El Victoria del y el museo de Albert (abreviado a menudo como el V&A ) en el Londres es el museo más grande del mundo de artes y del diseño decorativos, conteniendo una colección permanente sobre de 4.5 millones de objetos. Fundado en el 1852 como el museo del sur de Kensington del, el V&A ahora ha venido desde entonces cubre alguno 12.5 acres y 145 galerías. Su colección atraviesa 5000 años de arte, a partir de épocas antiguas al hoy, en virtualmente cada medio, de las culturas Europa, Norteamérica, Asia y de la África del Norte .

Las tenencias de la cerámica, vidrio, de las materias textiles visten la plata de, industria siderúrgica, joyería, muebles, el medieval se opone, la escultura, el imprime y el Printmaking, los dibujos y las fotografías están entre el el más grande y más comprensivo del mundo. El museo posee la colección más grande de escultura clásica post-, las tenencias del mundo que los artículos italianos del renacimiento son el exterior más grande Italia . Los departamentos de Asia incluyen arte Asia del Sur, China, Japón, Corea y del mundo islámico . Las colecciones del este del asiático están entre el mejor en Europa, con fuerzas particulares en cerámica y la trabajo de metalistería, mientras que la colección islámica, junto al Musée du Louvre y al museo de arte metropolitana, Nueva York, está entre el más grande del mundo.

Junto a otras instituciones vecinas, incluyendo el museo de la historia natural y el museo de ciencia, el V&A está situado en qué se llama el " de Londres; Albertopolis ", un área de la importancia cultural, científica y educativa inmensa. Desde 2001, el museo ha emprendido un programa importante de la renovación de £150m que ha considerado un reacondicionamiento importante de los departamentos incluyendo la introducción de más nuevos galerías, jardines, tiendas e instalaciones del visitante. Siguiendo en vena similar a otros museos BRITÁNICOS nacionales, la entrada al museo ha estado libre desde 2001.

Historia

Fundación

El V&A tiene sus orígenes en la gran exposición de 1851, con el cual el col de Henry el primer director del museo estuvo implicado en el planeamiento; era inicialmente como el museo de fabrica, primera abertura sabida en mayo de 1852 en la casa de Marlborough, pero por septiembre había sido transferido a la casa de Somerset. Las colecciones cubrieron en esta etapa arte aplicado y ciencia. Varios de los objetos expuestos de la exposición fueron comprados para formar el núcleo de la colección. Por el febrero de 1854 las discusiones estaban en curso transferir el museo al sitio actual y fue retitulado como el museo del sur de Kensington. En 1855 el alemán Gottfried Semper del arquitecto, a petición del col, presentó un diseño para el museo, pero fue rechazado por el tablero del comercio como demasiado costoso. El sitio fue ocupado por la casa de Brompton Park, ésta era extendido incluyendo los primeros cuartos de refresco abiertos en 1857, el museo que era el primer en el mundo para proporcionar tal facilidad. La abertura oficial de la reina Victoria estaba en el 1857 del 22 de junio . En el año siguiente, las aberturas de última hora fueron introducidas, hecho posible por el uso del alumbrado de gas. Éste era permitir en las palabras del " del col; para comprobar prácticamente qué horas son las más convenientes al " de las clases obreras; - esto fue ligada al uso de las colecciones de arte aplicado y de ciencia como recursos educativos de ayudar a alzar industria productiva. En estos años el uso práctico de la colección mucho fue acentuado en comparación con el del " Alto Art" en el National Gallery y la beca en el British Museum . Esto llevó a la transferencia al museo de la escuela del diseño que había sido fundada en 1837 en la casa de Somerset, después de que la transferencia él fuera referida como la escuela de arte o escuela de entrenamiento del arte, para convertirse en más adelante la universidad real del arte que finalmente alcanzó independencia completa en 1949. A partir de los 1860s a los 1880s las colecciones científicas habían sido movidas desde el sitio principal del museo a las varias galerías improvisadas a al oeste del camino de la exposición. En 1893 el " Ciencia Museum" había entrado en con eficacia existencia cuando designaron a un director separado.

La colocación de la primera piedra a la izquierda de la entrada principal del edificio de Aston Webb, en el 1899 del 17 de mayo era la aparición pública oficial pasada de Queen Victoria. Estaba durante esta ceremonia que el cambio del nombre del museo del sur de Kensington del al Victoria y del museo de Albert fue hecho pública.

La exposición que el museo organizado para celebrar el centenario de el 1899 que retitula, " Un diseño magnífico, " primero viajado en el Norteamérica a partir de 1997 (museo de arte de Baltimore, museo de bellas arte, Boston, museo real de Ontario, Toronto, museo de bellas arte, Houston y los museos de las bellas arte de San Francisco ), volviendo a Londres en 1999. Para acompañar y apoyar la exposición, el museo publicó un libro, diseño magnífico del, que ha hecho disponible para la lectura en línea en su Web site.

1900-1950

La ceremonia de inauguración para el edificio de Aston Webb de rey Edward VII y de la reina Alexandra ocurrió en el 1909 del 26 de junio . En 1914 la construcción comenzada del museo de ciencia que señalaba la fractura final de la ciencia y de las colecciones de arte, el museo ha mantenido desde entonces su papel de una de las colecciones de artes decorativas más grandes del mundo. En el brote de la Segunda Guerra Mundial la mayor parte de la colección fue embalada lejos y envió o a una mina subterráneo en Wiltshire, casa de Montacute en Somerset, o a un túnel averiado cerca de la estación de metro de Aldwych con ser in situ restante de artículos más grandes arena empaquetó y bricked adentro. Durante la guerra algunas de las galerías fueron utilizadas entre 1941 y 1944 como escuela para los niños evacuados Gibraltar . La corte del sur se convirtió en una cantina, primero para el Royal Air Force y más adelante para los pelotones de la reparación del daño de la bomba. Antes de la vuelta de las colecciones después de la guerra, el " Gran Bretaña puede hacer It" la exposición fue celebrada entre septiembre y noviembre de 1946, atrayendo casi millón y a visitantes de una mitad. Esto fue organizada y sostenida bajo auspicios del consejo del diseño industrial que había sido establecido por el gobierno central en el " 1944; para promover por todos los medios practicables la mejora del diseño en los productos del industry" británico; ; el éxito de esta exposición llevó al planeamiento del festival de Gran Bretaña . Antes de 1948 la mayor parte de las colecciones habían sido vueltas al museo.

Desde 1950

En julio de 1973 - como parte de su programa de outreach a la gente joven - el V&A se convirtió en el primer museo en Gran Bretaña para presentar un concierto de rock. El V&A presentó un concierto/una conferencia combinados por el progresivo británico Gryphon de la venda de la gente-roca, que exploró el linaje de la música y de la instrumentación medievales y se relacionó cómo ésos contribuyeron a la música contemporánea 500 años más adelante. Este acercamiento innovador a traer a gente joven a los museos era un sello de la dirección de Roy fuerte y fue emulado posteriormente por algunos otros museos británicos.

En el Roy fuerte del sir de los años 80 retitulado el museo como “el Victoria y el museo de Albert, el Museo Nacional del arte y diseño”. El fuerte Elizabeth Esteve-Coll del sucesor supervisó un período turbulento para la institución en quien los departamentos curatorial del museo eran el llevar reestructurado a las críticas públicas de un poco de personal. Las tentativas de Esteve-Coll de hacer el V&A más accesible incluyeron una campaña de marketing criticada que acentuaba el café sobre la colección.

En el " 2001; Plan" futuro; fue lanzado, que implica el reajustar de todas las galerías e instalaciones públicas en el museo que tienen todavía ser remodeladas. Éste es asegurarse de que los objetos expuestos están exhibidos mejor, más información está disponible y el museo resuelve las expectativas modernas para las instalaciones del museo; debe tardar cerca de diez años para terminar el trabajo.

El museo también funciona el museo de la niñez en el Bethnal verde; y el museo del teatro en el jardín de Covent y utilizado para funcionar la casa de Apsley. El museo del teatro ahora se cierra, pero las colecciones del teatro de V&A deben ser redesplegadas dentro del edificio del sur de Kensington de noviembre de 2007.

Arquitectura del museo

El período Victorian

Las áreas Victorian tienen una historia compleja, con las adiciones fragmentarias de diversos arquitectos. Fundada en mayo de 1852, no era hasta 1857 que el museo movió al actual sitio. Esta área de Londres era conocida como Brompton pero había sido retitulada Kensington del sur . La tierra fue ocupada por la casa del parque de Brompton, que era extendida, especialmente por el " Brompton Boilers", que eran galerías rígido utilitarias del hierro con una mirada temporal; fueron desmontadas y utilizadas más adelante para construir el museo de V&A de la niñez. El primer edificio que se erigirá que todavía forma la parte del museo era la galería de Sheepshanks en 1857 en el lado del este del jardín; su arquitecto era Francisco Fowke del capitán. Las extensiones principales siguientes fueron diseñadas por el mismo arquitecto, éstos eran el Turner y las galerías de Vernon construyeron 1858-9 (construido para contener las colecciones epónimas, que fueron transferidas más adelante a la galería de Tate, ahora usada como las galerías de cuadro y la galería de la tapicería respectivamente), después las cortes del norte y sur, que se abrieron por el junio de 1862. Ahora forman las galerías para las exposiciones temporales y están directo detrás de la galería de Sheepshanks. En el borde muy norteño del sitio se sitúa el ala de la secretaría, también construida en 1862 esto contiene las oficinas y el cuarto de tablero etc y no está abierto al público. Un esquema ambicioso de la decoración fue desarrollado para estas nuevas áreas: una serie de figuras del mosaico que representaban a artistas europeos famosos del período medieval y del renacimiento fue presentada. Éstos ahora se han quitado a otras áreas del museo. También fue comenzada una serie de los frescos de señor Leighton : Los artes industriales del en relación a la guerra 1878-1880 y los artes industriales del se aplicaron a la paz, que fue comenzada solamente nunca finished. A al este de esto estaban las galerías adicionales, la decoración cuyo era el trabajo de otro Owen Jones del diseñador, éstas eran las cortes orientales (cubierta la India, China y Japón) terminadas en 1863, ninguno de esta decoración sobreviven, parte de estas galerías se convirtieron en las nuevas galerías que cubrían el siglo XIX, abierto en diciembre de 2006. El trabajo pasado de Fowke era el diseño para la gama de edificios en el norte y los lados oeste del jardín, éste incluyen los cuartos de refresco, reinstalados como el museo Café en 2006, con la galería de plata arriba, (cuando la galería de la cerámica), el último piso tienen un teatro de conferencia espléndido aunque éste esté raramente abierto al público en general. La escalera de cerámica en la esquina del noroeste de esta gama de edificios fue diseñada por F. cambiante; todos los detalles arquitectónicos se producen en cerámica moldeada y coloreada. Todo el trabajo sobre la gama del norte fue diseñado y construido en 1864-1869. El estilo adoptado para esta parte del museo era el renacimiento italiano, mucho uso fue hecho de la terracota, ladrillo y el mosaico, este façade del norte fue pensado mientras que la entrada principal al museo con sus puertas de bronce diseñó por James Gamble y Reuben Townroe que tenía seis paneles el representar: Humphry Davy (química); Isaac Newton (astronomía); Vatio (mecánicos) de James; Bramante (arquitectura); Michelangelo (escultura); Titian (pintura); así representando la gama de las colecciones de los museos, Godfrey Sykes también diseñó los adornos de la terracota y el mosaico en el frontón del Façade del norte que conmemora la gran exposición los beneficios de la cual ayudaron a financiar el museo, ésta es flanqueado por los grupos de la estatua de la terracota de Percival Ball. Este edificio substituyó la casa del parque de Brompton, que se podría entonces demoler para hacer la manera para la gama del sur.

Los interiores de los tres cuartos de refresco fueron asignados a diversos diseñadores. El comedor verde 1866-68 era el trabajo Philip Webb y el Guillermo Morris, exhibe influencias isabelinas, la parte más inferior de las paredes se artesona en madera con una venda de las pinturas que representan la fruta y la figura ocasional, con follaje moldeado del yeso en la pieza principal de la pared y de un friso del yeso alrededor del techo adornado y de las ventanas de cristal manchadas. La sala de refresco del centro 1865-77 fue diseñada en un estilo del renacimiento por James Gamble, las paredes e incluso las columnas iónicas se cubren en baldosa cerámica decorativa y moldeada, el techo consiste en diseños elaborados en las hojas de metal esmaltadas y las ventanas de cristal manchadas que emparejan, la chimenea de mármol fue diseñada y sculpted por el Alfred Stevens y fue quitada de la casa de Dorchester antes de la demolición de ese edificio en 1929. La sala 1876-81 de la parrilla fue diseñada por el Edward Poynter del sir, la parte más inferior de las paredes consiste en los azulejos azules y blancos con las varias figuras y el follaje incluido por el revestimiento de madera de madera, arriba hay escenas embaldosadas grandes con las figuras que representan las cuatro estaciones y los doce meses que éstos fueron pintados por las señoras de la escuela de arte después que basados en el museo, las ventanas está el vidrio también manchado, todavía hay una parrilla elaborada del arrabio in place.

Con la muerte de Fowke el arquitecto siguiente a trabajar en el museo era coronel (general importante posterior) Henry Scott (1822-83) también de los ingenieros reales . Él diseñó al noroeste del jardín la escuela five-storey para los arquitectos navales (también conocidos como las escuelas de la ciencia), ahora el ala del col de Henry en 1867-72. de Scott salvaje diseñó la escalera impresionante que se levanta la altura completa del edificio, hecha de la piedra de Cadeby los pasos son 7 pies en longitud, las barandillas y las columnas son piedra de Portland. Ahora se utiliza para contener el empalme V&A y a instituto real de la biblioteca arquitectónica británica de los dibujos de los arquitectos (RIBA) y del centro de educación de Sackler para abrirse en 2008. Continuando el estilo de los edificios anteriores, los varios diseñadores eran responsables de la decoración, los adornos de la terracota eran otra vez el trabajo de Godfrey Sykes, aunque el Sgraffito fuera utilizado para adornar las zonas este del edificio diseñado por F. cambiante, un adorno final eran las puertas del hierro labrado hechas tan atrasadas como 1885 diseñados por Starkie Gardner, éstos llevan a un paso a través del edificio. Scott también diseñó las dos cortes echadas 1870-73 al sureste del jardín (el sitio de las “calderas de Brompton "), estos espacios extensos tiene techos 70 pies en la altura para acomodar los moldes de yeso de las partes de edificios famosos, incluyendo la columna de Trajan (en dos pedazos separados). La parte final del museo diseñó por Scott era la biblioteca del arte y cuál ahora es la galería de la escultura en el lado sur del jardín, construido 1877-83, el mosaico exterior artesona en el parapeto fue diseñado por Reuben Townroe que también diseñó el trabajo del yeso en la biblioteca, Juan Taylor del sir que diseñó los estantes de libro y los casos, también éste eran la primera parte del museo para tener iluminación eléctrica. Esto terminó la mitad norteña del sitio pero salió del museo sin un façade apropiado.

El período de Edwardian

El façade principal, construido del ladrillo rojo y Portland de piedra, estira 720 pies a lo largo de los jardines de Cromwell y fue diseñado por el Aston Webb después de ganar una competición en 1891 de extender el museo. La construcción ocurrió entre 1899 a 1909. Es estilístico un híbrido extraño, aunque mucho del detalle pertenezca al renacimiento allí sea influencias medievales en el trabajo. La entrada principal que consiste en una serie de arcos bajos apoyados por las columnas y los lugares delgados con las puertas gemelas separadas por el embarcadero es el Romanesque en forma pero clásico detalladamente. Asimismo la torre sobre la entrada principal tiene una corona abierta del trabajo superada por una estatua de la fama, de una característica de la arquitectura gótica del último y de una característica común en Escocia, pero el detalle es clásico. Las ventanas principales a las galerías son también divididas con parteluz y transomed, otra vez una característica gótica, la fila superior de ventanas se entremezcla con las estatuas de muchos de los artistas británicos cuyo trabajo se exhibe en el museo. Príncipe Albert aparece dentro del arco principal sobre las entradas, la reina Victoria sobre el marco alrededor de los arcos y la entrada gemelas. Estos façades rodean cuatro niveles de galerías. Otras áreas diseñaron por Webb incluyen hall de entrada y de la Rotonda, los pasillos del este y del oeste, las áreas ocupadas por la tienda y las galerías asiáticas así como la galería del traje. El interior hace mucho uso del mármol en el hall de entrada y las escaleras que flanquean, aunque las galerías como diseñado original fueran blancas con el detalle y los moldeados clásicos refrenados, mucho en contraste con la decoración elaborada de las galerías Victorian, aunque mucha de esta decoración fuera quitada en el siglo a principios de siglo 20.

La posguerra

El museo sobrevivió la Guerra Mundial Segundo con solamente daño de menor importancia de la bomba. La pérdida peor era el vidrio manchado Victorian en la escalera de la cerámica en la cual estuvo soplado cuando cayeron las bombas cerca cerca; el pock marca todavía visible en el façade del museo fue causado por la metralla de las bombas. ¡ En los años de la posguerra inmediatos había poco dinero disponible para con excepción de las reparaciones esenciales. Los años 50 y el principios de los 60 consideraron poco de la manera de trabajo del edificio, el primer trabajo del comandante era la creación del nuevo espacio de almacenaje para los libros en la biblioteca del arte en 1966 y 1967. Este suelo implicado sobre el pasillo principal de Aston Webb para formar los apilados de libro, con una nueva galería medieval en la planta (ahora la tienda, abierta en 2006). Entonces las galerías más bajas de la planta en la parte del oeste del sur del museo fueron reajustadas, abriéndose en 1978 para formar las nuevas galerías que cubrían el arte continental 1600-1800 (último renacimiento, Rococo directo y neoclásico barrocos). En 1974 el museo había adquirido cuál ahora es el ala del col de Henry de la universidad real de la ciencia . Para adaptar el edificio como galerías, todos los interiores Victorian a excepción de la escalera fueron modificados durante el remodelado. Para ligar esto al resto del museo, un nuevo edificio de la entrada fue construido en el sitio de la sala de calderas anterior, el sitio previsto del espiral, entre 1978 y 1982. Este edificio está de concreto y muy funcional, el único adorno que es las puertas del hierro de Christopher Hay y de Douglas Coyne de la universidad real del arte . Éstos se fijan en la pared columned de la pantalla diseñada por Aston Webb que forme el façade.

Últimos años

Algunas galerías fueron reajustadas en los años 90 incluyendo: Trabajo indio, japonés, chino, del hierro, el vidrio principal y la galería principal de los cubiertos, aunque esta galería fuera realzada más a fondo en 2002 en que algo de la decoración Victorian fue reconstruida. Esto incluyó dos de las diez columnas que hacían su decoración de cerámica substituir y de los diseños pintados elaborados restaurados en el techo. Como parte de la renovación 2006 los pisos de mosaico en la galería de la escultura fueron restaurados - la mayor parte de los pisos Victorian fueron cubiertos en el linóleo después de la Segunda Guerra Mundial. Después del éxito de las galerías británicas, abierto en 2001, era decidido para emprender un reajuste importante de todas las galerías en el museo; esto se conoce como “plan futuro”. Se espera que tarde cerca de diez años y fue comenzado el plan en 2002. Hasta la fecha varias galerías se han reajustado, notablemente, en 2002: la galería de plata principal, contemporánea; en 2003: Fotografía, la entrada principal, las galerías de la pintura; en 2004: el túnel al subterráneo que lleva a la estación de metro del sur de Kensington, nueva señalización a través hacia fuera del museo, arquitectura, cuartos de lectura de V&A y de RIBA y almacenes, metalware, sitio de los miembros, vidrio contemporáneo, la galería de la escultura de Gilbert Bayes; en 2005: miniaturas del retrato, impresiones y dibujos, exhibiciones en el sitio 117, el jardín, plata sagrada y vidrio manchado; en 2006: Tienda central de Pasillo, Medio Oriente islámico, el nuevo café, galerías de la escultura. Varios diseñadores y arquitectos han estado implicados en este trabajo. El Eva Jiricna diseñó los realces a la entrada principal y de la Rotonda, a la nueva tienda, al túnel y a las galerías de la escultura. Gareth Hoskins era responsable de contemporáneo y arquitectura, Softroom, Medio Oriente islámico y el cuarto de los miembros, los arquitectos de McInnes Usher McKnight (MUMA) eran responsables del nuevo café y ahora están diseñando las nuevas galerías medievales y del renacimiento debidas abrirse en 2009.

Recientemente, la controversia rodeó el edificio propuesto del museo de una extensión £80 millón llamada el espiral, diseñado por el Daniel Libeskind, que fue criticado como fuera de la custodia con la arquitectura de los edificios originales. El diseño del espiral fue descrito por alguno como pareciendo las cajas de cartón jumbled. En septiembre de 2004, el consejo de gestión del museo votó para abandonar el diseño después de no poder recibir la financiación del fondo de la lotería de la herencia.

El jardín

El jardín central fue reajustado por Kim Wilkie y se abrió como el jardín de Juan Madejski, en el 2005 del 5 de julio . El diseño es una mezcla sutil del tradicional y moderno, la disposición es formal; hay una característica elíptica del agua alineada en piedra con pasos alrededor del borde que se puede drenar para utilizar el área para las recepciones, las reuniones o los propósitos de la exposición. Esto está delante de las puertas de bronce que llevan a los cuartos de refresco, una trayectoria central flanqueada por los céspedes lleva a la galería de la escultura; el norte, el este y los lados oeste tienen fronteras herbáceas a lo largo de las paredes del museo con las trayectorias en el frente que continúa a lo largo del façade del sur; en las dos esquinas por el façade del norte allí se planta un árbol americano de Sweetgum ; los bordes meridionales, del este y occidentales de los céspedes tienen plantadores de cristal que contengan árboles de la naranja y de limón en verano, éstos son substituidos por los árboles de bahía en invierno. En la noche los plantadores y la característica del agua pueden ser iluminados, y los façades circundantes encendidos para revelar los detalles normalmente en la sombra, especialmente sensible son los mosaicos en la logia del façade del norte. En verano un café se fija en la esquina del oeste del sur. El jardín también se utiliza para los objetos expuestos temporales de la escultura, por ejemplo una escultura por el Jeff Koons fue demostrada en 2006.

Departamentos

Educación

El departamento de educación tiene vastas responsabilidades. Provee de la información para el visitante ocasional así como para grupos de la escuela, incluyendo el aprendizaje de integración en el museo el plan de estudios nacional ; provee de las instalaciones de investigación para los estudiantes en el nivel del grado y más allá, la información y el acceso a las colecciones. También supervisa el contenido del Web site del museo además de los libros y de los papeles de publicación en las colecciones, de la investigación y de otros aspectos del museo.

Varias áreas de la colección han dedicado los cuartos de estudio, éstos permiten el acceso a los artículos en la colección que no están actual en la exhibición, pero requieren en algunos casos una cita ser concertadas.

La nueva habitación de la educación de Sackler, ocupando las dos plantas más bajas del ala del col de Henry debe abrirse en 2008. Esto incluirá cuartos y áreas de conferencia para uso de las escuelas, que estarán disponibles durante días de fiesta de escuela para uso de las familias, y permitirá la dirección directa de artículos de la colección.

Investigación y conservación

La investigación es una parte muy importante del trabajo del museo, e incluye: identificación e interpretación de objetos individuales; otros estudios contribuyen a la investigación sistemática, éste desarrolla la comprensión pública del arte y de los artefactos de muchas de las grandes culturas del mundo; investigación y evaluación del visitante para descubrir las necesidades de visitantes y sus experiencias del museo. Desde 1990 el museo ha publicado informes de la investigación que éstos se centran en todas las áreas de las colecciones.

La conservación es responsable de la preservación de largo plazo de las colecciones, y cubre todas las colecciones llevadas a cabo por el V&A y el museo de la niñez. Los conservadores especializan particularmente áreas de la conservación. Las áreas cubiertas por el trabajo del conservador incluyen la conservación “preventiva” que ésta incluye: realizando exámenes, los gravámenes y asesorando en la dirección de artículos, corrigen el empaquetado, el montaje y procedimientos de dirección durante el movimiento y la exhibición para reducir el riesgo de dañar objetos. Las actividades incluyen controlar el ambiente del museo (por ejemplo, temperatura y luz) y la prevención de los parásitos (sobre todo insectos) de los artefactos perjudiciales. La otra categoría principal es conservación “interventive”, ésta incluye: la limpieza y la reintegración para consolidar objetos frágiles, revelan la decoración de la superficie original, y restauran forma. Se emprende generalmente en los artículos que son ir en la exhibición pública.

Colecciones

El Victoria y el museo de Albert está partido en cuatro departamentos de colecciones, Asia; Muebles, materias textiles y manera; Escultura, trabajo de metalistería, cerámica y vidrio y palabra y imagen. Los guardianes del museo cuidan para los objetos en la colección y proporcionan el acceso a los objetos que no están actual en la exhibición al público y a los eruditos.

Los departamentos de colección se dividen más a fondo en dieciséis zonas de visualización, cuyo combinaron números de colección sobre 6.5 millones de objetos, no todos los artículos se exhiben o se almacenan en el V&A. Hay un depósito, en el camino de Blythe, Kensington del oeste, tan bien como las instituciones del anexo manejadas por el V&A, también el museo prestan objetos expuestos a otras instituciones. Las listas siguientes cada uno de las colecciones en la exhibición y el número de objetos dentro de la colección.

Arquitectura (anexo del RIBA)
Asia
Galerías británicas (exhibición cruzada del departamento)
Cerámica
Niñez (anexo del V&A)
Contemporáneo (función cruzada del departamento)
Manera y joyería
Muebles
Vidrio
Trabajo de metalistería
Pinturas y dibujos
Períodos y estilos (función cruzada del departamento)
Fotografía
Impresiones y libros
Escultura
Materias textiles
Museo del teatro (anexo consumido del V&A)
2.500
…
500.000

El museo tiene 145 galerías, pero dada el grado extenso de las colecciones solamente un pequeño porcentaje es nunca encendido la exhibición. Muchas adquisiciones se han hecho posibles solamente con la ayuda del fondo nacional de las colecciones de arte.

Arquitectura

En 2004, el V&A junto a RIBA abrió la primera galería permanente en la cubierta BRITÁNICA la historia de la arquitectura con las exhibiciones usar modelos, fotografías, elementos de edificios y dibujos originales. Con la abertura de la nueva galería, la biblioteca arquitectónica de los dibujos de RIBA se ha transferido al museo, ensamblando la colección ya extensa llevada a cabo por el V&A.000 dibujos, sobre 750.000 papeles y parafernalia, y sobre 700.000 fotografías de alrededor del mundo, juntos forman el recurso arquitectónico más comprensivo del mundo.

No sólo representan a todos los arquitectos británicos principales de los cuatrocientos años pasados, pero muchos dibujos de los arquitectos europeos (especialmente italiano) y americanos se sostienen en la colección. Las tenencias de dibujos por el Palladio son las más grandes del mundo, otros bien de los europeos representada son Jacques Gentilhatre y Antonio Visentini . Arquitectos británicos cuyos dibujos, y en algunos casos los modelos de sus edificios, en la colección, incluyen: Sir Christopher Wren, sir Juan Vanbrugh, Nicholas Hawksmoor, Guillermo Kent, James Gibbs, Roberto Adán, sir Guillermo Chambers, James Wyatt, Henry Holanda, Juan Nash, sir Juan Soane, sir Charles Barry, Charles Roberto Cockerell, Augustus Welby Northmore Pugin, sir George Gilbert Scott, Juan Loughborough Pearson, calle, Richard Shaw normando, Waterhouse, sir Edwin Lutyens, Charles de Ínigo Jones de George Edmundo de Alfred Rennie MacKintosh, Charles Holden, Hoar, Richard Rogers, normandos de Frank del señor del señor fomenta, el Nicholas Grimshaw del sir y el Zaha Hadid .

Así como cuartos del período, la colección incluye las partes de edificios, por ejemplo las dos noticias principales de la fachada de c1600 anticuado casa de sir Paul Pindar Bishopsgate con el trabajo de madera elaboradamente tallado y las ventanas plomadas, sobreviviente raro del gran fuego de Londres, hay un portal del ladrillo de una casa de Londres del período inglés de la restauración y de una chimenea de la galería de la casa de Northumberland. Los ejemplos europeos incluyen una ventana de dormer anticuada 1523-35 del castillo francés de Montal. Hay varios ejemplos de los edificios italianos del renacimiento incluyendo, de los portales, de las chimeneas, de los balcones y de una comida fría de piedra que tenían construido en fuente. La galería principal de la arquitectura tiene una serie de pilares de varios edificios y de diversos períodos, por ejemplo una columna Alhambra . Los ejemplos que cubren Asia están en esas galerías referidas a esos países, así como modelos y fotografías en la galería principal de la arquitectura.

Asia

La colección de V&As de arte de Asia numera más de 160.000 objetos, uno del más grande de existencia. Tiene uno del mundo las colecciones más comprensivas y más importantes de arte chino mientras que la colección de arte asiático del sur es la más importante del oeste. La cobertura de los museos incluye artículos de Asia del Sur y Sudoriental, los reinos Himalayan, China, el Extremo Oriente y el mundo islámico.

El V&A se sostiene sobre 19.000 artículos del mundo islámico, extendiéndose a partir del período islámico temprano (el siglo VII) al siglo a principios de siglo 20. La galería de Jameel del arte islámico, abierta en 2006, contiene una exhibición representativa de 400 objetos con el punto culminante que es la alfombra, la pieza central de Ardabil de la galería. Las exhibiciones en esta galería cubren los objetos de España, África del Norte, de el Oriente Medio, de Asia central y de Afganistán. Una obra maestra del arte islámico es un jarro 10th-century tallado de un solo bloque del cristal de roca . Muchos ejemplos Qur'āns con la datación exquisita de la caligrafía a partir de varios períodos están en la exhibición. Un Minbar del siglo XV de una mezquita de El Cairo con la marfil que forma los patrones geométricos complejos embutidos en madera es uno de los objetos más grandes en la exhibición. Los ejemplos extensos de la cerámica de Iznik de la cerámica especialmente, la fabricación del vidrio incluyendo las lámparas del siglo XIV de mezquitas y la trabajo de metalistería están en la exhibición. La colección de las mantas persas medio-orientales y y de alfombras está entre el más fino del mundo, muchos era parte del legado que sala de 1909. Los ejemplos del azulejo trabajan de varios edificios incluyendo una chimenea anticuada 1731 Estambul hecha de azul intrincado adornada y los azulejos blancos y los azulejos de la turquesa del exterior de edificios Samarkand también se exhiben.

Las colecciones del museo de sur y de arte asiático suroriental son las más comprensivas e importante en el oeste que abarca casi 60.000 objetos, incluyendo cerca de 10.000 materias textiles y 6000 pinturas, la gama de la colección es inmensa. La galería de Nehru del arte indio, abierta en 1991, contiene arte de cerca de 500 A. Hay una colección extensa de escultura, principalmente de una naturaleza, de un hindú, de un budista y de un religiosos Jain. La galería se dota rico con el arte del imperio de Mughal, incluyendo los retratos finos de los emperadores y otras pinturas y dibujos, la inserción de las tazas del vino del jade y de las cucharas del oro con las esmeraldas, diamantes y rubíes, también a partir de este período son parte de edificios tales como un jaali y pilares. La India era un productor grande de materias textiles, de la zaraza teñida del algodón, la muselina al trabajo rico del bordado usar el oro y se exhibe el hilo de rosca de la plata, los cequis coloreados y los granos, al igual que alfombras Agra y Lahore . Los ejemplos de la ropa también se exhiben. Uno de los artículos más inusuales en la exhibición en la galería india es “el tigre de Tipu”, un autómata y órgano mecánico hecho en el Mysore alrededor de 1795. Representa un tigre mauling un soldado o un oficial British East la India Company . Se nombra después del regla de Mysore que lo comisionó, sultán de Tipu. En 1879-80 las colecciones del museo de la India de la compañía del este de Británicos la India fueron dadas al V&A y a British Museum.

Las colecciones de Extremo Oriente incluyen más de 70.000 obras de arte de los países de East Asia: China, Japón y Corea. Tsui del arte chino se abrió en 1991, exhibiendo una colección representativa del V&As aproximadamente 16.000 objetos de China, fechando a partir del 4to milenio A. Aunque la mayoría de trabajos de arte el fecha de la exhibición de la dinastía de Ming y de la dinastía de Qing, allí es ejemplos exquisitos de los objetos que fechan a partir de la dinastía de espiga y de períodos anteriores. Notablemente, un alto jefe de bronce del metro Buddha anticuado al ANUNCIO c750 y uno de los más viejos artículos 2.000 una cabeza de caballo del jade de los años de un entierro, otras esculturas incluyen a guardas de tamaño natural de la tumba. Los ejemplos clásicos de la fabricación china se exhiben que incluyen la laca, la seda, la porcelana, el jade y el esmalte de Cloisonné . Dos retratos grandes del antepasado de un marido y de una esposa pintados en watercolour la fecha de seda a partir del siglo XVIII. Hay una tabla única de la laca, hecha en los talleres imperiales durante el reinado Xuande del emperador. Los ejemplos de la ropa también se exhiben. Uno de los objetos más grandes es una mediados de cama del siglo XVII. El trabajo de diseñadores chinos contemporáneos también se exhibe.

La galería de Toshiba del arte japonés abierto en diciembre de 1986. La mayoría de objetos expuestos fecha a partir de 1550 a 1900, pero uno de los más viejos pedazos exhibidos es la escultura del siglo XIII de Amida Nyorai. Los ejemplos de la armadura japonesa clásica a partir del mediados de siglo XIX, láminas de acero de la espada ( Katana ), OICN, lacquerware incluyendo el pecho de Mazarin anticuado c1640 son uno de los pedazos más finos de la supervivencia Kyoto, porcelana incluyendo el Imari, Netsuke, el Woodblock imprime incluyendo el trabajo Ando Hiroshige, los trabajos gráficos incluyen los libros impresos, tan bien como algunas pinturas, volutas y pantallas, materias textiles y vestido incluyendo los kimonos son algunos de los objetos en la exhibición. Uno de los objetos más finos exhibidos es La hornilla de incienso de bronce de Suzuki Chokichi ( Koro ) anticuada 1875, colocándose en sobre 2.25 metros de alto y 1.25 metros de diámetro es también uno de los ejemplos más grandes hechos.

Las galerías más pequeñas cubren el Corea, los reinos Himalayan y el Asia Sur-Oriental . Las exhibiciones coreanas incluyen cerámica verde-esmaltada, los bordados de seda de los trajes de los funcionarios y las cajas que destellan embutidas con el mother-of-pearl hecho entre 500 el ANUNCIO y 2000. Los artículos Himalayan incluyen las esculturas de bronce, el trabajo y el bordado nepaleses tempranos importantes del repoussé . El arte tibetano del 14to a el siglo XIX es representado por la persona notable 14ta y las imágenes religiosas del siglo XV en madera y bronce, las pinturas de la voluta y los objetos rituales. El arte de Tailandia, de Birmania, de Camboya, de Indonesia y de Sri Lanka en oro, plata, bronce, piedra, terracota y marfil representa estos ricos y las culturas complejas, las exhibiciones atraviesan los 6tos a diecinueveavo siglos. Las esculturas hindúes y budistas refinadas reflejan la influencia de la India; los artículos en la demostración incluyen los cortadores de la nuez de betel, los ganchos de marfil del peine y de bronce del palanquin.

Galerías británicas

Estas quince galerías - que se abrieron en noviembre de 2001 - contienen alrededor 4000 artículos. Las exhibiciones en estas galerías se basan alrededor de tres temas importantes: “Estilo”, “quién llevó gusto” y “cuál era nuevo”. El período cubierto es 1500 a 1900, la caída de las galerías en tres subdivisiones importantes; El Tudor y el Estuardo Gran Bretaña 1500-1714, éste cubre el renacimiento, el isabelino, el jacobeo, la restauración y los estilos barrocos ; El georgiano Gran Bretaña 1714-1837, éste cubre el Palladianism, Rococo, Chinoiserie, Neoclassicism, la regencia, tan bien como la continuación de influencias clásicas incluye el chino, el indio y los estilos egipcios, también el renacimiento gótico ; El Victorian Gran Bretaña 1837-1901, éste cubre la fase más de estudiante posterior de las influencias góticas del renacimiento, del francés, de renacimientos clásicos y del renacimiento, el esteticismo, estilo japonés, continuando influencia de China, indio y el mundo islámico, los artes y hace el movimiento y la escuela a mano escocesa.

No apenas el trabajo de artistas y de artesanos británicos está en la exhibición, pero el trabajo producido por los artistas europeos que fue comprado o comisionado por los patrón británicos. También importaciones de Asia, incluyendo la porcelana, el paño y el papel pintado. Los diseñadores y los artistas cuyo trabajo está en la exhibición en las galerías incluyen el Gian Lorenzo Bernini, Grinling Gibbons, Daniel Marot, Louis Laguerre, Antonio Verrio, sir James Thornhill, Guillermo Kent, sir Guillermo Chambers, Roberto Adán, Canaletto, Josiah Wedgwood, Matthew Boulton, Eleanor Coade, Canova, guardia, Thomas Chippendale, Augustus Welby Northmore Pugin, Guillermo Morris, Guillermo Burges, Charles Roberto Ashbee, aparador, de Juan de Christopher Marmota y Charles Rennie Mackintosh de James McNeill. Las obras de arte de sus colecciones, éstas representan a los patrón que han influenciado gusto también incluyen: El Horacio Walpole (una influencia importante en el renacimiento gótico), el Guillermo Thomas Beckford y el Thomas esperan .

Durante los cuatro siglos cubiertos, ven para cambiar en un cierto plazo, en el siglo XVI temprano la iglesia antes de la reforma y del gusto dominado británico de la monarquía, pero como el tiempo pasó primero a aristocracia, después también la clase media comienza a la gente que influencia estilo a tener cada vez más una influencia en gusto. Esto refleja abundancia nacional y energía de levantamiento, como extensión del comercio de Británicos alrededor del globo seguido por la fundación y extensión del Imperio británico .

Hay cinco cuartos completos de los edificios demolidos exhibidos en las galerías, éstos es: La sala del viejo del palacio Bromley-por-Arquea anticuado 1606 con el revestimiento de madera tallado del roble del Renacimiento-estilo, overmantel y adornó rico el techo del yeso: la sala a partir de la calle Londres del 2 Henrietta fechó 1727-28 diseñado por el James Gibbs con un techo elaborado con en las pinturas del sistema y talló la chimenea; el cuarto de la música de la casa de Norfolk, San Jaime Londres cuadrado anticuado 1756, diseñado por el Matthew Brettingham y Juan Battista Borra, el revestimiento de madera blanco y techo ha tallado y decoración rococó dorada con los espejos que emparejaban; el cuarto de la fresa del priorato Kent de Lee, anticuado 1783-94 diseñó por el James Wyatt en un estilo de Gothick : la antesala de la arboleda Harborne, Birmingham 1877-78 diseñó por el chambelán de John Henry en estilo neogótico Alto-Victorian . Fomentar allí son exhibiciones de partes de cuartos: el cuarto c1585-c1620 del granero de Hayes, atribuido al arquitecto aficionado Juan Osborne es un ejemplo temprano para Gran Bretaña del uso correcto de las órdenes clásicas solamente la pared de extremo y la parte del techo es exhibido debido al tamaño del cuarto. Hay de dos cuartos diseñados de Roberto Adán en la demostración, una sección de una pared de la sala de estar de cristal de la casa de Northumberland anticuada 1773-1775, los paneles principales consisten en el vidrio movido hacia atrás por la hoja roja, el vidrio de las pilastras movido hacia atrás con la hoja verde y cubierto por las tallas elaboradas de la madera dorada, y hay una inserción neoclásica de la pintura sobre la puerta, el otro cuarto viene de los edificios c1772 de Adelphi, demolidos en 1936, sólo el techo y la chimenea sobreviven.

Algunos de los trabajos más notables exhibidos en las galerías incluyen: Busto coloreado de la terracota de Pedro Torrigiani Henry VII anticuado 1509-11; Las bestias heráldicas de Dacre, tallas de 2 metros de alto extraordinarias de un toro, gryphon, espolón y salmones, en los colores realistas, anticuados 1519-21; caja de la escritura de s de VIII Henry la 'fechó 1525 hizo de la nuez y del roble, alineó con cuero y pintó y doró con la capa de brazos del rey; Un Spinet anticuado 1570-1580 para el Elizabeth I : la gran cama de las mercancías, anticuada 1590-1600, una cama imperial elaboradamente tallada con el tablero principal embutido con la marquetería, dijo dormir doce personas; el retrato por el Marco Gheeraerts el más joven fechó c1620 de Margarita Laton y la chaqueta bordada real que el canguro está usando en la pintura; busto de s de Bernini el 'del descortezador de Thomas fechó c1638; la tapicería de Mortlake fechó a la mediados de-decimoséptima pieza del siglo de una serie que cubría el Venus de la historia y el Vulcan ; la relevación de madera de empedrar de St Stephen fechó c1670 de Grinling Gibbons; la cama del estado de la casa de Melville anticuada 1700, sobre 4.6 metros de alto con hangings del terciopelo italiano carmesí y de las guarniciones de seda chinas; Los hangings del bordado alimentan a Edith anticuada c1710-20; un sistema único de los cubiertos es el sistema del vino de Macclesfield, anticuado 1719-1720, consiste en un refrigerador de vino grande, cisterna y la fuente dura para los vidrios de vino que se lavan, el trabajo de Anthony Nelme, éste es el único sistema completo sabido para sobrevivir; la escultura de tamaño natural George Frederick Handel anticuado 1738 por el Louis-François Roubiliac ; la escultura del echador y de Pollux anticuados 1767 por el José Nollekens ; una tabla de preparación de la oficina anticuada 1771-5 por Thomas Chippendale; la duquesa del gabinete de Manchester anticuada 1776, diseñada por el Roberto Adán y placas de incorporación de Pietra Dura hechos por Baccio Cappelli; hay dos esculturas de Canova que se exhiben alternativamente, las tres tolerancias anticuadas 1815-17, cuando ésta es en la exhibición en el las galerías nacionales de Escocia, después la ninfa el dormir anticuada 1822 se exhibe en lugar de otro. La pintura de la catedral de Salisbury de Grounds del obispo, anticuada 1823 por Juan Constable; la escultura de Bashaw anticuada 1831-34, éste es una vida como la escultura del conde del perro de Dudley hecho del mármol coloreado, el perro tiene una pata en una vida writhing de la serpiente igualmente como, el escultor era corrales Wyatt de Matthew; Una alfombra y una tapicería de Guillermo Morris; el aparador anticuado 1867-70 del trabajo de caoba y plateado ebonized del metal por el Edward Guillermo Godwin, muebles de Charles Rennie Mackintosh.

Las influencias en diseño que eran nuevas en diversos períodos y fueron exploradas en las exhibiciones, incluyen: en el período de Tudor, la extensión del libro impreso, el empleo cada vez mayor de artistas europeos y los artesanos y en el último siglo XVI, el establecimiento de tapicería que teje en el Sheldon trabaja; en el período de Estuardo el aumento en comercio especialmente con los lujos traídos Asia tiene gusto de las alfombras, los muebles, seda y porcelana del lacquerware, con en el alcance más de la población, las nuevas formas de muebles que aparecen en el ajuste doméstico tal como estantes para libros y los sofás y el uso cada vez mayor de la tapicería; en la edad georgiana hay un crecimiento en los jardines de Vauxhall de la hospitalidad que son un ejemplo, el crecimiento en el té que bebe y parafernalia asociada tal como China, los caddies y las tablas, la influencia del viaje magnífico en gusto, el crecimiento de la producción en masa como las tomas de la Revolución industrial se sostienen, produciendo a empresarios tales como Josiah Wedgwood, Matthew Boulton y Eleanor Coade ; las exhibiciones en la era Victorian investigan el impacto de la nueva tecnología en la fabricación con los ejemplos del uso de la maquinaria nuevamente inventada, también por primera vez puesto que la reforma la iglesia anglicana y católica tiene un impacto importante en arte y diseña especialmente el renacimiento gótico que comisiona arte y arquitectura en un gran escala, hay una exhibición grande en la gran exposición, que entre otras cosas llevó a la fundación del V&A, hay también el contragolpe contra la industrialización llevada por el Juan Ruskin, que llevaría a los artes y hace el movimiento a mano un pionero cuyo era Guillermo Morris.

Cortes del molde

considera también: El echó el

las cortes (Victoria y museo de Albert) Una de las partes más dramáticas del museo es las cortes del molde en el ala de la escultura, abarcando dos grandes, salas skylighted dos altos centenares de la cubierta de los cuentos de los moldes de yeso de los frisos de las esculturas y las tumbas . Uno de éstos es dominado por una reproducción completa de la columna, corte de Trajan adentro a medias para caber bajo techo. El otro incluye las reproducciones de varios trabajos de la escultura y de la arquitectura italianas del renacimiento, incluyendo una reproducción del mismo tamaño de David de Michelangelo. Las reproducciones dos anterior Davids por el Donatello y el Verrocchio, también se incluyen, aunque por razones de conservación la reproducción de Verrocchio se exhiba en un caso de cristal.

Las dos cortes son divididas por los pasillos en ambos cuentos, y las particiones que alineaban el pasillo superior (la galería de la escultura de Gilbert Bayes) fueron quitadas en 2004 para permitir que las cortes sean vistas de arriba.

Cerámica

Éste es el más grande y la colección más comprensiva en el mundo con sobre 75.000 objetos en la colección, cubriendo el globo entero, cada continente poblado se representa.

El pozo representado en la colección es la porcelana, esta fábrica de Meissen que es el primer en Europa para descubrir el método chino de porcelana de la fabricación, entre los ejemplos más finos es la datación del buitre de Meissen a partir de 1731. Los ejemplos del nationale de Sèvres de la fabricación son los siglos extensos, especialmente décimo octavos y diecinueveavo. La colección de porcelana británica del siglo XVIII es la más grande y el más fino del mundo, ejemplos de cada fábrica se representan, la colección de la porcelana de Chelsea y de la porcelana de Worcester que es especialmente fina. Todas las fábricas británicas principales del siglo XIX también se representan. Un alza importante a las colecciones era el legado que salaba hecho en 1909, que cubrió entre otras áreas chinas y cerámica japonesa, esto forma la parte de la colección más fina de cerámica y de porcelana asiáticas del este en el mundo, Kakiemon que estaba entre las mercancías exhibidas.

Muchos alfareros famosos, tales como Josiah Wedgwood, Guillermo Frend De Morgan y Bernard lixivian así como el Mintons Ltd y el Doulton real se representa en la colección, al igual que está la cerámica a partir de períodos anteriores. Hay una colección extensa de Delftware producido en Gran Bretaña y Holanda que incluya una pirámide c1695 de la flor sobre un metro en altura. El Bernard Palissy tiene varios ejemplos de su trabajo en la colección incluyendo platos, jarros y palmatorias. Los objetos más grandes de la colección son series de estufas de cerámica que fechan principalmente del décimosexto y los siglos XVII, hechos en Alemania y Suiza, tienen moldeados elaborados y el ornamento y algo se adornan con esquemas coloreados. Hay colección incomparable de italiano Maiolica y del lustreware de España. La colección de cerámica de Iznik de Turquía es la más grande del mundo. Todas las galerías de la cerámica se cierran actualmente excepto fechas des divulgación, pero con la ayuda de una concesión de la confianza de Headley el primer de las galerías remodeladas debe abrirse en 2009.

Contemporáneo

Estas galerías se dedican a los objetos expuestos temporales que muestran ambas tendencias a partir de últimas décadas y el más último de diseño y de la manera.

Manera y joyería

La colección del traje es la más comprensiva de Gran Bretaña, conteniendo sobre 14.000 equipos más los accesorios, cubre principalmente los cuatro siglos pasados y el más último de costuras se agrega a la colección, allí es también diseños en el papel. Pues la ropa diaria a partir de eras anteriores no ha sobrevivido generalmente la colección es dominada por la ropa de moda hecha para las ocasiones especiales. Algunos de los más viejos artículos de la colección son opus medieval Anglicanum de las vestiduras especialmente. Uno de los artículos más importantes de la colección es el juego de la boda James II de Inglaterra que esto se exhibe en las galerías británicas. Algunos de los legados más grandes del traje eran en 1913 la colección de Harrods que contenía 1.442 trajes y artículos, en 1971 la colección de Cecil Beaton de 1.200 trajes y artículos, y en 2002 la colección de Costiff de 178 trajes de Vivienne Westwood . Otros diseñadores famosos con el trabajo en la colección incluyen el Coco Chanel, el Yves Saint Laurent, el Zandra Rodas, la cantidad de Maria, el Christian Lacroix, el Jean Muir y el Pedro Cardin .

La colección de la joyería con sobre 6.000 artículos, cubiertas, entre otros períodos, Egipto antiguo, Grecia antigua, Roma antigua, el período medieval, joyas isabelinas, el siglo XVII, siglo XVIII, siglo XIX y encendido al hoy, allí es también diseños en el papel. Algunos de los pedazos más finos están al lado de Cartier, Peter Carl Fabergé y el Lalique, otros artículos en la colección incluye los ornamentos del vestido del diamante hechos para el Catherine The Great, los corchetes de la pulsera que pertenecen una vez al Marie Antonieta y el collar esmeralda de Beauharnais presentado por el Napoleon a su adoptado Hortense de Beauharnais de la hija en 1806. La joyería moderna es representada por los diseñadores tales como Gerda Flockinger y Wendy Ramshaw . No apenas la joyería occidental está en colección, pero también africano y asiático. Los legados importantes incluyen; Colección de Chauncy Hare Townshend reverendo de 154 gemas legadas en 1869; Señora Cory que en 1951 dio una colección de joyas que incluyeron la joyería importante del diamante a partir de los décimo octavos y diecinueveavo siglos; Dama Juan Evans, erudito preeminente de la joyería, bequethed en 1977 más de 800 joyas, fechando de las Edades Medias al siglo XIX temprano. Una nueva galería de la joyería, pagada por Guillermo y Judith Bollinger, debe abrirse en 2008.

Muebles y mobiliario

Los muebles y las cubiertas Gran Bretaña, Europa y América de la colección del mobiliario de las Edades Medias al presente. La colección contiene sobre 14.000 artículos eso: incluir, los cuartos completos, instrumentos musicales, relojes así como la datación occidental de los muebles principalmente de las Edades Medias al presente, aunque la mayoría de los muebles es datación británica entre 1700 y 1900, los ejemplos más finos se exhiben en las galerías británicas. Los diseñadores británicos con los trabajos en la colección incluyen: Guillermo Kent, Henry Flitcroft, cerradura, Thomas Chippendale, James Estuardo, compartimientos de Guillermo, Roberto Adán, Juan Gillow, James Wyatt, tolva, Charles Heathcote Tatham, A. Pugin, Guillermo Burges, Guillermo Morris, Charles Voysey, Charles Roberto Ashbee, Baillie Scott, Charles Rennie Mackintosh, Edwin Lutyens, Edward Maufe, de Matías de Thomas mana Coates y día del petirrojo. También la colección nacional de papel pintado es llevada a cabo por el museo.

Hay dos cuartos completos del siglo XVIII del continente en la exhibición: el gabinete de señora de Señora de Sévilly, anticuado 1781-2 de París, el arquitecto era Claude Nicolás Ledoux, con exquisito pintado artesonado del trabajo Jean Simeon Rousseau de la Rottiere y un “gabinete italiano glittering” de 1780, elíptico en plan con un techo abovedado reflejado y un piso elaborado del entarimado y un revestimiento de madera tallado.

La colección de Soulages de objetos italianos y franceses del renacimiento fue adquirida entre 1859 y 1865, éste incluyó varia datación de Cassone del décimo quinta y siglos XVI. La colección de Juan Jones que cubría arte francés y mobiliario del siglo XVIII fue dejada al museo en 1882, después valorado en £250,000, uno de los pedazos más importantes de esta colección es una cómoda de la marquetería al lado Jean-Enrique Riesener del ébéniste anticuado c1780, otros pedazos de muebles firmados en la colección incluyen una oficina por el Jean-François Oeben, un par de pedastles con el trabajo de cobre amarillo embutido por el Boulle de André-Charles, una cómoda de Bernard Vanrisamburgh y una mesa de trabajo por el Martin Carlin, y así como los muebles hay también, las pinturas, cerámica incluyendo una colección excepcional de Sèvres, orfebres trabajar, trabajo del ormolu, los esmaltes, escultura, tapicería, los libros y las impresiones. Otros ébénistes del siglo XVIII representados en la colección del museo incluyen al Adán Weisweiler, al roentgen de David, al Gil Joubert y a Pedro Langlois. A partir del siglo XIX Jacob-Desmalter. En 1901 el sir George Donaldson presentó varios pedazos de muebles del nouveau del arte al museo que él adquirió de la exposición Universelle de París, aunque esto fue criticada en ese entonces, el resultado que era que el museo dejó de recoger artículos contemporáneos, y no hizo tan otra vez hasta los años 60. En 1986 la colección de señora Abingdon de muebles franceses del imperio fue legada por el agujero de señora T.

Hay un sistema de puertas embutidas hermosas, anticuado 1580 ayuntamiento Amberes, atribuido al Juan Vredeman de Vries . Uno de los pedazos más finos de muebles continentales en la colección es la oficina rococó c1750 anticuado gabinete de Augustus Rex de Alemania, con los montajes finos de Ormolu especialmente de la marquetería y. Uno de los pedazos más magníficos de muebles del siglo XIX es el gabinete francés alto elaborado fechó 1861-1867 hizo por M. Fourdinois, hecho del ébano embutido con maderas de la caja, de la cal, del acebo, de la pera, de la nuez y de la caoba así como el mármol con las tallas doradas. Los muebles diseñaron por el Ernesto Gimson, C. Voysey, los retretes de Adolfo y el Otto Wagner están entre los ejemplos de fines del siglo diecinueve y a principios de siglo 20 del siglo en la colección. El trabajo de modernists en la colección incluye el Le Corbusier, el Marcelo Breuer, el Charles y el rayo Eames, el Giò Ponti y el Eileen gris. El trabajo Frank Lloyd Wright es representado por la oficina de Kaufmann diseñada y construida entre 1934 y 1937 para el dueño de un almacén grande de Pittsburgh; no no actual en la exhibición debido al encierro del ala del col para el reconstrucción como el nuevo centro de educación - así como los otros muebles y mobiliario. Los diseñadores contemporáneos representados en la colección incluyen el Ron Arad .

El instrumento musical más importante de la colección es un violín al lado de Antonio Stradivari anticuado 1699, el instrumento musical más inusual en la exhibición es el bajo doble gigante atribuido al Gasparo DA Salò y poseído una vez por el Domingo Dragonetti . Edward Burne-Jones diseñó el piano magnífico en 1883 que era parte del legado del Ionides, construida por el Broadwood y los hijos, del roble manchado adornado con gesso del oro y de la plata-cerda joven. La mayor parte de los instrumentos musicales son cualquier teclado: pianos, spinets, clavicordios, órganos o varios instrumentos de la secuencia, a menudo con los embutidos elaborados o la talla.

Uno de los relojes más viejos de la colección es un reloj astronómico de 1588 de Francisco Nowe, uno del más grande es James Markwick el reloj de Longcase de los youngers de 1725 casi 3 metros en la altura y el Japanned. Otros fabricantes del reloj con el trabajo en la colección incluyen: Tapabocas de Thomas, Benjamin Lewis Vulliamy, Juan Ellicott y carpintero de Guillermo.

Vidrio

La colección cubre 4000 años del vidrio que hace, y los tiene sobre 6000 artículos de África, de Gran Bretaña, de Europa, de América y de Asia. La cristalería más temprana en la exhibición viene de Egipto antiguo y continúa con el romano antiguo, medieval, las áreas de la cubierta del renacimiento tales como vidrio veneciano y el vidrio bohemio y períodos más recientes, incluyendo el vidrio de Nouveau del arte por la comodidad Tiffany de Louis y el Émile Gallé, el estilo del art déco es representado por varios ejemplos de René Lalique. Hay muchos ejemplos del inglés cristalino de las lámparas, exhibidos en las galerías británicas y por ejemplo (atribuido a José Briati) c1750 anticuados venecianos extranjeros están en la colección. La colección del vidrio manchado es posiblemente la más fina del mundo, cubriendo el medieval a los períodos modernos, y cubriendo Europa así como Gran Bretaña. Varios ejemplos del vidrio heráldico del siglo XVI del inglés se exhiben en las galerías británicas. Representan a muchos diseñadores bien conocidos del vidrio manchado en la colección incluyendo, a partir del siglo XIX: Dante Gabriel Rossetti, Edward Burne-Jones y Guillermo Morris. Hay también un ejemplo del trabajo de Frank Lloyd Wright en la colección. los diseñadores del vigésimo siglo incluyen el Harry Clarke, el gaitero de Juan, el Patrick Reyntiens, Veronica Whall y el Brian Clarke .

La galería principal fue reajustada en 1994, la barandilla de cristal en la escalera y el entresuelo es el trabajo del carril de Danny, la galería que cubre el vidrio contemporáneo abierto en 2004 y la galería de la plata sagrada y del vidrio manchado en 2005. En esta 3ultima galería el vidrio manchado se exhibe a lo largo de los cubiertos laterales que comienzan en el siglo XII y que continúan al presente. Algo del vidrio manchado más excepcional, fechado 1243-1248 viene Sainte Chapelle, que será exhibido junto con otros ejemplos en las nuevas galerías medievales debidas abrirse en 2009. Los ejemplos del vidrio manchado británico se exhiben en las galerías británicas. Uno de los artículos más espectaculares de la colección es la lámpara al lado del valle Chihuly en el de la Rotonda en la entrada principal del museo.

Trabajo de metalistería

Esta colección sobre de la industria siderúrgica decorativa de 45.000 cubiertas de los artículos, el el molde labrado, de bronce, cubiertos, y arma la armadura de y, el estaño, el Brassware y los esmaltes (muchos ejemplos incluyendo Limoges ). La galería principal del trabajo del hierro fue reajustada en 1995.000 objetos hechos de la plata o el oro en la colección, la exhibición (el cerca de 15% de la colección) se divide en el cristiano secular y sagrado de la cubierta ( católico, anglicano y ortodoxo griego) y los recipientes y los artículos litúrgicos judíos . La galería de plata principal se divide en estas áreas: Plata británica pre-1800; Plata británica 1800 a 1900; modernist a la plata contemporánea; Plata europea. La colección incluye el pedazo sabido más temprano de plata inglesa con un sello anticuado, ésta es un cubilete de plata de la cerda joven anticuado 1496-97. Los plateros cuyo trabajo se representa en la colección incluyen el Paul de Lamerie y el Paul Storr cuyo Inkstand de Castlereagh anticuado 1817-19 es uno de sus trabajos más finos.

La galería principal del trabajo del hierro cubre el arrabio labrado y europeo a partir del período medieval al siglo a principios de siglo 20. El amo labrado Jean Tijou de la industria siderúrgica es representado por ambos ejemplos de su trabajo y diseña en el papel. Uno de los artículos más grandes es la pantalla de Hereford, pesando casi 8 toneladas, 10.5 metros de alto y 11 metros de ancho, diseñado por sir George Gilbert Scott en 1862 para el presbiterio en la catedral de Hereford, de la cual fue quitado en 1967. Fue hecho por Skidmore & Company. Su estructura de la madera y del arrabio se embellece con hierro labrado, latón pulido y cobre. Mucha del cobre y de la industria siderúrgica se pinta en una amplia gama de colores. Los arcos y las columnas se adornan con cuarzo y los paneles polished del mosaico.

Uno de los artículos más raros de la colección es 58 la alta palmatoria de Gloucester del cm, anticuada a c1110, hecho del bronce de la cerda joven; con el entrelazamiento alto elaborado e intrincado ramifica conteniendo pequeñas figuras y las inscripciones, es un viaje de force del bastidor de bronce. También de la importancia es el ataúd de la vinatera anticuado c1180 para contener las reliquias de la vinatera del St Thomas, hechas del cobre de la cerda joven, con las escenas esmaltadas del martirio del santo. Otro punto culminante es el báculo pastoral de Reichenau anticuado 1351. Estos artículos serán exhibidos en las nuevas galerías medievales debidas abrirse en 2009.

El Burghley Nef, un salero, francés, anticuado 1527-28, utiliza una cáscara del nautilus para formar el casco de un recipiente, que se reclina sobre la cola de una sirena del parcelgilt, que se reclina sobre un plinth hexagonal de la cerda joven en seis pies de la garra-y-bola. Ambos mástiles tienen la cañería y tapa-velas, y las lucha-tapas battlemented se hacen del oro. Esto será exhibida en las nuevas galerías del renacimiento debidas abrir 2009.

Pinturas y dibujos

La colección incluye cerca de 1130 pasteles británicos de los Watercolours de las pinturas al óleo las miniaturas de 6800 británicos y 650 europeos y 2000 para las cuales el museo lleva a cabo la colección nacional. También en préstamo al museo, de su majestad el Elizabeth II de la reina, es las historietas de Raphael: los siete diseños completos de la supervivencia (había diez) para las tapicerías en la capilla de Sistine, de las vidas Peter y Paul de los evangelios y de los actos de los apóstoles . Hay también encendido exhibición al fresco al lado de Pedro Perugino anticuado 1522 de la iglesia Perugia de Castello di Fortignano y es entre los trabajos pasados del pintor. Uno de los objetos más grandes de la colección es el tempera español en la madera, 670 x 486 cm, vuelve a presentar de San Jorge, c1400, consistiendo en muchas escenas y pintado por Andrés Marzal De Sax en el Valencia .

representan a los artistas británicos del siglo XIX bien. Los dibujos representan al guardia y el J. Turner de Juan las pinturas al óleo, los colores de agua y. Uno de los objetos más inusuales en la exhibición es showbox experimental de s de Thomas Gainsborough 'con sus paisajes retroiluminados, que él pintó sobre el vidrio, que permitió que fueran cambiados como diapositivas. Otros pintores del paisaje con los trabajos sobre la exhibición incluyen el Philip James de Loutherbourg, el Peter de Wint y la sala de Juan.

En pinturas dotadas 1857 de Juan Sheepshanks las 233, principalmente por los artistas británicos contemporáneos, y un número similar de dibujos al museo con la intención de formar “un National Gallery del arte británico”, un papel desde tomado encendido por el Tate Gran Bretaña ; los artistas representados son Guillermo Blake, James Barry, Henry Fuseli, Edwin Henry Landseer del sir, David Wilkie del sir, Guillermo Mulready, Guillermo Powell Frith, Millais y Hipólito Delaroche . Aunque algunos de los trabajos del guardia vinieran al museo con el legado de Sheepshanks, su hija Isabel en 1888, incluyendo el gran número de bosquejos en aceite donó la mayoría de los trabajos del artista, el ser más significativo el bosquejo del mismo tamaño del aceite 1821 para el el heno Wain . Otros artistas con los trabajos en la colección incluyen: Bernardino Fungai, Marco Gheeraerts el más joven, Domingo di Pace Beccafumi, Fioravante Ferramola, Jan Brueghel la anciano, Anthony van Dyck, Ludovico Carracci, Antonio Verrio, Juan Battista Tiepolo, Domingo Tiepolo, Canaletto, Francisco Hayman, Pompeo Batoni, Benjamin del oeste, Paul Sandby, Richard Wilson, Guillermo Etty, Henry Fuseli, sir Thomas Lorenzo, James Barry, Francisco Danby, Richard Parkes Bonington y Alfonso Legros .

La colección de Richard Ellison de 100 watercolours británicos fue dada por su viuda en 1860 y 1873 “para promover la fundación de la colección nacional de pinturas del color de agua”. Sobre 500 británicos y las pinturas al óleo europeas, los watercolours y las miniaturas y 3000 dibujos e impresiones fueron legados en 1868-9 por las liebres Townshend y Alexander Dyce de Chauncey de los clérigos.

Varias pinturas francesas incorporaron a la colección como parte de las 260 pinturas y miniaturas (no todos los trabajos eran franceses, por ejemplo Virgen y niño de s de Crivelli Carlos ') que formó la parte del legado de Jones de 1882 y como tales son exhibidos en las galerías del arte continental 1600-1800, incluyendo el retrato del d'Alençon de Duc por el François Clouet, el Gaspar Dughet y los trabajos por el François Boucher incluyendo su retrato de señora de Pompadour anticuado 1758, al Jean François de Troy, al padrenuestro de Jean-Baptiste y a sus contemporáneos.

Otro benefactor Victorian importante era Constantina Alexander Ionides, que dejó 82 pinturas al óleo al museo en 1901, incluyendo trabajos por el Botticelli, Tintoretto, Adriaen Brouwer, Jean-Baptiste Camilo Corot, Gustave Courbet, Eugène Delacroix, Théodore Rousseau, Edgardo desgasifica, mijo, Dante Gabriel Rossetti, Edward Burne-Jones de Jean-François, más watercolours y sobre 1000 dibujos e impresiones

El legado que salaba de 1909 incluyó, entre otros trabajos, colores de agua de J. Otros colourists del agua incluyen: Guillermo Gilpin, Thomas Rowlandson, Guillermo Blake, venta Cotman de Juan, Paul Sandby, Guillermo Mulready, Edward Lear, marmota de James Abbott McNeill y Paul Cezanne .

Hay una copia de la escuela de Raphael de Atenas sobre 4 metros al lado de 8 metros de tamaño, anticuada 1755 por Raphael Mengs de Antón en la exhibición en la corte del este del molde.

Los Miniaturists representados en la colección incluyen el Jean Bourdichon, el Juan Holbein el más joven, el Nicholas Hilliard, el Isaac Oliverio, el Peter Oliverio, el Jean Petitot, el fabricante de vinos de Alexander, el fabricante de vinos de Samuel, el Thomas Flatman, el Rosalba Carriera, el Friedrich cristiano Zincke, el George Engleheart, el Juan elegante, el Richard Cosway y el Guillermo Charles Ross .

Los dibujos en la colección de c10,000 Británicos y de trabajos del viejo maestro c2,000, incluyen el trabajo cerca: Dürer, Juan Benedetto Castiglione, Bernardo Buontalenti, Rembrandt, Antonio Verrio, Paul Sandby, Juan Russell (pintor), angélica Kauffmann, Juan Flaxman, Hugh Douglas Hamilton, Thomas Rowlandson, Thomas Girtin, Jean-Auguste-Dominique Ingres, David Wilkie, Juan Martin (pintor), Samuel Palmer, Edwin Henry Landseer del sir, Federico Leighton del señor, Samuel Lucas Fildes del sir y Aubrey Vincent Beardsley . Los artistas británicos modernos representados en la colección incluyen: Paul Nash, Percy Wyndham Lewis, papada de Eric, chaqueta de punto de Stanley, gaitero de Juan, Graham Sutherland, Lucien Freud y David Hockney . Para conservar los dibujos, las exhibiciones en la galería se cambian regularmente.

Períodos y estilos

Estas galerías cubren un período entero en el diseño occidental, objetos en la exhibición cubren todas las áreas de las colecciones relevantes a ese período, éstas del museo son: renacimiento medieval de y; Rococo barroco de y; Siglo XVIII incluyendo el Neoclassicism ; siglo XIX incluyendo, estilo del imperio, artes y artes y arte Nouveau ; vigésimo siglo incluyendo, art déco y modernismo . Todas estas galerías deben cerradas pero abrir de nuevo antes de 2008 o 2009.

Fotografía

La colección contiene sobre 500.000 imágenes que fechan del advenimiento de la fotografía, la datación más vieja de la imagen a partir de 1839. La galería exhibe una serie de objetos expuestos cambiantes y es cerrada cuando entre las exposiciones permitir redespliegue.

La colección incluye el trabajo de muchos fotógrafos de Fox Talbot, Julia Margarita Cameron, Clementina Maude, Gustavo Le Gray, Benjamin Brecknell Turner, Frederick Hollyer, Samuel Bourne, Rogelio Fenton, Man Ray, Enrique Cartier-Bresson, Ilse Bing, Bill Brandt, Cecil Beaton (hay sobre 8000 de sus negativas, de Don McCullin, de David Bailey y de Helen Chadwick al hoy.

Una de las colecciones más inusuales es la fotografías de s de Muybridge Eadweard de las 'de la locomoción animal de 1887, éste consiste en 781 placas. Estas secuencias de fotografías tomadas una fracción las imágenes separadas de una captura de segundo de diversas acciones del performimg de los animales y de los seres humanos varias. Hay varios imágenes de s 1876-7 de Thomson Juan de 'de la vida de calle en Londres en la colección. Uno del más interesante de las colecciones es los retratos de la sociedad de James Lafayette, la colección contiene sobre 600 fotografías que fechan del de fines del siglo diecinueve a los siglos a principios de siglo 20. Los temas cubiertos incluyen: los obispos, los generales, las señoras de la sociedad, los Maharaj3aes indios, los reglas etíopes y otros líderes extranjeros, las actrices, la gente que presentaba en sus coches de motor y una serie que cubría la bola de vestido de lujo famosa celebraron en la casa de Devonshire en 1897 para celebrar jubileo de diamante de la reina Victoria.

En el Smail 2003 y 2007 de Penélope y Kathleen Moffat, archivo extenso de Curtis Moffat abundante donado al museo. Él creó las fotografías abstractas dinámicas, las aún-vidas innovadoras del color y los retratos atractivos de la sociedad durante los años 20 y los años 30. Él era también una figura giratoria en diseño interior modernista. En París durante los años 20, Moffat colaboró con Man Ray, produciendo los retratos y los fotogramas abstractos o los “rayographs”.

Impresiones y libros

El museo contiene la biblioteca nacional del arte, conteniendo sobre 750.000 libros, es una de las bibliotecas más grandes del mundo dedicadas al estudio de artes finos y decorativos. La biblioteca cubre todas las áreas y períodos de las colecciones del museo con las colecciones especiales que cubren los libros raros iluminados de los manuscritos y las letras y los archivos de los artistas.

La biblioteca consiste en tres cuartos públicos grandes, con alrededor de los escritorios del estudio de cientos individuos. Éstos son el cuarto del oeste, sitio del centro y sitio de lectura. El cuarto del oeste se cierra pero abrirá de nuevo actual en 2007. El cuarto del centro contiene el “material de la colección especial”.

Uno de los grandes tesoros en la biblioteca es el códice Forster, algo cuadernos de s de Leonardo Da Vinci de los ', abarcado de tres pergamino-limita los manuscritos, Forster I, Forster II, y Forster III, absolutamente pequeño de tamaño, anticuado entre 1490 y 1505. Su contenido incluye una colección grande de bosquejos y de referencias a la escultura ecuestre comisionada por el duque Ludovico Sforza de Milano para conmemorar su Francisco Sforza del padre. Éstos fueron legados con sobre 18.000 libros al museo en 1876 por el Juan Forster . El reverendo Alexander Dyce era otro benefactor de la biblioteca, yéndose sobre 14.000 libros al museo en 1869. Entre los libros que él recogió están las ediciones tempranas en griego y el latín Aeschylus de los poetas y de los dramaturgos, Aristotle, del home run, Livy, Ovid, Pindar, Sophocles y Virgil . Autores más recientes incluyen el Juan Boccaccio, el Dante, el Racine, el Rabelais y el Molière .

Los escritores cuyos papeles están en la biblioteca son tan diversos como el Charles Dickens y el alfarero de Beatriz. Los manuscritos iluminados en la datación de la biblioteca del 12ma a los siglos XVI incluyen: el salterio, Cantorbery de Eadwine; Libro Pocket de las horas, Reims ; Missal de la abadía real del santo Denis, París; el libro de horas, Brujas de Simon Marmion; Carta 1524 iluminada por el Lucas Horenbout, Londres; el manuscrito de Armagnac del ensayo y de la rehabilitación Juan del arco, Ruán . también el período Victorian es representado por Guillermo Morris.

La colección de impresión tiene sobre 500.000 artículos, que abarca: los carteles, las tarjetas de felicitaciones, placas de libro, así como impresiones del renacimiento al presente, incluyendo trabajos Rembrandt, Guillermo Hogarth, Juan Battista Piranesi, Canaletto, Karl Friedrich Schinkel, Enrique Matisse y de sir Guillermo Nicholson .

Escultura

La colección de la escultura en el V&A es la tenencia más comprensiva de la escultura europea posclásica en el mundo. Hay aproximadamente 17.500 objetos en la colección que cubren el período del ANUNCIO cerca de 400 a 1914. Este cubiertas entre el otro esculturas de marfil bizantinas Anglo del sajón de de los períodos y, Británicos, estatuas y tallas medievales francesas y españolas, los períodos del renacimiento, del Barroco, neoclásicos, del Victorian y del arte de Nouveau . Todas las aplicaciones de la escultura se representan, de la tumba y conmemorativo, al retrato, el alegórico, religioso, mítico, estatuas para los jardines incluyendo las fuentes, así como decoraciones arquitectónicas. Los materiales usados incluyen, vetean, alabastro, piedra, la terracota, madera (historia de la madera que talla ), marfil, Gesso, yeso, bronce, plomo y cerámica.

La colección de escultura italiana, medieval, del renacimiento, barroca y neoclásica (original y en forma echada) es exterior sin igual de Italia. Incluye de s de Canova 'las tres tolerancias, que el museo posee en común con las galerías nacionales de Escocia . Los escultores italianos cuyo trabajo es celebrado por el museo incluyen: Bon, Bartolomé Bellano, della Robbia, Juan Pisano, Donatello, Agustín di Duccio, Andrea Riccio, Antonio Rossellino, Andrea del Verrocchio, Antonio Lombardo, Andrea Riccio, embarcadero Jacopo Alari Bonacolsi, della Robbia, Michelozzo di Bartolomé, Michelangelo (representado por un modelo a pulso de la cera y los moldes de sus esculturas más famosas), Jacopo Sansovino, Alejandro Algardi, Antonio Calcagni, Benvenuto Cellini ( anticuado principal de s de la medusa de Bartolomé de Luca de Andrea ' c1547), Agustín Busti, Bartolomé Ammanati, della Porta de Giacomo, Giambologna (Samson que mata un filisteo c1562, su trabajo más fino Italia exterior), Bernini ( Neptuno y Tritón c1622-3), Juan Battista Foggini, Vicente Foggini (Samson y los filisteos), Massimiliano Soldani Benzi, Antonio Corradini, Andrea Brustolon, Juan Battista Piranesi, Innocenzo Spinazzi, Canova, Carlos Marochetti y Rafaelle Monti . Una escultura inusual es la estatua romana antigua del narciso restaurado por Valerio Cioli c1564 con yeso. Hay varios bronces de la pequeña escala al lado de Donatello, de Alejandro Vittoria, de Ticiano Aspetti y de Francisco Fanelli en la colección. El artículo más grande de Italia es la capilla del presbiterio de Santa Clara Florencia anticuada 1493-1500, diseñado por el Juliano DA Sangallo que es 11.1 metros en altura al lado de 5.4 metros ajustar, incluye un tabernáculo sculpted magnífico de Antonio Rossellino y decoración coloreada de la terracota. El Rodin se representa cerca sobre 20 trabajos en la colección del museo, haciéndole uno de las colecciones más grandes del trabajo del escultor fuera de Francia; éstos eran dotados al museo del escultor en 1914, como reconocimiento de la ayuda de Gran Bretaña de Francia en la Primera Guerra Mundial, aunque la estatua San Juan el Bautista hubiera sido comprada en 1902 por la suscripción pública. Otros escultores franceses con el trabajo en la colección son Huberto Le Sueur, François Girardon, Miguel Clodion, Jean-Antonio Houdon, Jean-Baptiste Carpeaux y Julio Dalou .

Hay también varios trabajos del renacimiento de los escultores europeos norteños en la colección incluyendo trabajo cerca: Veit Stoss, Tilman Riemenschneider, Hendrick de Keyser, enero van Schayck, Juan Daucher y Peter Flotner . Los trabajos barrocos de la misma área incluyen el trabajo de, el Adriaen de Vries y el Sébastien Slodtz . Los sculpters españoles con el trabajo en la colección incluyen el Alonso Berrugete y el Luisa Roldán representado por su Virgen y niño con St Diego de Alcala c1695.

Los escultores Británicos y los europeos que fueron basados en Gran Bretaña y cuyo trabajo está en la colección incluyen: El Nicholas de piedra, Caius Gabriel Cibber, Grinling Gibbons, Juan Michael Rysbrack, Louis-Francois Roubiliac, Peter Scheemakers, sir Henry Cheere, Agustín Carlini, Thomas deposita, José Nollekens, José Wilton, Juan Flaxman, sir Francisco Chantrey, Juan Gibson, Edward Hodges Baily, señor Leighton, Alfred Stevens, Thomas Brock, Alfred Gilbert, George Frampton, papada de Eric. Una muestra de algo del trabajo de estos escultores está en la exhibición en las galerías británicas.

Con la abertura de las galerías de la escultura de Dorothy y de Michael Hintze en 2006 era decidido para ampliar la cronología de los trabajos sobre la exhibición hasta 1950, éste ha implicado préstamos por otros museos, incluyendo Tate Gran Bretaña, trabaja tan por el Henry Moore y el Jacob Epstein junto con otro de sus contemporáneos ahora está en la visión. Estas galerías concentran en los trabajos anticuados 1600 a 1950 por los escultores británicos, los trabajos por los escultores continentales que trabajaron en Gran Bretaña, y los trabajos comprados por los patrón británicos de los escultores continentales, tales como Theseus y el Minotaur de Canova. Las galerías que pasan por alto el jardín son arregladas por tema, la escultura de la tumba, el retrato, la escultura del jardín y la mitología. Entonces hay una sección que de las cubiertas la diecinueveavo tarde y a principios de siglo 20 escultura del siglo, ésta incluye al trabajo de Rodin y a otros escultores franceses tales como Dalou que pasó varios años en Gran Bretaña en donde él enseñó a la escultura.

Los trabajos de una escala más pequeña se exhiben en la galería de Gilbert Bayes, cubriendo especialmente la escultura inglesa medieval del alabastro, los bronces, esculturas de madera y tienen demostraciones de varias técnicas tales como bastidor del bronce usar Perder-enceran el bastidor .

Exhibirán a la mayoría de la escultura medieval y del renacimiento en las nuevas galerías medievales y del renacimiento en 2009.

Uno de los objetos más grandes de la colección es el Roodloft de Hertogenbosch de Holanda, anticuada 1610-1613 que éste es tanto un trabajo de la arquitectura como la escultura, 10.8 metros de alto, el marco arquitectónico está de varios mármoles coloreados incluyendo las columnas, los arcos y la barandilla, contra los cuales están las estatuas y los Bas-reliefs y otras tallas en alabastro, el trabajo del escultor Conrado van Norenberch.

Materias textiles

La colección de materias textiles consiste en sobre 38.000 ejemplos, principalmente de Europa occidental aunque todos los continentes poblados se representan, fechando a partir del 1ra ANUNCIO del siglo al presente, esto es la más grande tal colección en el mundo. Las técnicas representadas incluyen: el tejer, impresión, bordado, cordón, tapicería y alfombras. Éstos se clasifican por técnica, los países de origen y la fecha de la producción. Las colecciones se representan bien en estas áreas: sedas tempranas de Cercano Oriente, del cordón, de las tapicerías europeas y del bordado medieval inglés de la iglesia.

Ambos centros ingleses principales de tejer de la tapicería del décimosexto y los siglos XVII respectivamente, Sheldon y Mortlake son representados en la colección por varios ejemplos. Al igual que ejemplos a partir del taller de Juan Vanderbank, del manufactory inglés principal de la tapicería en el último 17mo y de siglos XVIII tempranos. Algunas de las tapicerías más finas son ejemplos del taller de los duendes, incluyendo un sistema de “Jason y de los argonautas” que fechan a partir de los 1750s. Otros centros continentales de la tapicería que tejen con el trabajo en la colección incluyen el Bruselas, el Tournai, el Beauvais, el Estrasburgo y el Florencia . Uno de los puntos culminantes de la colección es las cuatro tapicerías de la caza de Devonshire, tapicerías muy raras del siglo XV, tejidas en los Países Bajos, representando la caza de varios animales; no apenas su edad pero su tamaño hace éstos únicos. La colección tiene ejemplos numerosos de varios tipos de materias textiles diseñadas por Guillermo Morris, incluyendo, bordado, telas tejidas, tapicerías (tapicería incluyendo “del bosque” de 1887), mantas y alfombras, tan bien como diseños de los libros de patrón y del papel. El período del art déco es cubierto por las mantas y las telas diseñadas por el Marion Dorn . A partir del mismo período hay una manta diseñada por la sarga Chermayeff .

Museo del teatro

El museo del teatro se cerró en el 2007 del 7 de enero . Las colecciones son almacenadas por el V&A y están disponibles para la investigación y las exposiciones. Las galerías de V&A de la colección del teatro se están abriendo en noviembre de 2007, comenzando con una exposición conjuntamente con la sociedad de los diseñadores británicos del teatro.

Exposiciones

El V&A celebra algunas de las exposiciones más impresionantes en arte en Londres, éste es en parte debido a las galerías grandes dedicadas a las exposiciones temporales. Un año típico considerará sobre diversas exposiciones una docena que son efectuadas cubriendo todas las áreas de las colecciones. Algunas de las exposiciones más grandes de últimos años han sido:
Art déco del

: 27 de marzo - 2003 del 20 de julio
Arte gótico para Inglaterra 1400-1547: 2003 - del 9 de octubre 2004 del 18 de enero
Encuentra la reunión de Asia y de Europa 1500-1800: 23 de septiembre - 2004 del 5 de diciembre
Artes y artes internacionales: 17 de marzo - 2005 del 24 de julio
Modernismo que diseña un nuevo mundo: 2006 - del 6 de abril 2006 del 23 de julio
Kylie - la exposición: 8 de febrero - 2007 del 10 de junio
La época dorada de costuras - París y Londres 1947-1957 2007 del 22 de septiembre - 2008 del 9 de enero

Directores

Directores del museo de V&A

Imágenes

Vidrio

Pinturas y dibujos

Escultura

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Zenithic

Paul Bryant (DJ)

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