El " de la expresión; " romántico de la música ; y el " de la frase de Polyseme ; " romántico de la música ; tener dos esencialmente diversos significados.

El primer, " música romántica, " se utiliza en lenguaje común libremente para indicar cualquier clase de música, de cualquier edad o procedencia lo que, supuesta por un usuario de la frase particularmente para expresar, o tendiendo a animar, de emociones blandas de la atracción personal íntima, del accesorio, o del " love." Si la música así que descrito es realmente eficaz de esa manera es inaplicable; la frase vernácula es tan inestable e inexacta en su significado como es el complejo de las emociones humanas a las cuales se refiere.

Contrastingly, " Music" romántico; es un término más técnico que refiere a un período particular, a una teoría, a una práctica compositiva, y a un canon en historia europea de la música. Solamente algo de " Romantic" la música es " romántico; " y solamente una parte de menor importancia de " romantic" la música es " Romantic."

La era de la música romántica se define en este artículo como el período de música clásica europeo que funcione áspero 1820 al 1910, así como la música escrita según las normas y los estilos de ese período. El período romántico fue precedido por el período clásico, y seguido por el período modernista .

La música romántica se relaciona con el romanticismo en la literatura, los artes visuales, y filosofía, aunque los plazos convencionales usados en musicología son muy diferentes de sus contrapartes en los otros artes, que definen el " romantic" como funcionando a partir de los 1780s al 1840s . El movimiento romántico sostuvo que no toda la verdad se podría deducir de los axiomas que había realidades ineludibles en el mundo que se podría alcanzar solamente con la emoción, la sensación y la intuición. La música romántica luchó para aumentar la expresión y la energía emocionales de describir estas verdades más profundas, mientras que preservaba o aún extiende las estructuras formales a partir del período clásico.

Tendencias del siglo XIX

Lengua musical

Los teóricos de la música de esta era establecieron el concepto de la tonalidad para describir el vocabulario armónico heredado los períodos clásicos barrocos de y . Los compositores intentaron fundir el planeamiento armónico estructural grande demostrado por amos anteriores tales como Bach, Haydn, Mozart, y Beethoven con otras innovaciones cromáticas, para alcanzar mayores fluidez y contraste, y cubrir las necesidades de trabajos más largos. El Chromaticism creció más variado, al igual que las disonancias y su resolución. Los compositores modulado a las llaves cada vez más alejadas, y su música prepararon a menudo a oyente menos para estas modulaciones que la música de la era clásica. A veces, en vez de un acorde del pivote, una nota del pivote fue utilizada. Las características del séptimas disminuido y los acordes relacionados, que facilitan la modulación a muchas llaves, también fueron explotados extensivamente. Los compositores tales como Beethoven y, más adelante, Richard Wagner ampliaron la lengua armónica con los acordes anterior-inusitados, o progresiones innovadoras del acorde. Mucho se ha escrito, por ejemplo, sobre el acorde de Tristan de Wagner, encontró cerca de la abertura del und Isolda de Tristan, y de su función armónica exacta.

Música analogized algunos compositores a la poesía y sus estructuras rapsódicas y narrativas, mientras que crea una base más sistemática para componer y la ejecución de la música de concierto. Los teóricos de la música de esta era codificaron prácticas anteriores, tales como la forma de la sonata, mientras que los compositores las ampliaron. Había un foco cada vez mayor en las melodías y los temas así como una explosión en la composición de las canciones el énfasis en melodía encontraron la expresión en el uso cada vez más extenso de la forma cíclica, que era un dispositivo unifying importante para algunos de los pedazos más largos que llegaron a ser comunes durante el período.

El mayor elusiveness y fluidez armónica, las melodías más largas, el poesis como la base de la expresión, y el uso de inspiraciones literarias eran todo el presente antes de este período. Sin embargo, algunos compositores del período romántico los adoptaron como la búsqueda central de la música sí mismo. Avances tecnológicos, incluyendo un aumento en la gama y la energía del piano y la proyección cromática mejorada del capacidad y mayor de los instrumentos de la orquesta sinfónica influenciaron a los compositores también.

Influencias Non-musical

Una de las controversias que rabiaron con este período era la relación de la música a los textos o a las fuentes externos. Mientras que la música de programa era común antes del siglo XIX, el conflicto entre la inspiración formal y externa se convirtió en una edición estética importante para algunos compositores.

Durante Symphonie Fantastique de s de Berlioz Hector 1830s el extenso el ', que fue presentado con un texto del programa, hizo muchos críticos y académico coger sus plumas. Prominente entre los detractores era el François-José Fétis, el jefe del invernadero nuevo-fundado de Bruselas, que declaró que el trabajo era " no music". El Roberto Schumann defendió el trabajo, pero no el programa, decir que los malos títulos no lastimarían buena música, sino que los buenos títulos no podrían ahorrar un mán trabajo. El Francisco Liszt era uno de los defensores prominentes de la inspiración adicional-musical.

Esta grieta creció, con las polémicas entregadas de ambos lados. Para los partidarios del " absolute" la música, perfección formal se basó sobre la expresión musical que obedece los diagramas esquemáticos colocados en trabajos previos, especialmente la forma de la sonata entonces siendo codificado. A los adherentes de la música de programa, la expresión rapsódica de la poesía o un poco de otro texto externo estaba, sí mismo, una forma. Sostuvieron eso para que el artista traiga su vida en un trabajo, la forma deben seguir la narrativa. Los lados utilizaron Beethoven como la inspiración y justificación. La grieta fue ejemplificada por el conflicto entre los seguidores Johannes Brahms y Richard Wagner : Los discípulos de Brahms lo tomaron para ser un pináculo de la música absoluta, mientras que Wagnerites puso su fe en el " poético; substance" formar el flujo armónico y melódico de su música.

Los ejemplos de la música inspiraron por literario y las fuentes artísticas incluyen la sinfonía de Faust de de Liszt, la sinfonía de Dante, sus poemas sinfónicos y su Annees de Pelerinage del, la sinfonía de Manfred de de Tchaikovsky, la sinfonía de primer de Mahler (basada en el titán nuevo del ), y los poemas de tono Richard Strauss . Material incluido de Schubert de su Lieder en algunos de sus trabajos extendidos, y otros, tales como Liszt, arias transcritas de la ópera y canciones para el funcionamiento instrumental a solas.

ópera del siglo XIX

En ópera, las formas para los números individuales que habían sido establecidos en ópera clásica y barroca fueron utilizadas más libremente. Para el momento en que las óperas de de Wagner fueran realizadas, los Recitatives de los estribillos de las arias y los pedazos del conjunto a menudo no pueden fácilmente ser distinguidos de uno a en la música continua, por-compuesta.

La declinación Castrati llevó al papel determinante heroico en muchas óperas que eran atribuidas a la voz del tenor . El estribillo fue dado a menudo un papel más importante.

En Francia, las óperas tales como Carmen del de s de Bizet 'son típicas, pero hacia el final del período romántico, la ópera de Verismo llegó a ser popular, particularmente en Italia. Representó realista, algo que histórico o mitológico, los temas.

Nacionalismo artículo principal del del de

: Nacionalismo musical

La importancia cada vez mayor del nacionalismo como fuerza política en el siglo XIX fue reflejada en la música y los otros artes. Muchos compositores expresaron su nacionalismo incorporando los elementos únicos a sus culturas nativas, tales como canción popular, danzas, e historias legendarias. Además de estos elementos exteriores, había una diversificación cada vez mayor de la lengua musical, como elementos usados los compositores del ritmo, de la melodía, y de la modalidad característica de sus naciones respectivas.

Muchos compositores escribieron música nacionalista, especialmente hacia el centro y el final del siglo XIX. óperas de s de Glinka Mikhail las 'por ejemplo, están en los temas específicamente rusos, mientras que Bedřich Smetana y Antonín Dvořák ambos ritmos y temas usados de danzas populares y de canciones checas . Tarde en el siglo XIX, el Jean Sibelius escribió la música basada en la epopeya finlandesa, el Kalevala del y su pedazo “Finlandia” se convirtió en un símbolo del nacionalismo finlandés. Chopin escribió en formas como el polonaise y la mazurca, de que fue derivada de música tradicional polaca. Muchos compositores rusos, por ejemplo Balakirev, Cui, Borodin, Rimsky-Korsakov compartieron el sueño común para escribir la música que fue inspirada por la música tradicional rusa.

Las características principales de la música romántica

Una libertad en forma y diseño; una expresión personal más intensa de la emoción en la cual la fantasía, la imaginación y una búsqueda para la aventura juegan a partes importantes.
Énfasis en lírico, melodías Songlike ; modulación adventurera ; armonías más ricas, a menudo cromático, con el uso llamativo Dischords
Texturas más densas, más pesadas con los contrastes dramáticos en negrilla, explorando una gama más amplia de la echada, dinámica y tono-colores.
Extensión de la orquesta, a veces a las proporciones gigantescas; la invención del sistema de la válvula lleva al desarrollo de la sección de cobre amarillo cuya peso y energía domina a menudo la textura.
La variedad rica de tipos de pedazo, extendiéndose de canciones y de piano bastante corto junta las piezas a los sondeos musicales enormes con las estructuras muy largas de la duración con clímax dramáticos y dinámicos espectaculares.
Acoplamientos más cercanos con otros artes llevan a un interés más afilado en la música de programa (sinfonía del programa, poema sinfónico, insinuación del concierto).
La forma y la unidad trajeron a los trabajos muy largos por medio de los temas que se repetían (transformados/desarrollados a veces): Fixe ( Berlioz ), transformaciones temáticas ( Liszt ), principal-motivo ( Wagner ), tema de Idée del lema.
Mayor virtuosismo técnico - especialmente de pianistas y de violinistas.
Nacionalismo : reacción contra influencias del alemán de los compositores de otros países (especialmente Rusia, Bohemia, Noruega).

Cronología

Raíces clásicas (1780-1815)

En literatura, el período romántico se lleva a menudo el comienzo en los 1770s o los 1780s Alemania con el movimiento conocido como und Drang (" de Sturm; tormenta y struggle") atendido por un mayor respeto para Shakespeare y el home run, y para las sagas populares, es genuino o el Ossian . Afectó a escritores incluyendo el Goethe y el Schiller, mientras que en las quemaduras de Roberto de Escocia comenzó a establecer música tradicional. Este movimiento literario se refleja en la música de compositores contemporáneos, incluyendo las sinfonías supuestas alemanas de Drang del und de Sturm de las óperas de Mozart, del de Haydn, las líricas que los compositores (particularmente Schubert) eligieron para su Lieder, y un aumento gradual en la violencia de la emoción que la música expresó. Mientras la mayoría de los compositores confiaran en real o cortejen patrocinio, su oportunidad de enganchar a " romanticismo y revolt" era limitado. Los apuros de Mozart en la prohibición de su la unión de Figaro como revolucionario son un ejemplo.

El romanticismo extrajo su sustancia formal fundamental de las estructuras de la práctica clásica. La ejecución de estándares mejoró durante la era clásica con el establecimiento de realizar a grupos de músicos profesionales. El papel del chromaticism y de la ambigüedad armónica se convirtió durante la era clásica. Todos los compositores clásicos importantes utilizaron ambigüedad armónica, y la técnica de la mudanza rápido entre diversas llaves. Uno de los ejemplos más famosos es el " chaos" armónico; en la abertura de Haydn la creación, en la cual el compositor evita establecer un " home" llave en absoluto.

Por el 1810s, el uso del chromaticism y de la llave de menor importancia, y el deseo de trasladarse a llaves alejadas para dar a música una gama más profunda, fueron combinados con un mayor alcance operístico. Mientras que Beethoven sería mirado más adelante como la figura central en este movimiento, era compositores tales como Clementi y Spohr que representaron el gusto contemporáneo en la incorporación de notas más cromáticas en su material temático. Había una tensión entre el deseo para un " más expresivo; color" y el deseo para la estructura clásica. Una respuesta estaba en el campo de la ópera, donde los textos podrían proporcionar la estructura en la ausencia de modelos formales. ETA Hoffman se conoce principalmente como crítico hoy en día, pero su ondina de la ópera 1814 era una innovación musical radical. Otra respuesta a la tensión entre la estructura y la expresión emocional estaba en formas musicales más cortas, incluyendo la novela unas tales como el Nocturne .

Romántico temprano (1815-1850)

Por la segunda década del siglo XIX, el cambio hacia nuevas fuentes de inspiración musical, junto con un chromaticism cada vez mayor en melodía y una armonía más expresiva, se convirtió en un cambio estilístico palpable. Las fuerzas que eran la base de este cambio eran no sólo musicales, pero económicas, políticas y sociales. Una nueva generación de compositores emergió en Europa poste-Napoleónica, entre la cual estaban el Beethoven, el Luis Spohr, el ETA Hoffman, el Carl Maria von Weber y el Francisco Schubert .

Estos compositores crecieron en medio de la extensión dramática de la vida pública del concierto durante el último décimo octavo y de los diecinueveavo siglos tempranos, que formó en parte sus estilos y expectativas subsecuentes. Beethoven era extremadamente influyente como entre los primeros compositores para trabajar independiente algo que siendo empleado a tiempo completo por un patrón real o eclesiástico. Las melodías cromáticas Muzio Clementi y los trabajos operísticos stirring Rossini, Cherubini y Méhul, también tenían una influencia. El ajuste de la poesía y de las canciones populares para la voz y el piano, servir un mercado creciente de los hogares de la clase media en donde sentía bien la música-fabricación privada a partes esenciales de vida doméstica, también se convertía en una fuente de ingresos importante para los compositores.

Los trabajos de este grupo de Romantics temprano incluyen los ciclos de la canción y las sinfonías posteriores de Francisco Schubert, y las óperas de Weber, particularmente Oberon del, Der Freischütz del y Euryanthe del . El trabajo de Schubert encontró a audiencias contemporáneas limitadas, y tenía solamente gradualmente un impacto más amplio. En cambio, las composiciones del campo de Juan llegaron a ser rápidamente bien conocidas, en parte porque él tenía un regalo para crear el pequeño " characteristic" formas y danzas del piano.

Los compositores Temprano-Románticos de una generación levemente posterior incluyeron el Francisco Liszt, el Felix Mendelssohn, el Frédéric Chopin, y el Hector Berlioz . Todos nacieron en el siglo XIX, y trabajos producidos del valor duradero temprano en sus carreras. Mendelssohn era particularmente precoz, y escribió dos cuartetos de la secuencia, un octeto de la secuencia, y música de orquesta antes incluso de dejar sus adolescencias. Chopin se centró en las composiciones para el piano. Berlioz rompió las nuevas bases en su orquestación, y con su programatic Symphonie Fantastique de las sinfonías y el Harold en Italia, estes 3ultimo basados en peregrinaje de Childe Harold de s de Byron '.

Qué ahora se etiqueta " Opera" romántico; se estableció aproximadamente este tiempo, con una conexión fuerte entre París e Italia norteña. La combinación de virtuosismo de orquesta francés, de líneas vocales de Italianate y de llamarada dramática, junto con los textos extraídos de la literatura cada vez más popular, estableció una norma de la expresión emocional que continúa dominando la etapa operística. El trabajo Bellini y Donizetti era inmenso popular en este tiempo.

Conciertos del virtuoso (o " recitals", como fueron llamados por Francisco Liszt) llegó a ser inmenso popular. Este fenómeno fue iniciado por el Niccolò Paganini, el virtuoso famoso del violín. El decreto del piano del virtuoso llegó a ser particularmente popular, e incluyó a menudo improvisaciones en temas populares, y el funcionamiento de composiciones más cortas así como trabajos más largos tales como las sonatas de Beethoven y de Mozart. Uno de los exponentes más prominentes de Beethoven era el Clara Wieck, que casado posterior Roberto Schumann . El aumento en el recorrido, facilitado por el carril y más adelante por el buque de vapor, creó a audiencias internacionales para viajar virtuosi del piano tales como Liszt, Chopin y el Thalberg . Los conciertos y los decretos fueron promovidos como acontecimientos significativos. Tal era también el caso con otros instrumentos que el piano tal como la arpa. La mejor ilustración se puede encontrar con el francés popular y excéntrico Nicolás Bochsa del compositor y del arpista que viajó la mayor parte de su vida que daba centenares de " de la arpa; recitals" y conciertos.

Durante el últimos 1830s y 1840s, la música de la expresión romántica llegó a estar generalmente aceptada, incluso esperado. La música de Roberto Schumann, Giacomo Meyerbeer y el joven Giuseppe Verdi continuó las tendencias. " Romanticism" no era, sin embargo, el único, o aún el dominante, estilo de la música que hacía en ese entonces. Un estilo posclásico ejemplificado por el conservatorio de París, tan bien como música de la corte, todavía dominó programas del concierto. Esto comenzó a cambiar con la subida de realizar a instituciones, a lo largo de las líneas de la sociedad filarmónica de Londres fundado en 1813. Tales instituciones promovieron a menudo las estaciones regulares del concierto, una tendencia promovida por Felix Mendelssohn entre otros. El escuchar la música vino ser aceptado como vida-aumento, casi religioso, experiencia. El contrato del público en la música del tiempo puso en contraste con las maneras menos formales de conciertos en el período clásico, donde la música había sido promovida a menudo como diversión del fondo.

También en 1830s y 1840s el Richard Wagner produjo sus primeras óperas acertadas. Él estuvo a favor de un concepto radical ampliado del " drama" musical;. Un hombre que se describieron como revolucionario, y que estaba en apuro constante con los acreedores y las autoridades, él comenzó a recolectar alrededor de él a un cuerpo de músicos semejantes, incluyendo Francisco Liszt, que se dedicó a hacer el " Música del Future."

El romanticismo literario terminó en el 1848, con las revoluciones de ese año que marcaba un momento crucial en el humor de Europa. Con la subida de realismo, así como las muertes de Paganini, el retiro de Mendelssohn y de Schumann, y de Liszt del funcionamiento público, opiniones alteró de donde el filo en endecha de la música y del arte.

Última era romántica (1850-1910)

Mientras que el siglo XIX se trasladó a su segunda mitad, muchos cambios sociales, políticos y económicos fijados en el movimiento en el período poste-Napoleónico llegaron a ser atrincherados. Los ferrocarriles y el telégrafo eléctrico limitan el mundo europeo siempre más cercano juntos. El nacionalismo que había sido una tensión importante de la música romántica temprana del siglo XIX se formalizó por medios políticos y lingüísticos. La literatura para las clases medias se convirtió en la norma de publicación, incluyendo la subida de la novela como la forma literaria primaria.

En los 50 años anteriores de innovaciones numerosas en la instrumentación, incluyendo la acción de piano doble de la escarpa, el instrumento de viento valved, y el resto de barbilla para los violines y los violas, eran no más novedades pero requisitos. El aumento espectacular en la educación musical trajo a audiencia sofisticada más ancha inmóvil, y muchos compositores se aprovecharon de la mayor regularidad de la vida del concierto, y de los mayores recursos financieros y técnicos disponibles. Estos cambios trajeron una extensión en el número escarpado de sinfonías, de concerti y de " poems" del tono; cuáles fueron compuestos, y el número de funcionamientos en las estaciones de la ópera en París, Londres e Italia. El establecimiento de invernaderos y de universidades también creó los centros donde los músicos podrían forjar carreras de enseñanza estables, algo que confiando en su propio espíritu emprendedor.

Durante este último período romántico, algunos compositores crearon los estilos y las formas asociados a sus culturas populares nacionales. La noción que había " German" y " Italian" los estilos habían sido establecidos de largo en la escritura en música, pero el siglo de fines del siglo diecinueve consideró la subida de un estilo ruso nacionalista ( Glinka, Mussorgsky, Rimsky-Korsakov, Tchaikovsky y Borodin ), y también estilos nacionalistas checos, finlandeses y franceses de la composición. Algunos compositores eran expreso nacionalistas en sus objetivos, intentando volver a descubrir la identidad nacional de su país frente a la ocupación o a la opresión, al igual que por ejemplo el Bedřich Smetana de los bohemios y el Antonín Dvořák, y el finlandés Jean Sibelius .

Romanticismo en el vigésimo siglo

Muchos compositores nacidos en el siglo XIX continuaron componiendo en un estilo romántico bien en el vigésimo siglo, tal como Richard Strauss . Además, muchos compositores que serían identificados más adelante como modernists musicales compusieron trabajos en estilos románticos temprano en su carrera, incluyendo el Igor Stravinsky con su ballet de Firebird, Arnold Schoenberg con el Gurrelieder del, y el Béla Bartók con el castillo del Bluebeard.

El vocabulario y la estructura de la música del siglo de fines del siglo diecinueve no eran ninguna reliquia mera; los compositores incluyendo el Rafael Vaughan Williams, el Erich Wolfgang Korngold, el Berthold Goldschmidt y el Sergei Prokofiev continuaron componiendo trabajos en estilos reconocible románticos después 1950 . Mientras que las nuevas tendencias tales como neo-classicism y música atonal desafiaron la superioridad del estilo romántico, el deseo de utilizar un vocabulario cromático tonal-centrado seguía siendo presente en trabajos importantes. El peluquero de Samuel, el Benjamin Britten, el Gustavo Holst, el Dmitri Shostakovich, el Malcolm Arnold y el Arnold Bax extrajeron con frecuencia de romanticismo musical en sus trabajos, y no se consideraban pasados de moda.

El romanticismo musical alcanzó un nadir retórico y artístico alrededor 1960 : parecía como si el futuro ponga con estilos de la vanguardia de la composición, o con el neo-classicism de una cierta clase. Mientras que Hindemith se movió de nuevo a un estilo más reconocible arraigado en romanticismo, la mayoría de los compositores se movieron en la otra dirección. Solamente en la jerarquía académica conservadora de la URSS y de la China parecía que el romanticismo musical tenía un lugar. Sin embargo, por los últimos años 60 un renacimiento de la música usar la superficie del romanticismo musical comenzó. Los compositores tales como George Rochberg cambiaron de serialism a los modelos extraídos de Gustavo Mahler, un proyecto que lo encontró la compañía del estómago de Nicholas y David Del Tredici . Este movimiento se describe como Neo-Romanticism, e incluye trabajos tales como sinfonía de s primer de Corigliano Juan '.

Otra área donde el estilo romántico ha sobrevivido, e incluso ha prosperado, está en la película que anota . Muchos de los émigres tempranos que se escapaban de Alemania nazi eran los compositores judíos que habían estudiado, o aún estudiado debajo, los discípulos de Gustavo Mahler en Viena. cuenta enorme de s de Steiner máximo la 'para el ido con el viento proporciona un ejemplo del uso de la orquestación wagneriana de los leitmotivs y de Mahlerian. El " Época dorada de Hollywood" la música de película se basó pesadamente sobre el trabajo de compositores tales como Korngold y Steiner así como el Francisco Waxman y el Alfred Newman . La generación siguiente de compositores de la película, tales como Alex del norte, Juan Barry, Elmer Bernstein, orfebre de Jerry, Ennio Morricone y Juan Williams dibujó en esta tradición para escribir algo de la música de orquesta más familiar del último vigésimo siglo.

Ver también

Lista de los compositores románticos

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Zenithic

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