La música es una forma del arte que consiste en el el silencio sano de y. Los elementos del sonido en música son la echada (que gobierna la melodía y la armonía ), ritmo (y su tempo asociado de los conceptos, metro, y articulación ), dinámica, estructura, y las calidades acústicas del timbre y texture .
La creación, el funcionamiento, la significación, e incluso el que la definición de la música varía según cultura y contexto social. La música se extiende de las composiciones terminantemente organizadas (y de su reconstrucción en funcionamiento), con música improvisational a las formas de Aleatoric . La música se puede dividir en los géneros y los secundario-géneros, aunque las líneas divisorias y las relaciones entre los géneros de la música sean a menudo sutiles, a veces abiertas a la interpretación individual, y de vez en cuando polémicas. Dentro de " el " de los artes ;, la música se puede clasificar como un arte interpretativa, una bella arte, o forma de arte auditiva.
La música puede también implicar las formas generativas a tiempo a través de la construcción de los patrones y de las combinaciones de estímulos naturales, principalmente sonido. La música se puede utilizar para el artístico o el estético, el comunicativo, los propósitos de la hospitalidad, ceremonial o religioso, y por muchos compositores puramente como instrumento académico para el estudio.
Historia
considera también: Historia la música La historia de la música precede la palabra escrita. El desarrollo de la música entre seres humanos debe haber ocurrido contra el contexto de los sonidos naturales tal como birdsong y de los sonidos el otro uso de los animales de comunicar. La música prehistórica es el nombre dado a toda la música producida en culturas preliterate.
Antiguo
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antiguo de la música Una gama de sitios paleolíticos ha rendido los huesos en los cuales se han perforado los agujeros laterales: éstos se identifican generalmente como flautas, sopladas en un extremo como el japonés Shakuhachi . Los expedientes escritos más tempranos de la expresión musical deben ser encontrados en el Sama Veda la India y en 4.000 años cuneiformes Ur . Los instrumentos, tales como la flauta siete-agujereada y los varios tipos de instrumentos encadenados se han recuperado de los sitios arqueológicos de la civilización del valle de Indus. La India tiene una de las más viejas tradiciones musicales en el world— las referencias a la música clásica india (marga ) se pueden encontrar en las escrituras antiguas de la tradición hindú, el Vedas . La música del arte tradicional o de la corte China tiene una historia el estirar por más de tres mil años. La música era partes importantes de vida cultural y social en el Grecia antigua : los estribillos del mezclado-género se realizaron para la hospitalidad, la celebración y las ceremonias espirituales; los músicos y los cantantes tenían un papel destacado en el teatro del griego clásico; la música era parte de la educación básica de los niños. 950) escribió un libro notable en el al-Kabir titulado música (" del al-Musiqi de Kitab; Gran libro de Music"). Él tocó e inventó una variedad de instrumentos musicales e ideó el sistema de tono árabe de organización de la echada, que todavía se utiliza en la música árabe .
Medieval y renacimiento Europa
considera también: Música medieval,
l de la música del renacimiento Mientras que es musical la vida en Europa era indudable rica en la era medieval temprano, según lo atestiguado por pinturas artísticas de instrumentos, de escrituras sobre música, y de otros expedientes, el único repertorio europeo de el cual ha sobrevivido antes de que cerca de 800 sea el litúrgico monofónico Plainsong de la iglesia católica romana, la tradición central cuyo fue llamado el canto gregoriano . Varias escuelas del Polyphony litúrgico prosperaron en el período después alrededor 1100 . Junto a estas tradiciones de la música sagrada, una tradición vibrante de la canción secular se convirtió, ejemplificado por la música Trouvères de los trovadores y Minnesänger .
Mucha de la música de la supervivencia del siglo XIV Europa es secular. Por el centro del siglo XV, los compositores y los cantantes utilizaron un polyphony liso para las composiciones musicales sagradas tales como la masa, el Motet, y el Laude, y las formas seculares tales como el Chanson y el madrigal. La introducción de la impresión comercial tenía una influencia inmensa en la difusión de estilos musicales.
Barroco europeo
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barroco de la música Las primeras óperas, escritas alrededor 1600 y la subida de música contrapuntal definen el final del renacimiento y el principio de la era barroca que duró hasta áspero 1750, el año de la muerte Johann Sebastian Bach . Los compositores barrocos alemanes escribieron para los pequeños conjuntos incluyendo las secuencias, el latón, y los Woodwinds tan bien como los coros, el órgano de pipa, el clavicordio, y el clavicordio . Durante el período barroco, varias formas importantes de la música fueron definidas que duraron en períodos posteriores en que fueron ampliadas y desarrolladas más lejos, incluyendo la fuga, la invención, la sonata, y el concierto .
Clásico europeo
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clásico del período (música) La música del período clásico es caracterizada por la textura Homophonic, ofreciendo a menudo la melodía prominente con el acompañamiento . Estas nuevas melodías tendieron a estar casi voz-como y singable. La música instrumental popular del now fue dominada por la evolución adicional de las formas musicales definidas inicialmente en el período barroco: la sonata, y el concierto, con la adición de la nueva forma, la sinfonía . El Francisco Joseph Haydn y el Wolfgang Amadeus Mozart, bien conocido incluso hoy, están entre las figuras centrales del período clásico.
Romántico
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romántico de la música El Ludwig Van Beethoven y el Francisco Schubert eran compositores transitorios, llevando en el período romántico, con su extensión de géneros, de formas, y de funciones existentes de la música. En el período romántico, las calidades emocionales y expresivas de la música vinieron tomar precedencia sobre la orientación hacia técnica y la tradición. El siglo de fines del siglo diecinueve consideró una extensión dramática en el tamaño de la orquesta, y en el papel de conciertos como parte de sociedad urbana . Compositores románticos posteriores crearon el complejo y a menudo mucho más de largo los trabajos musicales, combinando y ampliando las formas tradicionales que habían sido utilizadas previamente por separado. Por ejemplo, el contrapunto, combinado con las estructuras armónicas para crear un más extendido chords con el uso creciente de la disonancia y para crear la tensión y la resolución dramáticas.
El vigésimo siglo
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la música del vigésimo siglo
El vigésimo siglo consideró que una revolución en la música que escuchaba como los medios ganados de radio del renombre y tecnologías mundiales y nuevos fue desarrollada para registrar, para capturar, para reproducir y para distribuir música. El foco de la música del arte en la vigésima fue caracterizado por la exploración. El Claude Debussy bien conocido y se ha respetado por su orientación hacia colores y pinturas en su estilo compositivo. El Igor Stravinsky, el Arnold Schoenberg, y la jaula de Juan eran compositores todo profundamente influyentes en música del arte del vigésimo siglo. El jazz se desarrolló y se convirtió en un género significativo de la música sobre el curso del vigésimo siglo, y durante la segunda mitad de ese siglo, la música rock y la música de rap hicieron iguales.
Funcionamiento
El funcionamiento es la expresión física de la música. A menudo, se realiza un trabajo musical una vez que su estructura e instrumentación son satisfactorias a sus creador; sin embargo, como consigue realizado cada vez más en un cierto plazo, puede desarrollarse y cambiar en cualquier número de maneras.
Un funcionamiento puede ser ensayado o ser improvisado. La improvisación es una idea musical creada sobre el terreno (por ejemplo una guitarra a solas o un solo del tambor), sin la premeditación anterior, mientras que el ensayo es repetición vigorosa de una idea hasta que haya alcanzado la cohesión. Los músicos agregarán generalmente la improvisación a una idea bien-ensayada de crear un funcionamiento único. Muchas culturas incluyen tradiciones fuertes el funcionamiento a solas de y, por ejemplo en la música clásica india, y en la tradición occidental de la música del arte. Otras culturas, por ejemplo en el Bali, incluyen tradiciones fuertes del funcionamiento del grupo . Todas las culturas incluyen una mezcla de ambos, y el funcionamiento puede extenderse del solo improvisado que juega para su disfrute a planeado alto y los rituales organizados del funcionamiento tales como el clásico moderno conciertan, los festivales de música de las procesiones o las competiciones de música religiosos
La música de compartimiento, que es música para un pequeño conjunto con solamente algunos de cada tipo de instrumento, se considera a menudo mientras que más intimate que el sinfónico trabaja. Un ejecutante puede ser referido como músico.
Tradición aural
Muchos tipos de música, tales como azules tradicionales y gente fueron preservados original en la memoria de ejecutantes, y las canciones fueron dadas abajo oral, o aural (" por el ear"). Cuando conocen al compositor de la música no más, esta música se clasifica a menudo como " traditional". Diversas tradiciones musicales tienen diversas actitudes hacia cómo y donde realizar cambios al material de fuente original, de absolutamente terminante, a los que exijan la improvisación o la modificación a la música. La historia también es pasada por el oído con la canción por ejemplo en sociedades africanas.
Ornamentación
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l ornamento (música) El detalle incluido explícitamente en la notación de música varía entre los géneros y los períodos históricos. La notación de música del arte del 17ma al siglo XIX requirió generalmente a través a ejecutantes tener mucho de conocimiento del contexto sobre la ejecución de estilos.
Por ejemplo, en el 17mo y el siglo XVIII, la música notated para los ejecutantes a solas indicó típicamente una melodía simple, unornamented. Sin embargo, se esperaba que los ejecutantes sepan agregar los ornamentos estilístico-apropiados tales como trills y vueltas. En el siglo XIX, la música del arte para los ejecutantes a solas puede dar una instrucción general por ejemplo de realizar la música expresivo, sin la descripción detalladamente cómo el ejecutante debe hacer esto. Se esperaba que el ejecutante sepa utilizar cambios, la acentuación, y pausas del tempo (entre otros dispositivos) para obtener este " expressive" estilo del funcionamiento. En el vigésimo siglo, la notación de música del arte llegó a ser a menudo más explícita, y utilizó una gama de marcas y de anotaciones para indicar a los ejecutantes cómo deben jugar o cantar el pedazo.
En música popular y jazz, la notación de música indica casi siempre solamente el marco básico de la melodía, de la armonía, o del acercamiento del funcionamiento; se espera que a los músicos y a los cantantes sepan las convenciones y los estilos del funcionamiento asociados a los géneros y a los pedazos específicos. Por ejemplo, el " sheet" del plomo; para el jazz una consonancia puede indicar solamente la melodía y los cambios del acorde. Se espera que a los ejecutantes en el conjunto del jazz sepan al " out" de la carne; esta estructura básica agregando los ornamentos, música improvisada, y el acompañamiento acorde.
Producción
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la producción de la música La música se compone y se realiza para muchos propósitos, extendiéndose de propósitos estéticos del placer, religiosos o ceremoniales, o como producto de la hospitalidad para el mercado. Los músicos aficionados componen y realizan la música para su propio placer, y no intentan derivar su renta de música. Una gama de instituciones y las organizaciones, incluyendo fuerzas armadas de arma emplean a los músicos profesionales, las iglesias y las sinagogas, las orquestas sinfónicas, la difusión o las compañías de la producción de la película, y las escuelas de música. También, los músicos profesionales trabajan como freelancers, contratos que buscan y contratos en una variedad de ajustes.
Aunque los músicos aficionados diferencien de músicos profesionales en ese los músicos aficionados tener una fuente de ingresos non-musical, hay a menudo muchos acoplamientos entre los músicos aficionados y profesionales. Los músicos aficionados que comienzan toman lecciones con los músicos profesionales. En ajustes de la comunidad, los músicos aficionados avanzados se realizan con los músicos profesionales en una variedad de conjuntos y las orquestas. En algunos casos raros, los músicos aficionados logran un nivel profesional de capacidad, y pueden realizarse en ajustes profesionales del funcionamiento.
Una distinción se hace a menudo entre la música realizada en.beneficio de una audiencia viva y la música se realiza que con el fin siendo registrado y distribuido a través del sistema de la venta al por menor de la música o del sistema de radiodifusión. Sin embargo, hay también muchos casos donde un funcionamiento vivo delante de una audiencia se registra y se distribuye (o difusión).
Composición
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la composición musical Clasificamos a menudo el " composition" como la creación y la grabación de la música vía un medio por el cual otros pueden interpretarlo (es decir papel o sonido). Muchas culturas utilizan por lo menos la parte del concepto de preconcebir el material musical, o la composición, según lo sostenido en música clásica occidental. Incluso cuando la música notated exacto, todavía hay muchas decisiones que un ejecutante tiene que tomar. El proceso de un ejecutante que decide a cómo realizar la música que se ha compuesto y notated previamente se llama la interpretación .
Las interpretaciones de diversos ejecutantes de la misma música pueden variar extensamente. Los compositores y los escritores de la canción que presentan su propia música están interpretando, apenas tanto como los que realicen la música de otras o de la música tradicional. Los órganos estándars de las opciones y de las técnicas presentes en un momento dado y de un lugar dado se refieren como práctica del funcionamiento, donde mientras que la interpretación se utiliza generalmente para significar u opciones individuales de un ejecutante, o un aspecto de la música que no está clara, y por lo tanto tiene un " standard" interpretación.
A algunos géneros musicales, tales como jazz y azules, aún más libertad se da al ejecutante para enganchar a la improvisación en un marco melódico, armónico, o rítmico básico. La latitud más grande se da al ejecutante en un estilo de realizar el llamado la improvisación libre, que es material que está espontáneo el " of" del pensamiento; (imaginado) mientras que siendo realizado, el no preconcibió. Según el análisis de Georgiana Costescu, la música improvisada sigue generalmente las convenciones e incluso el " estilísticos o del género; completamente composed" incluye un poco de material libremente elegido (véase el Precompositional ). La composición no significa siempre el uso de la notación, o la única profesión de escritor sabida de un individuo.
La música puede también ser determinada describiendo un " process" cuál puede crear sonidos musicales, los ejemplos de esta gama de los carillones de viento, con los programas de computadora que seleccionan sonidos. La música que contiene los elementos seleccionados por casualidad se llama la música de Aleatoric, y se asocia a los compositores tales como la jaula de Juan, el Morton Feldman, y el Witold Lutosławski .
La composición musical es un término que describe la composición de un pedazo de música. Los métodos de composición varían extensamente a partir de un compositor a otro, no obstante en analizar música todas las formas -- espontáneo, entrenado, o inexperimentado -- se construyen de los elementos que abarcan un pedazo musical. La música se puede componer para el funcionamiento repetido o puede ser improvisado ; compuesto sobre el terreno. La música se puede realizar enteramente de memoria, de un sistema escrito de la notación musical, o de una cierta combinación de ambos. El estudio de la composición ha sido dominado tradicionalmente por la examinación de métodos y la práctica de la música clásica occidental, pero la definición de la composición es bastante amplia incluir trabajos espontáneo libremente improvisados como los de los ejecutantes del jazz y de los baterías africanos .
Cuál es importante en la comprensión la composición de un pedazo está seleccionando sus elementos. Una comprensión de los elementos formales de la música puede ser provechosa en el desciframiento exactamente cómo se construye un pedazo. Un elemento universal de la música es cómo los sonidos ocurren en el tiempo, que se refiere como el ritmo de un pedazo de música.
Cuando un pedazo aparece tener un rato cambiante - sentir, él se considera para ser en el tiempo de Rubato, una expresión italiana que indique que el tempo del pedazo cambia para adaptarse al intento expresivo del ejecutante. Incluso la colocación al azar de sonidos al azar, que ocurre en los montajes musicales, ocurre dentro de una cierta clase del tiempo, y emplea así el tiempo como elemento musical.
Notación
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la notación musical La notación es la expresión escrita de las notas y de los ritmos de la música en el papel usar los símbolos . Cuando se anota la música, las echadas y el ritmo de la música notated, junto con instrucciones en cómo realizar la música. Esto se refiere como notación musical, y el estudio de cómo leer la notación implica la teoría de la música, la armonía, el estudio de la práctica del funcionamiento, y en algunos casos una comprensión de los métodos de funcionamiento históricos. La notación escrita varía con estilo y el período de música. En música occidental del arte, los tipos mas comunes de notación escrita son las cuentas, que incluyen todas las piezas de la música de un pedazo del conjunto, y las partes, que son la notación de música para los ejecutantes individuales o cantantes. En música popular, jazz, y azules, la notación musical estándar es la hoja de plomo, que los notates la melodía, los acordes, las líricas (si es un pedazo vocal), y la estructura de la música. Las cuentas y las piezas también se utilizan en música popular y jazz, particularmente en conjuntos grandes tales como " del jazz; bands." grande;
En música popular, los guitarristas y los bajistas eléctricos leen a menudo la música notated en el tablature, que indica la localización de las notas que se jugarán en el instrumento usar un diagrama del fingerboard de la guitarra o del bajo. Tabulature también fue utilizado en la era barroca a la música del notate para el laúd, un instrumento encadenado, preocupado.
La música de Notated se produce como música de hoja para que a los ejecutantes lean en. Para realizar música de la notación requiere una comprensión del estilo musical y de la práctica del funcionamiento que se asocia a un pedazo de música o de género.
Improvisación
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musical de la improvisación La improvisación es la creación de la música espontánea. La improvisación a menudo es considerada un acto de la composición instantánea por los compositores, con donde las técnicas compositivas se emplean o sin la preparación.
Teoría
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la teoría de la música La teoría de la música abarca a la naturaleza y a mecánicos de la música. Implica a menudo el identificar de los patrones que gobiernan técnicas de de los compositores. En un sentido más detallado, la teoría de la música (en el sistema occidental) también destila y analiza los elementos de la música - ritmo, armonía (función armónica), melodía, estructura, y textura . Conocen a la gente que estudia estas características como teóricos de la música.
Cognición
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la cognición de la música
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la audiencia (sentido)
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l [[psicoacústica]]
El campo de la cognición de la música implica el estudio de muchos aspectos de la música incluyendo cómo es procesado por los oyentes. Algo que aceptando los costumbres de analizar, componiendo, y realizando música como haber dado, mucha investigación en la cognición de la música intenta en lugar de otro destapar los procesos mentales que son la base de estas prácticas. También, la investigación en el campo intenta destapar concordancias entre las tradiciones musicales de culturas dispares y el " cognoscitivo posible; constraints" ese límite estos sistemas musicales. Las preguntas con respecto a calidad de innato musical, y las respuestas emocionales a la música son también campos de investigación importantes en el campo.
Es importante observar que la gente sorda puede experimentar música sintiendo las vibraciones en su cuerpo, un proceso que pueda ser realzado si el individuo lleva a cabo un objeto resonante, hueco. Un músico sordo bien conocido es el Ludwig Van Beethoven del compositor, que compuso muchos trabajos famosos incluso después él había perdido totalmente su audiencia. Los ejemplos recientes de músicos sordos incluyen el Evelyn Glennie, el percussionist aclamado de a alto - que ha sido sordo puesto que la edad de doce, y el dólar, violinista de Chris del virtuoso que ha perdido su audiencia. Esto es relevante pues indica que la música es un proceso cognoscitivo más profundo que frases no examinadas por ejemplo, " agrado al ear" sugeriría. Mucha investigación en las búsquedas de la cognición de la música para destapar estos procesos mentales complejos implicados en escuchar la música, que puede parecer intuitivo simple, con todo es sumamente intrincada y compleja.
Sociología
La música es experimentada por los individuos en una gama de ajustes sociales que se extienden de ser sola a atender un concierto grande. Los funcionamientos musicales toman diversas formas en diversas culturas y entornos socioeconómicos. En Europa y Norteamérica, hay a menudo una divisoria entre qué tipos de música se ven como " alto culture" y " culture." bajo; " Alto culture" los tipos de música incluyen típicamente música occidental del arte tal como sinfonías barrocas, clásicas, románticas, y de la moderno-era, conciertos, y trabajos del solo, y se oyen típicamente en conciertos formales en los salones de conciertos y las iglesias, con la audiencia sentándose reservado en asientos.Por una parte, otros tipos de música tales como jazz, azules, alma, y país se realizan a menudo en barras, clubs nocturnos, y los teatros, en donde la audiencia puede poder beber, bailar, y expresarse animando. Hasta el vigésimo siglo posterior, la división entre el " high" y " low" las formas musicales fueron aceptadas extensamente como distinción válida que hacia fuera separada mejor calidad, un " más avanzado; music" del arte; de los estilos populares de la música oídos en barras y pasillos de danza.
Sin embargo, en los años 80 y los años 90, los musicólogos que estudiaban esto percibieron divisoria entre el " high" y " low" los géneros musicales sostuvieron que esta distinción no está basada en el valor o la calidad musical de los diversos tipos de música. Algo, sostuvieron que esta distinción fue basada en gran parte en la situación socioeconómica o la clase social de los ejecutantes o de la audiencia de los diversos tipos de música. Por ejemplo, mientras que la audiencia para los conciertos clásicos de la sinfonía tiene típicamente rentas superiores a la media, la audiencia para un concierto del rap en un área del centro de la ciudad puede tener rentas inferiores a la media. Aunque los ejecutantes, la audiencia, o el lugar donde non-" art" se realiza la música puede tener un estado socioeconómico más bajo, la música que se realiza, por ejemplo azules, rap, punky, canguelo, o el ska puede ser muy complejo y sofisticado.
Cuando los compositores introducen los estilos de la música que se rompen con la convención, pueden haber una resistencia fuerte de expertos académicos de la música y de la cultura popular. cuartetos de la secuencia de Beethoven del Tarde-período, cuentas del ballet de Stravinsky, Serialism, Bebop - el jazz de la era, el salto hip, el punk rock, y el Electronica todos han sido considerados no-música por algunos críticos cuando primero fueron introducidos.
Tales temas se examinan en la sociología de la música. El estudio sociológico de la música, a veces llamado Sociomusicology, se persigue a menudo en departamentos de sociología, los medios estudian, o música, y son estrechamente vinculados al campo Ethnomusicology .
Medios y tecnología
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la música de computadora La música que los compositores hacen se puede oír con varios medios ; la manera más tradicional es oírla vivir, en la presencia, o como uno de los músicos. La música en directo puede también ser difusión sobre la radio, la televisión o el Internet . Algunos estilos musicales se centran en producir un sonido para un funcionamiento, mientras que otros se centran en producir una grabación que mezcle juntos los sonidos que nunca eran " jugado; live". La registración, incluso de los estilos que son esencialmente vivos, utiliza a menudo la capacidad de corregir y de empalmar a las grabaciones del producto que se consideran mejores que el funcionamiento real.
Mientras que los cuadros que hablaban emergieron en el siglo a principios de siglo 20, con sus pistas musicales previas, un número cada vez mayor de orquesta del moviehouse que los músicos se encontraron sin trabajo. Durante los años 20 viven los funcionamientos musicales de las orquestas, pianistas, y los organistas del teatro que eran comunes en primero-funcionan teatros con venir de las películas que hablan, esos funcionamientos ofrecidos fueron eliminados en gran parte. La federación americana de los músicos sacó los anuncios de periódico que protestaban el reemplazo de músicos vivos con los dispositivos que jugaban mecánicos. Un 1929 anuncios que apareció en la prensa de Pittsburgh ofrecen una imagen de una poder etiquetada " La música enlatada/la marca de fábrica grande del ruido/garantizó para no producir ninguna reacción intelectual o emocional Whatever"
Puesto que la legislación introducida para ayudar a proteger a los ejecutantes, compositores, editores y productores, incluyendo el acto casero audio de la grabación de 1992 en los Estados Unidos, y los 1979 revisó a convención de Berna para la protección de los trabajos literarios y artísticos en el Reino Unido, las grabaciones y los funcionamientos vivos tienen computadoras directas más accesibles también convertidas, dispositivos y el Internet en una forma que se conozca comúnmente como Música-en-exige .
En muchas culturas, hay menos distinción entre la ejecución y escuchar la música, como virtualmente cada uno está implicado en una cierta clase de actividad musical, a menudo comunal. En los países industrializados, escuchando la música a través de una forma registrada, tal como grabación de sonidos o mirando un vídeo musical, llegó a ser más común que experimentando funcionamiento vivo, áspero en el medio del vigésimo siglo.
A veces, los funcionamientos vivos incorporan sonidos previos. Por ejemplo, un disco de las aplicaciones de DJ registra para el que rasguña, y algunos trabajos del vigésimo siglo tienen un solo para un instrumento o lo expresan que se realice junto con la música que es previa sobre una cinta. Las computadoras y muchos teclados se pueden programar para producir y para jugar la música de MIDI . Las audiencias pueden también el hacen ejecutantes de participando en el Karaoke, una actividad del origen japonés que se centra alrededor de un dispositivo que los juegos voz-eliminaron versiones de canciones bien conocidas. La mayoría de las máquinas del Karaoke también tienen pantallas video que demuestren las líricas a las canciones que son realizadas; los ejecutantes pueden seguir las líricas mientras que cantan sobre las pistas instrumentales.
El Internet
El advenimiento del Internet ha transformado grandemente la experiencia de la música, especialmente con la facilidad grandemente creciente con la cual la gente puede tener acceso al contenido de la música y a la opción grandemente creciente de la música accesible. Según Anderson, en su libro, la cola larga: Porqué el futuro del negocio está vendiendo menos de más, él propone que mientras que el modelo económico anterior de la oferta y de la demanda fue basado en escasez, el nuevo modelo del Internet esté basado en abundancia. En contraste con vida real, el espacio en un servidor cuesta al lado nada, así que una compañía puede permitirse hacer su inventario entero disponible. Puesto que casi todo se puede poner en línea, los costumers ahora tienen básicamente opción infinita. Esto rompe el viejo modelo de la oferta y de la demanda porque ahora no hay razón para no hacer productos disponibles que muy pocas personas están interesadas adentro. Y así, ahora hay una tendencia del sentido cada vez mayor de los consumidores de la opción dando por resultado una asociación más cercana entre la opción de escuchar y la identidad así como la creación de millares de lugares.
Otros efectúan el Internet han tenido en música vienen de comunidades en línea como el Youtube y el Myspace . Myspace ha hecho establecimiento de una red social con otros músicos mucho más fácil y facilita grandemente la distribución de su música. Youtube es otro foro que tiene una comunidad grande de músicos aficionados y profesionales que participan en vídeos y el comentario de la fijación. Los músicos profesionales también están utilizando Youtube como libremente la publicación promocional.
Vistos diferentemente, los usuarios de Youtube son no más contentos apenas consumir contento, como la transferencia y escuchar los mp3, pero ahora están creando activamente su propio contenido. Según Tapscott y Williams, ha habido un cambio de un papel tradicional del consumidor a un papel del “prosumer”, consumidor que crea valor y el pozo como consume él. Las manifestaciones de esto en música son la producción de purés, remezclan, y los vídeos musicales por los ventiladores.
Negocio
considera también:
la industria musical La industria musical refiere a la industria del negocio conectada con la creación y la venta de la música. Consiste en las compañías discográficas, las etiquetas y los editores que distribuyen productos de la música registrada internacionalmente y que controlan a menudo las derechas a esos productos. Algunas etiquetas de la música son " independiente, " mientras que otros son subsidiarios de entidades corporativas más grandes o de grupos internacionales de los medios.
Educación
Primario
considera también:
la educación de la música La incorporación del entrenamiento de la música del pre-entrenamiento a la educación postsecundaria es común en Norteamérica y Europa. La implicación en música se piensa para enseñar a habilidades básicas tales como concentración, que cuenta, escuchar, y cooperación mientras que también promueve la comprensión de la lengua, mejora la capacidad a la información de memoria, y creando un ambiente más conducente al aprendizaje en otras áreas. En escuelas primarias, los niños aprenden tocar los instrumentos tales como el registrador, cantan en pequeños coros, y aprenden a menudo sobre la historia de la música occidental del arte. En escuelas secundarias los estudiantes pueden tener la oportunidad de realizar un cierto tipo de conjuntos musicales, tales como coros, bandas, vendas de jazz de las vendas de concierto u orquestas, y en algunos sistemas escolares, las clases de música pueden estar disponibles. Algunos estudiantes también toman las lecciones de música privadas con un profesor. Los músicos aficionados toman típicamente lecciones para aprender rudimentos musicales y a principiante a las técnicas musicales de nivel intermediario.
En el nivel de la universidad, los estudiantes en la mayoría de los artes y los programas de la humanidad pueden recibir el crédito para tomar los cursos de la música, que toman típicamente la forma de un curso de la descripción en la historia de la música, o un curso del aprecio de la música que se centre en escuchar la música y el aprendizaje sobre diversos estilos musicales. Además, las universidades más norteamericanas y más europeas tienen cierto tipo de conjuntos musicales que los estudiantes de la no-música pueden participar en, por ejemplo los coros, las bandas, o las orquestas. El estudio de la música occidental del arte es exterior cada vez más común de Norteamérica y de Europa, tal como STSI en el Bali, o los programas de la música clásica que están disponibles en países asiáticos tales como Sur Corea, Japón, y China. Al mismo tiempo, las universidades y las universidades occidentales están ensanchando su plan de estudios para incluir la música de culturas no occidentales, tales como la música de África o de Bali (e.
Academia
considera también:
la musicología La musicología es el estudio del tema de la música. Las definiciones más tempranas definieron tres subdisciplinas: musicología sistemática del, musicología histórica, y musicología comparativa . En beca contemporánea, uno es más probable encontrar una división de la disciplina en la teoría de la música, la historia de la música, y el Ethnomusicology . La investigación en musicología ha sido enriquecida a menudo por el trabajo cruz-disciplinario, por ejemplo en el campo de la psicoacústica . El estudio de la música de culturas no occidentales, y el estudio cultural de la música, se llama Ethnomusicology .
Los graduados de los programas de la música del estudiante pueden encenderse estudiar más lejos en programas del graduado de la música. Los grados graduados incluyen el amo de la música, el amo de los artes, el PhD (e., en la musicología o la teoría de la música), y más recientemente, el doctor de los artes musicales, o del acceso directo de memoria. El amo del grado de la música, que tarda un a dos años a terminar, se concede típicamente a los estudiantes que estudian el funcionamiento de un instrumento, de una educación, de una voz o de una composición. El amo del grado de los artes, que tarda un a dos años a terminar y requiere a menudo una tesis, se concede típicamente a los estudiantes que estudian la musicología, la historia de la música, o la teoría de la música. Los títulos universitarios del estudiante en música, incluyendo el soltero de la música, el soltero de la educación de la música, y el soltero de los artes (con un comandante en música) tardan típicamente tres a cinco años a terminar. Estos grados proveen de estudiantes poner a tierra en teoría de la música e historia de la música, y muchos estudiantes también estudian un instrumento o aprenden técnica del canto como parte de su programa.
El PhD, que se requiere para los estudiantes que quieren trabajar como profesores de la universidad en musicología, historia de la música, o teoría de la música, tarda tres a cinco años de estudio después del masters, mientras tanto el estudiante terminará cursos avanzados y emprenderá la investigación para una disertación. El doctor de los artes musicales (acceso directo de memoria) es relativamente un nuevo grado que fue creado para proporcionar credenciales para los ejecutantes o los compositores profesionales que quieren trabajar como catedráticos en funcionamiento musical o la composición. El acceso directo de memoria tarda tres a cinco años después de que un masters, e incluye cursos avanzados, proyectos, y funcionamientos. En tiempos medievales, el estudio de la música era uno del cuadrivio de las siete humanidades y considerado vital a un aprendizaje más alto. Dentro del cuadrivio cuantitativo, la música, o más exactamente los armónicos, era el estudio de proporciones racionales.
El Zoomusicology es el estudio de la música de animales no humanos, o los aspectos musicales de los sonidos producidos por los animales no humanos. Como George Herzog (1941) pedido, " ¿los animales tienen música? " Musique, mythe, naturaleza, d'Arion (1983), un estudio de s de Mâche François-Bernard 'de los delfines de los les del ou del " ornitho-musicology" usar una técnica de la lengua del de Ruwet, el musique, 1972) análisis paradigmáticos de la segmentación del poésie (, demuestra que las canciones del pájaro están organizadas según un principio de la repetición-transformación. El Jean-Jacques Nattiez (1990), discute ese " en el análisis pasado, es un ser humano que decide cuál es y no es musical, incluso cuando el sonido no está de origen humano. Si reconocemos que el sonido no es organizado y conceptuado (es decir, hecho para formar música) simplemente por su productor, pero por la mente que la percibe, después la música es únicamente human."
La teoría de la música es el estudio de la música, generalmente de la manera técnica de a alto - fuera de otras disciplinas. Refiere más amplio a cualquier estudio de la música, relacionado generalmente en una cierta forma con preocupaciones compositivas, y puede incluir las matemáticas, la física, y la antropología . Qué se enseña lo más comúnmente posible en clases de la teoría de la música del principio son las pautas a escribir en el estilo del período de la práctica común, o la música tonal . La teoría, incluso de que que estudia la música del período de la práctica común, puede tomar muchas otras formas. La teoría determinada musical es el uso de la teoría determinada matemático a la música, primero aplicado a la música atonal . La teoría especulativa de la música del, puesta en contraste con la teoría analítica de la música del, se dedica al análisis y a la síntesis de los materiales de la música, por ejemplo sistemas de adaptación, generalmente como preparación para la composición.
Ethnomusicology
considera también: Ethnomusicology
En el oeste, mucha de la historia de la música que se enseña a repartos con música del arte de s de la civilización el occidental '. La historia de la música en otras culturas (" " de la música del mundo; o el campo del " " de Ethnomusicology ;) también se enseña en universidades occidentales. Esto incluye las tradiciones clásicas documentadas de países asiáticos fuera de la influencia de Europa occidental, así como la música popular o indígena de otras culturas.
Los estilos populares de la música variaron extensamente de cultura a la cultura, y de una epoca a otra. Diversas culturas acentuaron diversos instrumentos o técnicas, o las aplicaciones para la música. La música se ha utilizado no sólo para la hospitalidad, para las ceremonias, y para la comunicación práctica y artística, pero también para la propaganda en países totalitarios. Hay un anfitrión de las clasificaciones de la música, muchas cuyo se alcanzan en la discusión sobre la definición de la música. Entre el más grande de éstos está la división entre la música clásica (o el " art" música), y música popular (o música comercial - incluyendo el rock-and-roll, la música country, y el música pop ). Algunos géneros no caben cuidadosamente en uno de estos el " two" grande; clasificaciones, (por ejemplo la música tradicional, la música del mundo, o la música del jazz ).
Pues las culturas del mundo han entrado en el mayor contacto, sus estilos musicales indígenas se han combinado a menudo en nuevos estilos. Por ejemplo, el estilo de los bluegrass de Estados Unidos contiene elementos de angloirlandeses, de escocés, de irlandés, de alemán y el africano instrumental y las tradiciones vocales, que podían fundirse en la sociedad multi-ethnic de los Estados Unidos. Los géneros de la música son determinados tanto por la tradición y la presentación como por la música real. Mientras que la mayoría de la música clásica es acústica y significada ser realizado por los individuos o los grupos, muchos trabajos descritos como " classical" ¡incluir las muestras o la cinta, o ser mechanical. algo trabaja, como rapsodia de s de Gershwin 'en azul, es demandada por jazz y música clásica. Muchos festivales de música actuales celebran un género musical particular .
La música india, por ejemplo, es uno de los más viejos y más largos tipos vivos de música, y todavía extensamente se oye y se realiza en Asia del Sur, así como internacionalmente (especialmente desde los años 60). La música india tiene principalmente 3 formas de música clásica, de estilos Hindustani, de Carnatic, y de Dhrupad. Tiene también un repertorio grande de los estilos, que implican solamente música de la percusión tal como los funcionamientos del Tala-vadya famosos en la India del sur.
Terapia de música
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la terapia de música El Roberto Burton escribió en el siglo XVII en su trabajo, la anatomía de la melancolía, que la música y la danza eran críticas en tratar enfermedad mental, especialmente el Melancholia . Él dijo ese " Pero para dejar todos los discursos declamatorios en alabanza de la música divina, I se confinará a mi tema apropiado: además de esa energía excelente hath de expeler muchas otras enfermedades, él es un remedio soberano contra la desesperación y la melancolía, y alejarán a diablo himself." Burton observó ese " … Canus, a Fiddler de Rhodian, en Philostratus, cuando Apollonius era inquisitivo a saber qué él podría hacer con su pipa, dicha le, el " Que él haría a hombre melancólico feliz, y él antes de quien estaba feliz mucho más feliz que, a el amante enamoró más, un hombre religioso más devout."
En noviembre de 2006, el Dr. Crawford y sus colegas también encontraron que la terapia de música ayudó a pacientes esquizofrenicos . En el imperio del otomano, las enfermedades mentales fueron tratadas con música.
Fuentes
Lectura adicional
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Ver también
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