamación natural, es la más común. La notación del Polyphony se convierte, y la asunción es que las prácticas polifónicas formalizadas primero se presentaron en este período. La armonía, en intervalos de acuerdo de quintos perfectos, los unísonos, octavas, (y más adelante, cuartos perfectos) comienza a notated. La notación rítmica permite interacciones complejas entre las líneas vocales múltiples en una manera repetible. El uso de los textos múltiples y de la notación del acompañamiento instrumental se convirtió para el final de la era.

Instrumentos

Los instrumentos usados para realizar música medieval todavía existen, aunque en diversas formas. La flauta fue hecha una vez de la madera algo que la plata o el otro metal, y se podía hacer como instrumento lado-soplado o fin-soplado. El registrador, por una parte, más o menos ha conservado su última forma. El Gemshorn es similar al registrador en tener agujeros de dedo en su frente, aunque es realmente un miembro de la familia de Ocarina . Uno de los precursores de la flauta, la flauta de la cacerola, era popular en épocas medievales, y está posiblemente de origen helénico . Las pipas de este instrumento fueron hechas de la madera, y graduadas en longitud para producir diversas echadas.

La música medieval utiliza muchos instrumentos desplumados de la secuencia, tales como laúd, Mandora, Gittern y salterio . Los dulcimers similares en estructura al salterio y a la cítara, fueron desplumados original, pero se pegaron en el siglo XIV, después de la llegada de la nueva tecnología que hizo secuencias del metal posibles. El Hurdy-gurdy era (y sigue siendo) un violín mecánico usar una rueda de madera rosined atada a una manivela al " bow" sus secuencias. Los instrumentos sin las cajas de sonidos tales como la arpa del judío eran también populares en el tiempo. Las versiones tempranas del órgano, del violín (o Vielle ), y del Trombone (llamado el Sackbut ) existieron también.

Géneros

En esta era, la música era el sagrado y el secular, aunque casi ninguna música secular temprana haya sobrevivido, y desde que la notación era un desarrollo relativamente último, reconstrucción de esta música, especialmente antes del siglo XII, es actual una cuestión de conjetura (véase el funcionamiento auténtico ).

Teoría y notación

En la teoría de la música, este período consideró varios avances sobre práctica anterior, sobre todo en el concepto y la notación del ritmo. Previamente, la música fue organizada rítmicamente en " el desea " de ; y " quot de los breves ; (es decir " shorts"), aunque a menudo sin cualquie diferenciación regular clara entre la cual deba ser utilizado. El teórico más famoso de la música de la primera mitad del siglo XIII, Juan de Garlandia, era el autor del musica (cerca de 1240), el tratado de De mensurabili del en el cual definió y aclaró lo más totalmente posible los modos rítmicos un sistema notational para el ritmo cuál de seis patrones posibles fue denotado por una sucesión particular de las nota-formas (organizadas en qué se llama " quot de las ligaduras ;). Seguiría habiendo la línea melódica, una vez que tuviera su modo, generalmente en ella, aunque los ajustes rítmicos se podrían indicar por los cambios en el patrón previsto de ligaduras, incluso al grado del cambio a otro modo rítmico. Un teórico alemán de un período levemente posterior, Franco de Colonia, era el primer para describir un sistema de notación en el cual las notas diverso shaped tienen valores rítmicos enteramente diversos (en el ARS Cantus Mensurabilis del de aproximadamente 1260), una innovación que tenía un impacto masivo en la historia subsecuente de la música europea. La mayor parte de la música notated supervivencia del siglo XIII utiliza los modos rítmicos según lo definido por Garlandia.

El Felipe de Vitry es el más famoso de la historia de la música para escribir la Nova (1322), un tratado del ARS en la música que dio su nombre a la música de la era entera. Sus contribuciones a la notación, particularmente notación del ritmo, eran particularmente importantes, y hecho posible la música libre y absolutamente compleja de los cientos años próximos. En cierto modo el sistema moderno de notación rítmica comenzó con Vitry, que se rompió libremente de la más vieja idea de los modos rítmicos, los patrones rítmicos del cortocircuito que fueron repetidos sin individualmente el distinción. Los precursores notational de los metros del tiempos modernos también originan en la Nova del ARS del ; para Franco, un breve (para una breve explicación de la notación mensural ver generalmente la música del renacimiento del artículo) había igualado tres semibreves (es decir, a medias breves) (en la ocasión, dos, localmente y con cierto contexto; casi siempre, sin embargo, estos dos semibreves eran uno de la longitud normal y una de doble longitud, de tal modo tomando el mismo espacio del tiempo), y la misma división ternaria se sostuvo para todos los valores de nota más grandes y más pequeños. Antes la Nova del ARS del, el breve se podía pre-dividir, para una composición o una sección entera de uno, en los grupos de dos o tres semibreves más pequeños por medio de un " muestra de la medición, " equivalente a nuestro " moderno; tiempo signature." Esta manera, el " tempus" (denotando la división del breve, que alcanzó en última instancia la misma primacía sobre la estructura rítmica que nuestro " moderno; measure") podía ser cualquier " perfeccionar, " con la subdivisión ternaria, o el " imperfecto, " con la subdivisión binaria. El perfectus de Tempus del fue indicado por un círculo, mientras que el imperfectus de Tempus del fue denotado por un semi-círculo (nuestro " actual; C" pues un suplente para la firma de tiempo de 4/4 es realmente un mantenimiento de esta práctica, no una abreviatura para el " time" común;, según lo creído popular). En una manera similar, el semibreve se podía alternadamente dividir en el " tres; minima" o " minims quot; (perfectus del prolatio o prolation importante) o dos (el imperfectus del prolatio del o prolation de menor importancia) y, en el de alto nivel, el desea en tres o dos breves (perfectus del modo o modo perfecto, o el imperfectus del modo del o el modo imperfecto respectivamente).

Para la duración del período medieval, la mayoría de la música sería compuesta sobre todo en Tempus perfecto, con los efectos especiales creados por las secciones de Tempus imperfecto; hay una gran controversia actual entre musicólogos si tales secciones fueron realizadas con un breve de la longitud igual o si cambió, y si es así en qué proporción. En los trabajos alto sincopados del subtilior del ARS, diversas voces de la misma composición serían escritas a veces en diversas firmas de Tempus simultáneamente.

Muchos eruditos, citando una carencia de la evidencia attributory positiva, ahora consideran el " Vitry's" el tratado a ser anónimo, sino éste no disminuye su importancia para la historia de la notación rítmica. El primer erudito definitivamente identificable para aceptar y para explicar el sistema mensural era el Juan de Muris (DES Marte de Jehan), que se puede decir para haber hecho para él qué Garlandia hizo para los modos rítmicos.

Para los teóricos medievales específicos de la música, ver también: Isidoro de Sevilla, Aurelian de Réôme, Odo de Cluny, Guido de Arezzo, Hermannus Contractus, Juan Cotto (Juan Afflighemensis), Juan de Muris, Franco de Colonia, Juan de Garlandia (Juan Gallicus), IV anónimo, Marchetto DA Padua (Marchettus de Padua), Jacques de Liège, Juan de Grocheo, Petrus de Cruce (Pedro de la Croix), y Felipe de Vitry .

Música medieval temprana (antes de 1150)

Tradiciones tempranas del canto

El canto (o el plainsong) es una forma sagrada monofónica que representa la música sabida más temprana de la iglesia cristiana. La tradición judía de la sinagoga de los salmos del canto era una influencia fuerte en cantar cristiano.

El canto se convirtió por separado en varios centros europeos. El más importantes eran Roma, España, el Gaul, Milano, y Irlanda . Estos cantos todos fueron desarrollados para apoyar las liturgias regionales usadas al celebrar la masa allí. Cada área desarrolló sus propios cantos y reglas para la celebración. En España, el canto mozárabe fue utilizado y demuestra la influencia de la música africana del norte . La liturgia mozárabe incluso sobrevivida con regla musulmán, aunque ésta era un filamento aislado y esta música fue suprimida más adelante en un intento por hacer cumplir conformidad en la liturgia entera. En Milano, el canto Ambrosian, nombrado después de St. Ambrose, era el estándar, mientras que el canto de Beneventan se convirtió alrededor Benevento, otro centro litúrgico italiano. El canto Gallican fue utilizado en Gaul, y el canto céltico en Irlanda y Gran Bretaña.

Alrededor de ANUNCIO 1011, la iglesia católica romana quiso estandardizar la masa y cantar. En este tiempo, Roma era el centro religioso de Europa occidental, y París era el centro político. El esfuerzo de estandardización consistió principalmente en combinar estas dos (el romano y el Gallican) liturgias regionales. Este cuerpo del canto se conocía como canto gregoriano. Por el los 12mos décimotercero siglos de y, el canto gregoriano había reemplazado el resto de tradiciones occidentales del canto, a excepción del canto Ambrosian en Milano, y el canto mozárabe en algunas capillas españolas especialmente señaladas.

Canto gregoriano de

Canto gregoriano

Polyphony temprano: organum

Alrededor del final del siglo IX, los cantantes en monasterios tales como rozadura del St. en el Suiza comenzaron a experimentar con el adición de otra pieza al canto, generalmente una voz en el movimiento paralelo, cantando en sobre todo los cuartos perfectos o los quintos con la consonancia original (véase el intervalo ). Este desarrollo se llama Organum, y representa los principios de la armonía y, en última instancia, del contrapunto . Durante los varios siglos próximos el organum se convirtió de varias maneras.

El más significativo era la creación del " organum" florido; alrededor 1100, conocido a veces como la escuela de St. marcial (nombrado después de un monasterio en Francia south-central, que contiene el manuscrito mejor-preservado de este repertorio). En " organum" florido; la consonancia original sería cantada en notas largas mientras que una voz de acompañamiento cantaría muchas notas a cada una de la original, a menudo en una manera alto elaborada, todo el rato que acentúa las consonancias perfectas (cuartos, quintos y octavas) como en los métodos anteriores. Los últimos desarrollos del organum ocurrieron en Inglaterra, en donde el intervalo tercer fue favorecido particularmente, y donde los métodos fueron improvisados probablemente contra una melodía existente del canto, y en el Notre Dame en París, que era ser el centro de la actividad creativa musical a través del siglo XIII.

Mucha de la música a partir del período medieval temprano es el anónimo. Algunos de los nombres pudieron haber sido los poetas y los escritores líricos, y las consonancias para quienes ellas escribieron las palabras se pudieron haber compuesto por otras. La atribución de música monofónica del período medieval no es siempre confiable. Los manuscritos de la supervivencia a partir de este período incluyen el Musica Enchiriadis, códice Calixtinus Santiago de Compostela, y Winchester Troper .

Para la información sobre los compositores o los poetas específicos que escriben durante el período medieval temprano, ver papa Gregorio I, St. Godric, el Hildegard de Bingen, el Hucbald, el Notker Balbulus, el Odo de Arezzo, el Odo de Cluny, y el Tutilo .

Drama litúrgico artículo principal del del de

: Drama litúrgico Otra tradición musical de Europa que originaba durante las Edades Medias tempranas era el drama litúrgico . En su forma original, puede representar una supervivencia del drama romano con las historias cristianas - principalmente el evangelio, la pasión, y las vidas de los santos - injertadas encendido. Cada parte de Europa tenía cierta clase de tradición del drama musical o semi-musical en las Edades Medias, implicando la actuación, el discurso, el canto y el acompañamiento instrumental en una cierta combinación. Estos dramas fueron realizados probablemente por los agentes y los músicos que viajaban. Muchos se han preservado suficientemente para permitir la reconstrucción y el funcionamiento modernos (por ejemplo el juego de Daniel, que se ha registrado recientemente).

Goliards

El Goliards era poeta-músicos ambulantes de Europa del décima al centro del siglo XIII. La mayoría eran eruditos o los eclesiásticos y ellos escribieron y cantaron en latín. Aunque muchos de los poemas hayan sobrevivido, muy poco de la música tiene. Eran posiblemente &mdash influyente; incluso decisivo tan — en el trovador - tradición de Trouvère que era seguir. La mayor parte de su poesía es secular y, mientras que algunas de las canciones celebran ideales religiosos, otras son franco profanas, ocupándose de embriaguez, de libertinaje y de libertinaje.

Alta música medieval (1150-1300)

Antiqua del ARS del

El florecimiento de la escuela de Notre Dame del polyphony alrededor 1150 al 1250 correspondió a los logros igualmente impresionantes en la arquitectura gótica : el centro de la actividad estaba de hecho en la catedral Notre Dame sí mismo. A veces la música de este período se llama la escuela parisiense, u organum parisiense, y representa el principio de qué se conoce convencionalmente como antiqua del ARS. Éste era el período en el cual la notación rítmica primero apareció en música occidental, principalmente un método contexto-basado de la notación rítmica conocido como los modos rítmicos

Éste era también el período en el cual los conceptos de estructura formal se convirtieron que eran atentos proporciónar, la textura, y efecto arquitectónico. Compositores del organum florido y discant alterno período (más nota-contra-nota, en comparación con la sucesión de los melismas de la mucho-nota contra las notas desde hace mucho tiempo encontradas en el tipo florido), y creado varias nuevas formas musicales: El Clausulae que eran secciones de Melismatic de métodos extrajo y cupo con nuevas palabras y fomenta la elaboración musical; Conductus, que era una canción para que uno o más voces sean cantadas rítmicamente, muy probablemente en una procesión de una cierta clase; y tropes, que eran cambios de cantos más viejos con nuevas palabras y a veces nueva música. Todos estos géneros excepto uno fueron basados sobre canto; es decir, una de las voces, (generalmente tres, aunque a veces cuatro) casi siempre lo más bajo posible (el tenor a este punto) cantadas una melodía del canto, aunque con las nota-longitudes libremente compuestas, sobre las cuales las otras voces cantaron organum. La excepción a este método era el conductus, una composición de la dos-voz que fue compuesta libremente en su totalidad.

El Motet, una de las formas musicales más importantes de las altas Edades Medias y renacimiento, desarrolladas inicialmente durante el período de Notre Dame fuera del clausula, especialmente la forma usar voces múltiples según lo elaborado por el Pérotin, que pavimentó la manera para esto particularmente substituyendo muchos de su (como canon de la catedral) clausulae floridos muy largos de s de Léonin precursor los 'con los substitutos en un estilo discant. Gradualmente, vino ser libros enteros de estos substitutos, disponibles ser cabido dentro y fuera de los varios cantos. Puesto que, de hecho, había más que puede haber sido utilizado posiblemente en contexto, es probable que los clausulae vinieron ser realizados independiente, o en otras partes de la masa, o en dedicaciones privadas. Los clausulae, así practicado, se convirtieron en el motet cuando troped con palabras no-litúrgicas, y fueron convertidos más a fondo en una forma de grandes elaboración, sofisticación y delicadeza en el siglo XIV, el período de la Nova del ARS del .

Los manuscritos de la supervivencia a partir de esta era incluyen el códice Montpellier, el códice Bamberg, y el códice de musical Las Huelgas del EL.

Los compositores de este tiempo incluyen el Léonin, el Pérotin, el W. de Wycombe, el Adán de St. Victor, y el Petrus de Cruce (Pedro de la Croix). Petrus se acredita con la innovación de escribir más de tres semibreves para caber la longitud de un breve. Viniendo antes de la innovación de Tempus imperfecto, esta práctica innagurated la era de qué ahora se llaman " Petronian" motets. Estos últimos trabajos del siglo XIII son adentro tres, a veces cuatro, piezas y tienen textos múltiples cantados simultáneamente. Estos textos pueden ser sagrados o seculares en tema, y con latino y el francés mezclados. El motet de Petronian es un género alto complejo, dado su mezcla de varios breves del semibreve con modos rítmicos y a veces (con el aumento de frecuencia) substitución de las canciones seculares para el canto en el tenor. De hecho, la complejidad rítmica cada vez mayor sería una característica fundamental del siglo XIV, aunque música en Francia, Italia, e Inglaterra tomaría trayectorias absolutamente diversas durante ese tiempo.

Trovadores y trouvères

La música de los trovadores y Trouvères era una tradición vernácula de la canción secular monofónica, acompañada probablemente por los instrumentos, cantados por el profesional, de vez en cuando itinerant, los músicos que eran tan expertos como los poetas pues eran cantantes e instrumentalists. La lengua de los trovadores era el Occitan (también conocido como el d'oc de Langue, o Provençal ); la lengua de los trouvères era viejo francés (también conocido como d'oil de Langue). El período de los trovadores correspondió al florecimiento de la vida cultural en el Provence que duró con el siglo XII y en la primera década del décimotercera. Los temas típicos de la canción del trovador eran la guerra, el código de caballería y el amor cortés . El período de los trovadores terminó precipitadamente con la cruzada, la campaña feroz de Albigensian de papa Innocent III para eliminar la herejía del Cathar (y el deseo de los barones norteños de apropiarse de la abundancia del sur). Los trovadores supervivientes fueron a España, a Italia norteña o a Francia norteña (donde vivió la tradición del trouvère encendido), donde sus habilidades y las técnicas contribuyeron a los últimos desarrollos de la cultura musical secular en esos lugares.

La música de los trouvères era similar a la de los trovadores, pero podía sobrevivir en el siglo XIII inafectado por la cruzada de Albigensian. La mayor parte de las más de dos mil canciones del trouvère de la supervivencia incluyen música, y demuestran una sofisticación tan grande como la de la poesía que acompaña.

La tradición de Minnesinger era las contrapartes germánicas a la actividad de los trovadores y de los trouvères al oeste. Desafortunadamente, pocas fuentes sobreviven a partir del tiempo; las fuentes de Minnesang son sobre todo a partir de dos o tres siglos después del pico del movimiento, llevando a una cierta controversia sobre su exactitud.

Para la información sobre los compositores específicos que escriben música secular en era medieval media, ver el Berenguier de Palou, el Arnaut Daniel (uno de los poetas más finos de la edad, además de ser un compositor), el Giraut de Bornelh, el Marcabru, el Peire Cardenal, el período de calma de Raymond, el Bernart de Ventadorn, el Bertran de Born ( Dante ), el Jaufré Rudel, el Alfonso X del Castile, el Wolfram von Eschenbach, el Walther von der Vogelweide, y el Niedhart von Reuenthal .

Compositores del del centro y de la última era medieval

Última música medieval (1300-1400)

Francia: Nova del ARS del

El principio de la Nova del ARS es una de las pocas divisiones cronológicas limpias en música medieval, puesto que corresponde a la publicación Roman de Fauvel, una compilación enorme de la poesía y música del, en el 1310 y el 1314 . El Roman de Fauvel es una sátira en abusos en la iglesia medieval, y se llena de los motets medievales, de los Rondeaux de Lais y de otras nuevas formas seculares. Mientras que la mayor parte de la música es anónima, contiene varios pedazos al lado Felipe de Vitry, uno de los primeros compositores del motet de Isorhythmic, un desarrollo que distinga el siglo XIV. El motet isorhythmic fue perfeccionado por el Guillermo de Machaut, el compositor más fino del tiempo.

Durante la era de la Nova del ARS del, la música secular adquirió una sofisticación polifónica encontrada antes solamente en la música sagrada, un desarrollo no asombrosamente en vista del carácter secular del renacimiento temprano (y él debe ser observado que mientras que esta música se considera típicamente ser " medieval", las fuerzas sociales que lo produjeron eran responsables del principio del renacimiento literario y artístico en la distinción de Italia- entre las Edades Medias y del renacimiento son borroso, especialmente considerando artes tan diferentes como música y pintándolos). El " del término; " de la Nova del ARS del ; (nuevo arte, o nueva técnica) fue acuñado por Felipe de Vitry en su tratado de ese nombre (escrito probablemente en 1322), para distinguir la práctica de la música inmediatamente antes de la edad.

El género secular dominante de la Nova del ARS era el Chanson del, a medida que continuaría estando en Francia por otros dos siglos. Estos chansons fueron compuestos en las formas musicales que correspondían a la poesía que fijaron, que estaban en los arreglos supuestos de Formes del rondeau del, del ballade del, y del virelai del . Estas formas afectaron perceptiblemente al desarrollo de la estructura musical de las maneras que se sienten incluso hoy; por ejemplo, el rima-esquema de los ouvert-clos del compartido por los tres exigió una realización musical que contribuyó directo a la noción moderna de frases antecedentes y consiguientes. Era en este período, también, en el cual comenzó la larga tradición de fijar la masa ordinaria. Esta tradición comenzó alrededor de mediados de siglo con los ajustes aislados o apareados de Kyries, de Glorias, del etc., pero el Machaut compuso cuál es probablemente la primera masa completa concebida como una composición. El mundo de los sonidos de la música de la Nova del ARS es mucho uno de primacía linear y de complejidad rítmica. " Resting" los intervalos son el quinto y la octava, con los terceros y los sextos considerados las disonancias. Los saltos más que un sexto en voces individuales no son infrecuentes, llevando a la especulación de la participación instrumental por lo menos en funcionamiento secular.

Los manuscritos franceses de la supervivencia incluyen el códice de Ivrea y el códice de Apartamento.

Para la información sobre los compositores franceses específicos que escriben en última era medieval, ver el Jehan de Lescurel, el Felipe de Vitry, el Guillermo de Machaut, el Borlet, el Solage, y el François Andrieu .

Italia: Trecento artículo principal del del de

: Música del Trecento La mayor parte de la música de la Nova del ARS del era francesa en origen; sin embargo, el término a menudo se aplica libremente a toda la música del siglo XIV, para incluir especialmente la música secular en Italia. Allí este período fue referido a menudo como Trecento del .

La música italiana tiene siempre, parece, sabido para su carácter lírico o melódico, y ésta vuelve al siglo XIV en muchos aspectos. La música secular italiana de este tiempo (qué poca música litúrgica de la supervivencia hay, es similar al francés a excepción de la notación algo diferente) ofreció qué se ha llamado el estilo del cantalina del, con una voz superior florida apoyada por dos (o aún uno; una cantidad justa de música italiana de Trecento está para solamente dos voces) que sean una mudanza más regular y más lenta. Este tipo de textura seguía siendo una característica de la música italiana en el décimo quinto popular y de los géneros seculares del siglo XVI también, y era una influencia importante en el desarrollo eventual de la textura del trío que revolucionó música en la 17ma.

Había tres formas principales para los trabajos seculares en el Trecento. Uno era el madrigal, no igual que eso 150-250 años de más tarde, pero con un verso/refrenar-como forma. la Tres-línea estrofas, cada uno con diversas palabras, alternó con una dos-línea Ritornello del, con el mismo texto en cada aspecto. Quizás podemos ver las semillas del tarde-Renacimiento subsecuente y del ritornello barroco en este dispositivo; vuelve también repetidas veces, reconocible cada vez, al contrario de sus secciones dispares de alrededor. Otra forma, el caccia (" del ; persecución, ") fue escrito para dos voces en un canon en el unísono. A veces, esta forma también ofreció un ritornello, que estaba de vez en cuando también en un estilo canónico. Generalmente, el nombre de este género proporcionó un significado doble, puesto que los textos del caccia eran sobre todo alrededor cazas y actividades al aire libre relacionadas, o por lo menos escenas acción-llenadas. La tercera forma principal era el ballata del, que era áspero equivalente al virelai francés del .

Los manuscritos italianos de la supervivencia incluyen el códice de Squarcialupi y el códice de Rossi.

Para la información sobre los compositores italianos específicos que escriben en la última era medieval, ver al Francisco Landini, al Gherardello DA Firenze, al Andrea DA Firenze, al Lorenzo DA Firenze, al Pablo DA Firenze (Pablo Tenorista), al Juan DA Firenze (aka Juan DA Cascia), al Bartolino DA Padua, a Bolonia de Jacopo DA, al Donato DA Cascia, al Lorenzo Masini, al Niccolò DA Perugia, y a maestro Piero .

Alemania: Geisslerlieder

El Geisslerlieder era las canciones de vendas que vagaban de los flagelantes que intentaron apaciguir la cólera de dios enojado por la música penitencial acompañada por la mortificación de sus cuerpos. Había dos períodos separados de actividad de Geisslerlied: uno alrededor del centro del siglo XIII, de el cual, desafortunadamente, ninguna música sobrevive (aunque lo hacen las líricas numerosas); y otros a partir de 1349, para el cual las palabras y la música sobreviven intacto debido a la atención de un solo sacerdote que escribió sobre el movimiento y registró su música. Estas segundas partes corresponden a la extensión de la muerte negra en Europa, y a los documentos uno de los acontecimientos más terribles en historia europea. Ambos períodos de actividad de Geisslerlied estaban principalmente en Alemania.

Había polyphony también Francés-influenciado escrito en áreas alemanas en este tiempo, pero era algo menos sofisticado que sus modelos. En la imparcialidad a los compositores sobre todo anónimos de este repertorio, sin embargo, la mayor parte de los manuscritos de la supervivencia parecen haber sido copiados con incompetencia extrema, y se llenan de los errores que hacen una evaluación verdadero cuidadosa de la calidad de la música imposible.

Subtilior del ARS del manierismo y del

Considerado tan a menudo en el final de cualquier era musical, el final de la era medieval es marcado por un estilo alto manneristic conocido como el subtilior del ARS. En cierto modo, esto era una tentativa de meld los estilos franceses e italianos. Esta música era alto estilizada, con una complejidad rítmica que no fue emparejada hasta el vigésimo siglo. De hecho, no sólo estaba la complejidad rítmica de este repertorio en gran parte incomparable para cinco y los medios siglos, con syncopations extremos, mañosidad mensural, e incluso ejemplos Augenmusik del (tal como un chanson por el Baude Cordier puesto en escrito en manuscrito en la forma de un corazón), pero también su material melódico era absolutamente complejo también, particularmente en su interacción con las estructuras rítmicas. Se ha discutido ya debajo de la Nova del ARS la práctica del isorhythm, que continuó convirtiéndose con tarde-siglo y de hecho no alcanzó su grado más alto de sofisticación hasta temprano adentro el siglo XV. En vez de usar técnicas isorhythmic en uno o dos voces, o de negociarlas entre voces, algunos trabajos vinieron ofrecer una textura isorhythmic de impregnación que rivaliza el serialism integral del vigésimo siglo en su ordenar sistemática de elementos rítmicos y tonales. El " del término; mannerism" fue aplicado por eruditos posteriores, como está a menudo, en respuesta a una impresión de sofisticación que era practicada para su propio motivo, una enfermedad que algunos autores tienen fieltro infectado el subtilior del ARS del .

Una de las fuentes existantes más importantes de chansons del ARS Subtilior es el códice de Chantilly.

Para la información sobre los compositores específicos que escriben música en estilo del subtilior del ARS, ver el Anthonello de Caserta, el Philippus de Caserta (aka Philipoctus de Caserta), el Ciconia de Juan, el Matteo DA Perugia, el Lorenzo DA Firenze, la mueca, el Jacob Senleches, y el Baude Cordier .

Transitioning al renacimiento

La demarcación del final de la era medieval y del principio del renacimiento, en lo que respecta a la composición de la música, es problemática. Mientras que la música del siglo XIV es bastante obviamente medieval en el concepto, la música del siglo XV temprano se concibe a menudo como perteneciendo a un período transitorio, no sólo conservando algunos de los ideales del final de las Edades Medias (tales como un tipo de escritura polifónica en el cual las piezas diferencien extensamente de uno a en carácter, como cada uno tiene su función de textura específica), pero también demostrando algunos de los rasgos característicos del renacimiento (tales como el estilo internacional que se convierte con la difusión de músicos Franco-Flamencos en Europa, y en términos de textura una igualdad cada vez mayor de piezas). El renacimiento comenzó temprano en Italia, pero la innovación musical allí se retrasó lejos detrás de la de Francia y de Inglaterra; el renacimiento vino tarde a Inglaterra, pero la innovación musical allí estaba delante de Europa continental.

Los historiadores de la música no están de acuerdo con cuando la era del renacimiento comenzó, pero la mayoría de los historiadores convienen que Inglaterra seguía siendo una sociedad medieval en el siglo XV temprano (véase una discusión de las ediciones del periodization de las Edades Medias). Mientras que no hay consenso, 1400 es un marcador útil, porque era alrededor de ese tiempo que el renacimiento entró en el oscilación completo en el Italia .

La confianza cada vez mayor en el intervalo del tercero como consonancia es una de las características más pronunciadas de la transición en el renacimiento. El Polyphony, funcionando desde el siglo XII, llegó a ser cada vez más elaborado con voces alto independientes a través del siglo XIV. Con el Juan Dunstaple y otros compositores ingleses, con la técnica local faburden en parte (un proceso improvisatory en el cual una melodía del canto y los sextos escritos de una parte predominante paralelamente sobre él son adornados por uno cantados en cuartos perfectos debajo de estes 3ultimo, y el cual tomó más adelante el asimiento en el continente como " fauxbordon"), el intervalo del tercero emerge como desarrollo musical importante; debido a este Contenance Angloise (" del ; Countenance" inglés;), La música de los compositores ingleses se mira a menudo como los primeros para sonar menos verdadero extraña a las audiencias modernas, unschooled. Las tendencias estilísticas inglesas a este respecto habían venido a la fruición y comenzaron a influenciar a compositores continentales desde el 1420s, como puede ser visto en trabajos joven Dufay, entre otros. Mientras que el cientos guerras de años continuó, los nobles ingleses, los ejércitos, sus capillas y retinues, y por lo tanto algunos de sus compositores, viajado en Francia y realizado su música allí; debe también por supuesto ser recordado que las porciones controladas inglesas de Francia norteña en este tiempo.

Los manuscritos ingleses incluyen los fragmentos de Worcester, el libro de música viejo del St. Andrews, el manuscrito viejo de Pasillo, y el manuscrito de Egerton.

Para la información sobre los compositores específicos que se consideran transitorios entre el medieval y el renacimiento, ver el Roy Henry, el Arnold de Lantins, la energía de Leonel, el Juan Dunstaple, el Guillermo Dufay, y el Gil Binchois .

Lectura adicional

Ardis Butterfield. Poesía y música del en Francia medieval . Prensa de la Universidad de Cambridge
Hoppin, música medieval del de Richard H.
McKinnon, James, ed. Antigüedad y las Edades Medias del . Acantilados de Englewood, NJ: Prentice Pasillo, 1990. la notación de la música medieval . Londres: Faber y Faber, 1957. Música del en las Edades Medias . Música del en el mundo medieval . Acantilados de Englewood, NJ: Prentice Pasillo, 1965. Música del en Europa medieval . Río superior de la silla de montar, NJ: Prentice Pasillo, 1989.

Estudio y formación profesional

El Schola Cantorum Basiliensis, universidad para la vieja música en el Basilea, Suiza, proporciona solamente a tiempo completo el curso de estudio práctico mundial para la música de las Edades Medias. Una formación profesional de dos años para los músicos se ofrece en el Burg Fürsteneck de la academia en el Alemania .

Ver también

Lista de los compositores medievales .
Lista de los conjuntos tempranos de la música.
Castillo - localización de Bauska del festival de música medieval.

Zenithic

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