l este artículo está sobre la vida inmóvil (o aún los lifes como plural), la forma de arte. Para otras aplicaciones de la frase, todavía ver la vida (desambiguación) .

Una vida sigue siendo un trabajo del arte que representa el tema inanimado, los objetos típicamente corrientes que pueden ser naturales (alimento, las plantas y las sustancias naturales como rocas) o artificiales (los vidrios de consumición, los cigarrillos, las pipas, los perritos calientes y así sucesivamente) en un ajuste artificial. Popular en el arte occidental desde el siglo XVII, aún así pinturas de la vida dar a artista más deriva en el arreglo de los elementos del diseño dentro de una composición que las pinturas de otros tipos de temas tales como paisaje o retrato .

Historia

Todavía las pinturas de la vida adornan a menudo las paredes de las tumbas antiguas del egipcio . Fue creído que los productos alimenticios y otros artículos representados allí, en la vida futura, está verdadero y disponible para uso del difunto. Las pinturas similares, más simplemente decorativas en intento, también se han encontrado en los frescos romanos desenterrados en el Pompeii, el Herculaneum y el chalet Boscoreale . Algunas pinturas de pared romanas representan ya el adorno familiar posterior de un tazón de fuente de cristal de fruta. El aprecio popular de la pintura inmóvil de la vida como demostración de la habilidad del artista se relaciona en la leyenda del griego clásico Zeuxis y Parrhasius .

Con las Edades Medias y el renacimiento, todavía la vida en arte occidental fue utilizada principalmente como adjunto a los temas religiosos cristianos. Esto era particularmente verdad en el trabajo de los artistas europeos norteños, cuya fascinación con realismo óptico alto detallado y simbolismo disfrazado los llevó a prodigar la gran atención en los significados de varios apoyos y ajustes dentro del mensaje total de sus pinturas. Los pintores tales como objetos de uso frecuente de enero van Eyck, tales como ésos consideraban elementos inmóviles de la vida, como parte de un programa iconográfico .

Un artista que utilizó vida inmóvil es Georgia O Keeffe. Ella era un artista americano que pintó muchos cuadros inmóviles de la vida que contenían las flores y los huesos animales. Muchas de sus concesiones ganadas cuadros. Por ejemplo el conejo muerto con el pote de cobre ganó el premio de la Aún-vida de la persecución de Guillermo Merritt de las ligas.

Todavía vida después de 1600

Todavía la pintura de la vida prosperó en el Italia durante el temprano barroco, con todo seguía respetada históricamente menos que " manner" magnífico; pintura de temas históricos, religiosos, y míticos. Los académicos prominentes de los 1600s tempranos, como el Andrea Sacchi, sentían que ese género y todavía la pintura de la vida no llevó el " gravitas" merecido para que pintura sea considerada grande. Por una parte, los artistas acertados de la vida del italiano todavía encontraron patrocinio amplio en su día. Un hecho adicional es ése antes del siglo XVII, pintores de las mujeres, pocos como eran, eligió o fue restringido comúnmente a los asuntos de la pintura tales como lifes inmóviles.

Todavía la vida entró en sus los propios en el nuevo clima artístico de los Países Bajos en el siglo XVII (con el conocido stilleven : la vida del sigue siendo un calque mientras que las idiomas románticas tienden a utilizar términos tales como naturaleza muerta del ). Mientras que los artistas encontraron oportunidad limitada de producir la iconografía religiosa que había sido de largo sus sujetar con grapa-imágenes de temas religiosos fueron prohibidos en la iglesia protestante reformada holandesa - la tradición norteña de continuación del realismo detallado y de los símbolos ocultados atractivos a las clases medias holandesas growing, que substituían la iglesia y el estado como los patrón principales del arte en los Países Bajos.

Especialmente populares en este período eran las pinturas de Vanitas, en las cuales los arreglos suntuosos de la fruta y de las flores, o tablas de banquete pródigos con plata y el cristal finos, fueron acompañados por recordatorios simbólicos de la instabilidad de la vida. Un cráneo, un reloj de arena o el reloj pocket, una vela que quema abajo o un libro con el torneado de páginas, servirían como mensaje moralizing en la efimeralidad de placeres sensoriales. A menudo algunas de las frutas deliciosas y se florecen serían demostradas comenzar a estropear o a descolorarse. El renombre de las pinturas de los vanitas, y de la vida inmóvil generalmente, pronto extensión de Holanda al Flandes y de allí al España y al Francia .

La aristocracia francesa del siglo XVIII también empleó a artistas todavía para ejecutar las pinturas de los temas generosos y extravagantes de la vida, este vez sin el mensaje moralizador de los vanitas de sus precursores holandeses. El amor rococó de la estratagema llevado a una subida del aprecio para el Trompe - l ' oeil (franceses: " trampear el eye") pintando, un tipo de vida inmóvil en el cual los objetos se demuestran life-sized, contra un fondo plano, en un intento por crear la ilusión de objetos tridimensionales verdaderos en el espacio del espectador.

Con la subida de las academias europeas, especialmente el française de Académie que llevó a cabo un papel fundamental en el arte académico, y su acercamiento formalizado al entrenamiento artístico, todavía vida comenzaron a caer de favor. Las academias enseñaron a la doctrina del " Jerarquía del " de los géneros ; (o " Jerarquía de Matter" sujeto;), que sostuvo que el mérito artístico de una pintura fue basado sobre todo en su tema. En el sistema académico, la forma más alta de pintura consistió en imágenes de la significación histórico, bíblico o mitológico, con los temas inmóviles de la vida relegados a la orden muy más baja del reconocimiento artístico.

Aún pintura moderna de la vida

No estaba hasta la declinación de la jerarquía académica en Europa, y la subida del impresionista y de los pintores del Post-Impressionist, que acentuaron técnica y diseño sobre tema, que la vida inmóvil fue practicada de nuevo ávido por los artistas. El Enrique Fantin-Latour se sabe casi exclusivamente para sus lifes inmóviles. " de s de Vincent van Gogh '; Sunflowers" todavía están algunas de las pinturas más conocidas de la vida del siglo XIX, y el Paul Cézanne encontrado en vida inmóvil el vehículo perfecto para sus exploraciones revolucionarias en la organización espacial geométrica. De hecho, los experimentos de Cézanne se pueden considerar como llevando directo todavía al desarrollo de la vida cubista en el siglo a principios de siglo 20. Entre 1910 y 1920, los artistas cubistas tienen gusto Pablo Picasso, Jorte Braque, y el Juan Gris pintó muchas composiciones inmóviles de la vida, a menudo incluyendo los instrumentos musicales, así como crear los primeros trabajos cubistas sintéticos del collage, tales como " de Picasso; Todavía vida con la silla Caning" (1912).

Los artistas en los Estados Unidos, unburdened en gran parte por las restricciones académicas en tema, habían encontrado de largo un mercado listo para la pintura inmóvil de la vida. El Raphaelle Peale (1774-1825), el más viejo hijo revolucionario Charles Willson Peale del pintor de la era, seguía siendo el primer especialista de la vida del americano, y estableció una tradición de la pintura inmóvil de la vida en el Philadelphia que continuó hasta el siglo a principios de siglo 20, cuando los artistas tales como Guillermo Harnett y Juan Frederick Peto ganaron la fama para su Trompe - l ' representaciones del oeil de las colecciones de objetos gastados y de los desechos del papel, demostrados típicamente el colgante en una pared o una puerta.

Cuando los artistas americanos del vigésimo siglo eran enterados del modernismo europeo, comenzaron a interpretar temas inmóviles de la vida con una combinación de realismo americano y Cubista-derivaron la abstracción. Típicas de los trabajos de vida del americano de este período siguen siendo las pinturas Georgia O'Keeffe, Estuardo Davis, y Marsden Hartley, y las fotografías Edward Weston . ¡derechos reservados quitó: --> Mucho arte pop (tal como " de s de Warhol Andrés '; Sopa Cans" de Campbell;) se basa en vida inmóvil, pero su tema verdadero es lo más a menudo posible la imagen commodified del producto comercial representado algo todavía que el objeto sí mismo de la vida de la comprobación. La subida Photorealism en los años 70 reafirmó la representación illusionistic, mientras que conservaba algo del mensaje del estallido de la fusión del objeto, imagen, y el producto comercial. Típicas a este respecto son las pinturas del remolino de Don y Rafael Goings .